外國電影史筆記

『壹』 外國電影史｜評價新好萊塢

二十世紀六七十年代的美國，電影業在自身創作質量持續走低以及在電視製作的沖擊下，已難以維持自身的活力。一大批新興電影熱為革新好萊塢的創作，開始對類型電影進行了自反式的探索，

60年代下半期「新好萊塢」電影的出現，使得戰後陷入危機的美國傳統主流電影得到了更新，並且在七八十年代迎來了好萊塢第二個黃金時期，重新奪回了世界影壇霸主的地位

一方面，「新好萊塢」打破了傳統好萊塢純粹的商業電影一統天下的局面，使之在多元化的格局中確立了美國本土「藝術電影」和「作者電影」的地位。青年導演們對經典好萊老襪轎塢的革新，既體現在思想觀念上，也實施於藝術形式上。在思想方面，他們力圖擺脫傳統的「造夢」觀念和梳離社侍肆會現實的傾向，開始關注美國民眾尤其年輕一代人的生活狀態和內心感情。在電影形式方面，「新好萊塢」影片也吸收了歐洲新浪潮與現代主義電影的革新精神，勇於創造個性化的電影語匯，變革傳統的敘事類型和方式。

另一方面，「新好萊塢」電影的革新畢竟是屬於體制內部的，因此不同程度上繼好冊承了經典好萊塢的傳統。好萊塢的商業利益終究是不可動搖的第一原則，在電影敘事上，他們一般不放棄「劇情片」「動作片」等最能抓住觀眾的樣式，比歐洲導演更注重娛樂性、可看性。

總之，新好萊塢風潮的誕生，一方面打破了傳統戲劇化、造夢的經典好萊塢製片格局，開始大批量啟用新人導演，使得好萊塢迅速走向新的時代；另一方面，崇尚「新浪潮」和「作者電影」論的導演迅速加入，使得好萊塢的風格開始呈現百家爭鳴的場面，不再被類型片所限制，進入了現代電影時代。

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『貳』 外國電影史 | 電影眼睛派&真實電影

| | 電影眼睛派 | |

是1923年，蘇聯電影導演吉加·維爾托夫首創的電影理論、創作方法和審美體系。他們把電影攝像機比作人的眼睛，主張電影工作者手持攝影機「出其不意的捕捉生活」，反對敘事性影片，反對人為的搬演，排斥演員、化妝、布景、照明和攝影棚中的藝術加工。

維爾托夫認為必須有一種電影能夠擺脫人為情節，將真實的戰爭場面和社會現實記錄下來，於是他從電影紀錄本性出發，提出「攝影機——眼睛」理論，開創了非常著名的「電影眼睛派」，所謂「電影眼睛」指的是攝影機就是人的肉眼，攝影機看到的世界就是人的世界，攝影機甚至比肉眼更加強大，即 「攝影機是人眼的延伸」 ，因此，我們可以通過攝影機眼睛對世界進行探究，藉助攝影機這個工具幫助受壓迫的無產階級了解現狀。「電影眼睛」的理論被庫里肖夫等人追隨和效仿，影響了之後蒙太奇的發展。

《帶攝影機的人》

是蘇聯著名導演維爾托夫於1929年創作的影片。影片呈現了一個縝密的套層結構：表層上是一部紀錄蘇聯勞動人民平凡生活的城市交響曲，其內層則講述了攝影機如何紀錄生活、攝影師如何進行拍攝和剪輯。

在這部影片中，維爾托夫富於創造性地採用了「實景拍攝」、偷拍、強拍等方法，竭力排斥傳統的場面調度、電影劇本、演員和攝影棚的使用，踐行了他的「電影眼睛派理論」。

在技術方面，本片還創造了分割畫面、二次曝光等剪輯手法；在理論上創造了「自我暴露」的拍攝手法，即攝影者出現在影片中。該片最大的意義不僅在於紀錄下了一個時代一個城市的現實生活場景，更多地在於其理論與技術相結合所實現的價值，所以本片是一部偉大的作品。

