1b好的電影是怎麼拍出來的

⑴ 電影的拍攝比電視劇更加困難，那你知不知道，怎麼樣才能拍出一部精彩電影

記得之前看過一個黑澤明的采訪。他說，一個年輕人想做導演，就先寫劇本。因為寫劇本只需要一張紙，一支筆就可以了。在寫的過程中，你會知悉電影的結構，人物，情節等各種內在的秘密。所以我覺得，對於零經驗的人，想要拍一部短片，首先學會寫劇本。在寫劇本的過程中，帶著樓上提到的景別思維，來用畫面講故事，中間調動聽覺。

剪輯完成後，再把視頻素材交給其他人來進行其他後期處理，比如對視頻調色，也就相當於「加濾鏡」以及後期特效，如片頭片尾，字幕，或三維cgi特效。

⑵ B級片的產生及生產

B級片的產生及在好萊塢的地位 對好萊塢的大製片廠而言，由大明星或知名導演拍攝的A級片當然是公司聲譽和收入的主要源泉，但是投資大、製作周期長，風險也大。相反，B級片成本低廉、製作周期短，甚至可以利用其它影片的服裝、道具等，可以起到充分利用公司資源、加速資金周轉、平衡投資風險的作用，而且訓練了一大批技術人員。而那些實力無法與大製片廠抗衡的小製片公司更是B級片生產的主力軍。
B級片是經濟大蕭條的產物，30年代初的3年，每周觀眾人數從1億一千萬降到6000萬，電影公司為了贏得觀眾推出雙片（double bill）的放映制度，基本上就是一部正片加一部B片。1935年10月RKO和MGM在自己的一線影院推出雙片放映，算是B片正式登台，一年之內四分之三的影院都採納了雙片制。原來的影院，一晚上一般是一部正片，一部新聞片，一部卡通片加預告片打成一個包，把卡通什麼的升級成一部70分鍾左右的低成本正片，算是吸引觀眾的方法。B就這么出現了，至於為啥叫B，沒有統一的說法，以前別人跟我說的是A/B，就是double bill的兩部片子。也有說是Bottom of the bill等等。
說到B級片，大家都會有那麼一個粗略的印象：粗野、直接，感官刺激強烈，題材總是離不開恐怖、暴力與色情。這個起源於好萊塢黃金時代的片種，其實從一開始就寡廉鮮恥，它的出身就決定了這一點：一張電影票錢可以看到兩部電影，主片製作精良，簡稱A級片，附贈B級片成本自然低廉，但為了吸引觀眾，還得想招兒，所以就不得不拿色情、血腥、恐怖等元素來做文章。
一個很嚴肅的問題是，為什麼一定要拿色情、血腥、恐怖來作噱頭？答案很簡單，因為它們有效。為什麼有效？因為它們本質。換一種說法，這些東西是我們根深蒂固的本性，所以不用花什麼心思，稍微挑逗一下就OK了。所以永遠存在著兩種電影，一種試圖帶我們超出肉體的界限，體驗一種美的東西；一種讓我們回到肉體，感受慾望的脈動。前一種讓人尊敬，後一種能讓人得到發泄，B級片無疑屬於後者。但不帶個人偏見地說，這兩者本身沒有高低之分。就如同愛情片與色情片，一個作用於精神，一個作用於肉體，一個是讓內心得到安撫，一個是讓身體的緊張狀態得到紓解，兩者都對人有益。
記得一本書里說：文明，就是把真實包裝起來，免得看起來惡心。這話很對，我們不是受虐狂，想過得干凈一點。但有一個問題，就是時間長了，人就會變得難以面對真實或者認為真實就是這樣，然後難免有些假惺惺。就像尼采說的：蟲子怕被踩到，就把身體蜷起來，人類把這叫作謙恭。
在電影中，我們經常能發現這樣的東西，有著精美的外殼，但內里所要表達的東西卻始終透著一種腌臢之氣，憋著勁勾起你下半身的慾望。每當這個時候，我就情願去看一些更為污穢血腥的B級片。這是，B級片就像一劑解毒葯，因為它非常直接地展示自己地興趣品位，在這個假惺惺的世界裡，顯得勇敢，甚至單純。
B片其實很受影院的歡迎，尤其是在南方。這是因為那些大片在分帳上影院是虧的，片子賣得越好，電影公司提成越多，到最狠的賣座片可以留一成給影院。但是B片是一次付清的，一般成本是7萬美元，電影公司賺1萬，電影院想怎麼放怎麼放。看Lubitsch的片子反而不如情節簡單俗套的電影更爽。電影院會在周中放映單片，而把周六晚上完全送給B片。 B級片的生產可以分成體系內和體系外的 一般大片場都有B unit，由專人負責。Paramount是Sol C. Siegel，Warner是Brian Foy，MGM是Lucien Hubbard和Michael Fessier，Columbia是Irvin Briskin，Fox是Ben Stoloff和Sol Wurtzel。Wurtzel這個名字讀著好像worse，所有有個笑話叫「from bad to Wurtzel」。可見B片之B。