真實電影

是從20世紀50年代末開始的一個以直接紀錄手法為基本特徵的電影創作流派。包括法國的真實電影運動和美國的直接電影運動。其靈感來源於蘇聯導演吉加·維爾托夫的「電影眼睛派」理論和實踐。

| 真實電影 |

真實電影主張：(1).直接拍攝真實生活，排斥虛構；(2).不要事先編寫劇本，不用職業演員；(3).影片的攝制組只有三個人組成，即導演、攝影師和錄音師，由導演親自剪輯底片。在這一電影流派內部，法國真實電影和美國直接電影的唯一不同之處在於：法國人主張導演可以介入拍攝過程，而美國人則力求避免干涉事件的過程，要求導演採取嚴格的客觀立場，以免破壞對象的自然傾向。

真實電影的拍攝方法要求導演能夠准確地發現事件和預測其戲劇性過程，要求攝制組動作敏捷，當機立斷。這種方法必然給影片的題材造成很大的限制，因此，純粹意義上的真實電影作品為數很少。真實電影作為一個流派的更大意義在於它為一般的故事片創作提供了一個保證最大限度的真實性的拍攝方法，在這一點上，其影響是深遠的。真實電影的代表人物及作品有：法國的讓·魯時《一個夏天的故事》、美國的理查德·利科克的《大衛》等。

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『叄』 我想考編劇的研究生，北京電影學院和中國藝術研究院哪個更好考啊

藝術研究院……我的看法可能有所偏頗，首先，它的寢室和教學區是分開的，你要坐地鐵上下課……_(:зゝ∠)_
其次，它比較像一個養老聖地，學術氛圍以及和導師的交流，都比較……
再然後，你有中意的導師嗎？北電也好，藝研院也好，去見過聊過嗎？

『肆』 外國電影史丨英國記錄電影運動

英國記錄電影運動

是英國的一次以約翰·格里爾遜為首的有組織的紀錄片攝制運動，始於20世紀30年代。格里爾遜反對以虛構的故事和人工的布景演出的電影，認為這是對電影這一最有群眾影響力的藝術媒介的誤用。

英國記錄電影運動在創作思想上受蘇聯電影的影響較深，尤其是維爾托夫的「電影眼睛」理論，同時他們也廣泛吸收了華爾特·魯特曼的「交響樂式」蒙太奇手法、法國先鋒派的各種傾向以及荷蘭的尤里斯·伊文思和弗拉哈迪的經驗。他們一方面十分強調影片的社會意義，主張紀錄片應當是富有創造性的對真實生活場面的處理，是一種直接的宣傳手段；

另一方面非常注意在再現真實生活場面時進行藝術加工。英國記錄電影運動的主要作品有：格里爾遜的《漂網漁船》（1929年）、瑞特的《錫蘭之歌》（1934年）、瑞特和華特的《夜郵》（1936年）、卡瓦爾康蒂的《煤礦工人》（1936年）等。

約翰·格里爾遜：

是英國記錄電影運動的領袖，英語「紀錄片」documentary一詞的命名者，他在評論弗拉哈迪第二部影片《摩阿拿》時首次提出了這一說法。格里爾遜在創作思想上受蘇聯電影的影響較深，尤其是維爾托夫的「電影眼睛」理論，同時他也廣泛吸收了華爾特·魯特曼的「交響樂式」蒙太奇手法、法國先鋒派的各種傾向以及荷蘭的尤里斯·伊文思和弗拉哈迪的經驗。

他十分強調影片的社會意義，主張紀錄片應當是富有創造性的對真實生活場面的處理，是一種直接的宣傳手段；另外，非常注意在再現真實生活場面時進行藝術加工。

他的代表作品是1929年拍攝的著名的影片《漂網漁船》，此片描寫北海漁民捕撈的生活，這部影片最大的意義在於踐行了他的電影理論。在藝術技巧方面，格里爾遜運用了由愛森斯坦和普多夫金發展的交響樂式的影片結構原則和強有力的剪輯手法，富有詩情畫意。

《漂網漁船》：

是1929年英國紀錄片學派的領袖格里爾遜拍攝的第一部也是唯一一部紀錄片。影片以反映北海漁民捕撈鯡魚的勞動生活為題材，突出了「人類勞動的韻律和意義」。

格里爾遜在這部影片中明顯受到了弗拉哈迪的影響，但在攝影和剪輯以及影片的主題表現上，卻是接受了蘇聯蒙太奇學派的理論，並與維爾托夫和魯特曼等人的作品有直接關系。影片採用實景拍攝，富有創造性的對真實生活場面進行了處理，作為一種宣傳手段，產生了極大的社會意義；

影片採用了交響樂式的蒙太奇手法，產生了一種異國情調的美，富有詩情畫意。由於《漂網漁船》的漁船的成功，在格里爾遜身邊便團結了一批熱衷於電影的青年人，形成了著名的英國紀錄電影運動。

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『伍』 外國電影史 | 卓別林

  卓別林  

代表作：《淘金記》1925《城市之光》1931《摩登時代》1936《大獨裁者》1940。。。。

拍攝於1923年《尋子遇仙記》是他的喜劇影片走向成熟的標志，一個完整而深刻的流浪漢「查理」的形象由此誕生。這部根植於美國現實生活，又充滿了傷感、幽默的詩意作品，奠定了他以後創作的基礎。

 卓別林  

他通過《流浪漢》《移民》《安樂街》等短片，不斷地改進這位紳士流浪漢的形象和內在的品質，拋棄了塞納特喜劇的低級庸俗趣味，以及為搞笑而搞笑的做法，試圖圍繞這個「失敗的小人物」來表現更為嚴肅的社會主題。

同時又有著別出心裁的構思和天馬行空的想像力，影片雖大多數為喜劇，但涉及的主題、領域各有不同，其中橋段的設計巧妙，及其具有感染力。

1925《淘金記》這部被譽為「具有隱喻意義的經典作品」，確實把他擅長的滑稽敘事表演和深刻的悲劇因素、抒情格調發揮到了極致。影片塑造的淘金者形象，是對一切夢想成功小人物（其中包括卓別林自身經歷和體驗）的命運和情感的絕妙的藝術概括。影片中的「吃皮鞋」和「麵包舞」堪稱喜劇電影史上不朽的經典畫面。這些最精彩的喜劇段落，恰恰是主人公最絕望的情緒的表現。

卓別林對電影的貢獻，主要在於喜劇美學上的獨樹一幟，大幅提升了這個時代的喜劇美學品味。實現了與時代不同的自成體系的喜劇風格，為後世的喜劇發展提供了全新的思路。

他以博大的人道主義情懷、深刻的社會洞察力，以及別出心裁的構思，加上他富有想像力和感染力的啞劇表演，使其作品本身就具有相當藝術價值和社會價值，為人類創造了喜劇電影至今難以超越的高峰，他創造的是「含淚的喜劇」----真正現代的悲喜劇。

他的作品中既有對荒誕行為的嘲弄，也有小人物的無力與掙扎，加之充滿創造力的形體表演，成為了戲劇式喜劇電影無法逾越的高峰。

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『陸』 外國電影史中技術主義的流變

●德國表現主義Expressionism

表現主義(Expressionism)此字原為藝術史與批評的專用語，意指不再把自然視為藝術的首要目地，以線條、形體和色彩來表現情緒與感覺作為藝術的唯一目地。表現主義電影則發源於1920年的德國，此種電影中的演員、物體與布景設計都用來傳達情緒與心理狀態，不重視原來的物象意義。《卡里加利博士的小屋》(1919)即以運用這種手法而聞名。之後德國表現主義的風格影響到默片時代的一些好萊塢電影與1940年代的黑色電影，其它如希區考克與奧森．威爾斯亦受表現主義的影響。

●形式主義Formalism

文學、藝術或戲劇中專強調形式與技巧而不強調題材的表現手法。起源於1915年的俄國，因為莫斯科語言學圈及詩語言學會的成立，反對俄國革命前處理敘述材料的傳統方式，轉而重視藝術語言形式的重要性，逐步影響到當時的各藝術領域。在電影表現或分析上，形式主義強調不同形式的運用可以改變材料的內涵，剪接、繪畫性構圖與聲畫元素的安排都是形式主義電影工作者的興趣所在，如1920年代的普多夫金、愛森斯坦等均是此種主義的支持者。1930年代中期遭斯大林主義的壓迫而停止在俄羅斯的發展，但對後來的結構主義與符號學有很大影響。

●印象主義Impressionism

1920年代法國的電影創作者路易．狄呂克團結一批有才氣的導演，如亞伯．岡斯、哲敏．杜拉克等與一些在商業電影上已取得成究的電影導演，想在影片公司老闆出於商業考量而拍攝的影片中進行改革，以提升在一次世界大戰後日漸衰微的法國電影。但其努力沒有得到製片們支持，1924年狄呂剋死後運動即告失敗。一些人走向商業片，另一部份則走向前衛派道路。由於狄呂克的一些理論與創作概念與後來法國前衛電影運動有緊密聯系，所以印像派電影大都被認為是前衛電影的前奏或直接歸入前衛電影。重要作品有岡斯的《車輪》(1922)、狄呂克的《狂熱》(1921)杜拉克的《西班牙節日》(1919)等。

●超現實主義Surrealistfilm

1920年興起於法國，主要是將意象做特異的、不合邏輯的安排，以表現人類潛意識的種種狀態。路易斯．布紐爾的《安達魯之犬》可以算是早期超現實主義電影的經典作品。而超現實主義電影的興起旨在反抗寫實主義與傳統藝術，領導人安德烈．布列東的一篇宣言中提到：「一種純粹的心靈自動作用，在此作用之下，試著以語言、文字或其它任何方式，來表現思想真正的運作情形。」後來超現實主義成為實驗電影與地下電影的重要源頭，如美國的瑪雅．黛倫與肯尼斯．安格。商業電影中超現實主義並不是主要派別，只出現在個別導演的電影中，如伍迪．艾倫。

●新寫實主義Neorealism

二次世界大戰後在義大利興起的一個電影運動。主要代表人物有羅貝多．羅賽里尼、狄西嘉、魯奇諾．維斯康堤等。這類的電影大主題大都圍繞在大戰前後，義大利的本土問題，主張以冷靜的寫實手法呈現中下階層的生活。在形式上，大部份的新寫實主義電影大量採用實景拍攝與自然光，運用非職業演員表演與講究自然的生活細節描寫，相較於戰前的封閉與偽裝，新寫實主義電影反而比較像紀錄片，帶有不加粉飾的真實感。不過新寫實主義電影在國外獲得較多的注意，在義大利本土反而沒有什麼特別反應，1950年代後，國內的諸多社會問題，因為經濟復甦已獲抒解，加上主管當局的有意消弭，新寫實主義的熱潮於是慢慢消退。

<P> ●法國新浪潮NewWave

原本是沒有嚴格界定的新聞性用語，指1958與1959年間一批法國新導演所拍攝的格調清新，頻頻獲獎的首部作品。後則被廣泛運用，概括了法國1950年代末、1960年代初期的新電影製作與創作傾向。這些新導演有很多都是《電影筆記》雜志的影評人，如高達、楚浮、夏布洛、侯麥、李維特等。他們崇尚個人獨創性，表現出對傳統電影的高度自覺，並用其作品體現「作者論」的風格主張，不論是題材還是技法都與傳統電影大相徑庭。混合利用傳統電影類型與好萊塢導演風格，來實驗剪接與結構上的新形式。由於重視拍攝的自由度，往往只憑綱要性的腳本拍攝，喜歡即興與自發的拍攝方式。而其主題上則帶有存在主義的色彩，如亞倫．雷奈的，《廣島之戀》與高達的《斷了氣》均是這類影片。新浪潮這個詞自從1950年代末至1960年代初與法國結緣後，常被拿來形容其它國家新興的電影製作活動和電影復興現象。如捷克、匈牙利的新電影，1960年代的波蘭與1970年代的德國新電影。

●真實電影

1950年代末開始的，一種以直接記錄手法為特徵的電影創作潮流。代表人物有法國的尚．胡許與美國的大衛．梅索。這些倡導者自言他們的靈感來自蘇聯的吉加．維多夫的「電影真理報」，較大的差別在於真實電影的事件更完整與單一，因此更具有劇情片的情節。製作方式上，以直接拍攝真實生活，不事先寫劇本與用非職業演員，影片由固定的導演、攝影師與錄音師三人完成為其特點。法國與美國的真實電影最大不同在於法國可讓導演介入，如尚．胡許的《夏日記事》(1961)，而美國的真實電影則強調導演置身事外，不幹涉事件進行。這樣電影拍攝手法要求導演能准確的發現事件與預見戲劇性過程，攝制動作要敏捷與當機立斷，而這種方法必然限制了題材的選擇方向，因此純粹意義上的真實電影的作品很少。而真實電影的最大意義在於它給一般劇情片的創作提供一個保證最大限度上的寫實性。高達在他很多電影裡面進行主觀介入是直接搬用真實電影的方法。

<P>

●第三電影ThirdCinema

泛指第三世界電影工作者所製作的反帝、反殖民與反種族歧視、反剝削壓迫等主題的電影。其具體主張由古巴導演費南多．索拉納斯與奧大維．傑提諾在1970年代初期合寫的《邁向第三世界電影》(TowardaThirdCinama)一文，他們稱資產社會依其封閉與被動的藝術觀所拍攝的電影商品為「第一電影」，作者電影、巴西新電影、表現主義電影等強調個人經驗的作品為「第二電影」，「第二電影」是第一電影的一條出路，但是已是體制的極限，而在革命中產生，與體制對抗的電影則是「第三電影」，亦可稱為解放電影與游擊電影。這兩位導演強調「第三電影」必須是製作體系無法吸收，且異於體制的須要。在《邁上第三世界電影》一文中，作者提到：「攝影機是影像/武器的無窮徵收者，放映機則是一秒發射24格的步槍。

●巴西新電影CinemaNovo

指巴西在1960年代興起的新電影運動，特色是以低成本的方式，創造有地方色彩的電影文化，以掙脫外來，尤其是北美電影文化的主導形式。他們對於國家、社會現實的觀點較為犀利，美學原創力亦非常豐富。最早以葛勞伯．羅恰領導的電影合作社方式經營，重要導演還有魯伊．蓋拉、尼爾森．皮瑞拉等。他們的電影既反映了社會現實，也極力尋求大膽甚至古怪的美學風格，如羅恰的《黑神白魔》(1969)等。在海外影展亦有不錯的成績。巴西新電影曾被激進左派批判為太重美學意義，並在發展上與電影工業互相唱和。此外，巴西的觀眾仍然較喜歡重娛樂的商業電影，對於新電影較不接受。1964年巴西軍事叛變，檢查制度變嚴，而重要創作者如羅恰到海外拍片，所以新電影運動沒落。但巴西新電影對於其它拉丁美洲國家的以電影運動有不少的影響。

●德國新電影NewGermanCinema

1960年代初出現在西德的一次旨在振興德國電影的運動。1950年代西德隨著經濟的復甦電影亦蓬勃發展，但內容逃避現實，貧乏單調，1950年代末到1960黏代初電影業陷入低潮，連國際影展的參加資格也沒有，受到當時法國與英國等國家新電影的影響，便產生了德國新電影。1962年的「奧伯豪森」西德短片電影節中，有26位導演一起發表了「奧伯豪森宣言」，發起人大都是只拍過短片的年輕導演，宣稱要與傳統電影決裂，要運用新的電影語言並且從陳規陋習、商業夥伴與某些利益團體的羈絆中解脫出來。不過宣言運動開始的前三年由於資金缺乏，只拍出一部電影。1965年取得政府協助，成立「青年德國電影管理委員會」資助青年導演拍片，到1967年總共拍了20多部電影，並在國際影展中獲得肯定，因此德國新電影聲名大噪。但這初期的德國新電影並沒有法國新浪潮那種輕松放任的感覺，反映的世界不是豪無希望，但也沒有明確出路，因此在國內不受歡迎，很快又限入危機。1975年新電影運動再次出現高潮，原因是政府的資助法作了更改，變得有利於青年導演；電視台開始資助年輕導演拍片；1971年之後，德國創辦了自助性的電影攝制與發行機構「作家電影出版社」與「新德國劇情片製片人工作協會」；美國大片商也注意到德國新電影並開始投資。而更重要的原因是這時期出現許多人材：法斯賓達、荷索與溫德斯等。他們的作品在藝術上富有特色，在國際上也獲得很多肯定，但是在國內仍不受歡迎，於是第二次高潮又再次陷入沉寂狀態。1979年新電影運動再次復興，這得力於法斯賓達的《瑪麗布朗的婚姻》與雪朗多夫的《錫鼓》在國內票房上成功，使德國新電影擺脫國際上得獎而國內不賣座的局面，1979年之後運動聲勢更為浩大，成為西德電影的主流，在人們心中已成為一個流派的標志。

●直接電影DirectCinema

指以寫實主義電影風格拍成的紀錄片，和「真實電影」的攝制有許多共通處，如以真實人物及事件為素材，客觀紀實的技巧，及避免使用旁白敘述等。直接電影和真實電影的唯一差別，在於直接電影視攝影機為安靜的現實紀錄者，以不幹擾、刺激被攝體為原則；真實電影則使攝影機主動介入被攝環境，時而鼓勵並觸發被攝者揭露他們的想法。

『柒』 北影導演系考研

北電導演系招生是專業碩士，考英語二。

專業課考試內容可以參考這篇文章。

導演系的故事片方向歷年以來都是考試的報考人數最多的一個專業，注意，沒有之一，已經好多年了，穩穩的坐在頭把交椅上。

考試的內容主要包含了兩個方面，其中有80分的是電影理論題，有70分的劇作題。電影理論題最近兩年來都是上來先哐哐給你40道選擇題。

電影導演劇作的題目和之前相比有所區別，之前是和故事片方向一致的，但去年前面的題目都一樣，唯獨後面的劇作題不一樣。

但復習起來，兩個方向是沒有區別的。

考試科目分析

科目

①政治

②英語二

③藝術基礎理論

④電影導演創作理論（故事片/後期導演方向）

④電影導演劇作理論（電影劇作方向）

專業一的內容大家可以點擊：2021年北京電影學院專業一藝術基礎理論考研詳細分析查看。

咱們說說專業二

咱們先說說參考書，然後跟大家講講考試范圍。

參考書目

經典必看書目——電影理論部分

電影藝術詞典許南明·著 中國電影出版社

《電影藝術詞典》是一本工具書，也算是真的可以當做是一本【詞典】來看，有不會的概念，進去一翻就能明白。

當然，作為考導演系的的同學，與其他系不一樣的地方在於，這些概念最好是都能知道，包括美術類的、表演類的這些。要不以後怎麼給演員講戲呢？

很多同學都已經拿到了這套資料，但可能都不太清楚怎麼使用，下面咱們說下使用方法。還沒有購買的同學，可以咨詢才思考研

『捌』 外國電影史｜新好萊塢

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新好萊塢：從狹義上講，指的是60年代末到70年代末好萊塢在舊有電影體制瓦解以後的變革轉型，確立了新的電影機制的階段。

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美國電影受到了法國新浪潮電影運動等思想潮流的沖擊，電視業的發展給美國電影業帶來了重創，加上時局的動盪和政治上的危機，迫使他們對近親繁殖的類型電影進行從主題到形式上的反思。

國電影的製作者觀念開始發生變化，70年代一批深受歐洲電影影響，在電影學院學習的導演順應時代出現了，他們被稱為好萊塢小鬼或是聰明的小夥子們，有點逆反心理，崇拜歐洲電影，貫徹法國新浪潮「作者論」是他們的主要標簽，他們的崛起標志著新好萊塢的誕生

「新好萊塢」在敘事觀念上帶來了深刻的變化：(1).受美國式的「作者論」的思想影響，強調突出個人風格；(2).對傳統不再採取經典的態度，即在敘事上突破了以線性的因果關系為基礎的結構方式，在人物處理上的非英雄化；(3).不是放棄類型片，而是出現了多種類型融合的傾向；(4).不是否定情節中外在行動的重要性，而是更注重對人物心理反映的刻畫；(5).不再追求對影片的內容和人物做單義的理解，而是以更開放的態度來對待影片多義性的解讀。

1967年阿瑟·佩恩導演的《邦尼和克萊德》標志著新好萊塢電影的誕生。其它代表作品還有《逍遙騎士》（丹尼斯·霍佩爾 1969年）、《畢業生》（1969年）、《計程車司機》（馬丁·斯科塞斯 1975年）、《教父》（弗朗西斯·福特·科波拉 1972年）、《現代啟示錄》（弗朗西斯·福特·科波拉 1979年）等。

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『玖』 外國電影史｜先鋒電影運動（一）

由於好萊塢電影文化的入侵和一戰帶來的西方傳統觀念和精神文明的危機，歐洲開始了一場抵制外來文化入侵和探索自身文化的運動。1917~1928 年的歐洲先鋒派電影運動，是世界電影史上的第一次電影運動。

歐洲先鋒派電影掀起了電影有史以來第一次真正的革新運動，以法國和德國為中心，輻射整個歐洲大陸，在不同地區呈現不同的形態，形成多種多樣的藝術流派。主要流派有:印象主義（法國）、表現主義（法、德）、抽象主義和超現實主義。這一運動本身並不以敘事功能和商業營利為目的，主要是對默片純視覺形式的美學形態和表現功能進行各具風格的實驗和探索。

02

印象派電影

以路易•德呂克為中心，包括阿培爾·岡斯、謝爾曼·杜拉克、讓·愛潑斯坦、馬賽爾·萊皮埃等人組成的電影學派。印象派電影的主要特點可以概括為「淡化敘事性」和「強化視象性」。他們明確地提出「電影不是戲劇」，認為「戲劇動作在電影中出現是一種錯誤」，他們堅持認為情感表現是電影藝術的基礎，而非講述故事。因此，印象派電影一般不進行戲劇或小說式的敘事，他們的影片故事簡單，卻追求畫面的詩意效果或者說「視覺的韻律」。

03

抽象電影

（理性電影包括純電影和達達主義電影）

受到了抽象主義畫家康定斯基影響（否定作品認識社會和表現社會的功能，主張為形式而形式，為藝術而藝術，在印象派的基礎上，繼續為了藝術電影而奮斗

代表作：費爾南•萊謝爾：《機器的舞蹈》雷內•克萊爾：《幕間休息》

特點與主張：

在立體主義、達達主義的影響下，抽象電影從印象派的淡化情節、發展到徹底否定情節敘事因素，強調「純粹作用於視覺」的抽象化造型，形成了無情節、無理性、無人物的所謂「三無電影」。注重物體的形式與造型，強調抽象性，依賴技術與攝影的變形實現節奏感，以客觀物體為對象，展現物質世界的節奏和混亂

04

1 抽象主義是從達達主義繪畫中找到靈感，熱衷於絕對抽象化造型的節奏和美感，並試圖用這些抽象的線條、圖形或物體的造型來圖解旋律和節奏。揭示肉眼以外的世界，在電影里突出了音樂的美感，強調鏡頭的內部節奏、韻律和動態美，擺脫敘事，非情節化。

2 德國抽象派的特點:態度認真和內容正經而富有使命感。重要作品:艾格林:《對角線交響樂》《平行線交響樂》《地平線交響樂》

3 法國電影抽象派時期（1925--1929）。之前為印象派時期（1917-1924）法國抽象派的特點:浪漫的詩意和快樂的幽默感。法國抽象主義電影的主要作品:曼·雷伊《回到理性》 費爾南多·萊謝爾《機器舞蹈》雷內·克萊爾《幕間休息》

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