片場的B unit的基本工作感覺比較像塊抹布或者海綿，把那些overhead全吸走。一般B片的B可以從員工，故事，成本，周期等來看。演員一般要麼是過氣的，要麼就是沒名氣的。比如Bela Lugosi，30年代就開始B了，可見他衰落的有多快。Wings里的男主角Richard Arlen，也是B片老手。新人就不用說了，無數明星都在B片干過，反正都是合同工嘛。導演，編劇也一樣，Wyler, George Stevens，E Dmytryk, Fred Zinnemann, Jacques Tourneur, Jules Dassin，Mark Robson，Robert Wise，Anthony Mann。從這點說，片場有自己的一套培養人的體系。不過也不乏永遠培養不出去的B片專業戶。偶爾B片還有一個作用，就是教育一些腦子突然進水的人，比如Bogart就被罰過。
B片故事當然也是直接非常老套的公式化生產，片場比較常見的就是把自己的片子改改背景就上了。畢竟B片的准備時間只有一到兩周。很多時候就是為了利用別的片子的場景，比如Magnificent Ambersons的房子就被用到了Cat People里。B片為了省錢，還大量利用片場現成的素材，有時候會刻意讓角色的穿著去跟某些影片剩下來的素材匹配。拍攝周期就更短了，一般就是一個星期。畢竟經費少，利潤空間也小，定死了的一萬多，補拍兩下就賠本了，很多時候就是拍到哪裡算哪裡。
獨立製片的公司其實從成本，拍攝上都跟大片場類似，經費甚至更少。沒有現成布景利用，常常就是一個場景用背投解決一切。30年代的小片場起起伏伏後，到40年代形成了三個主要的片場：Republic，Monograph，和PRC (procers releasing corporations)。像Edward G Ulmer就是在PRC。他說他們通常是一次想出幾十個電影的名字，就把這一年要拍的片子定下了，然後在往名字里塞故事。比如他看了Billy Wilder的Double Indemnity，就想出了一個Single Indemnity，不過，片子拍完了後，還是把名字改了。Ulmer還利用John Ford的Hurrican拍攝後剩下的200顆棕櫚樹模型拍攝了一個大飯店的古巴版：Club Havana。比起大片場體系內的B片，Ulmer覺得獨立製片的B片創作自由度更大，除了經費問題，他們從來沒有遇到過其它對內容的控制。經費怎麼影響呢？比如一個服務生的角色，如果沒有對白，就是16塊5，如果他說了一句thank you，就是25。為了省這8塊5，編劇/導演就得設計點情況讓角色比如嗓子壞了啥的，不能說話。
Monogragh的主要手法是拍系列片，他們有個牛製片，叫Scott Dunlap，此人特別能打頭炮，一部片子賣好了，接著就粗製濫造一批同系列影片，靠著頭一部的名聲賣錢。Monogragh還有一個自己的准B unit，專拍B片中的B片，負責人是Sam Katzman，Bela Lugosi在系列裡廉價重復自己。驚悚片是B片專長，Monograph的負責人是Kings三兄弟。
獨立製片公司自己沒有院線，他們利用州里的規定在附近影院找到穩定的放映渠道。後來做得比較大如Republic和Monograph也在大城市設自己的發行代理。不過大部分公司還是依靠本地的關系戶。
後來Republich破產，PRC經過一系列購並後被UA買走，Monograph更名成Allied Artists，逐漸走大片路線，50年代後它既支持Roger Corman的低成本B片，也能投資Billy Wilder和William Wyler的影片。Godard的Breathless美國發行權就被Godard象徵性的送給了Monograph。
傳統意義上的B片生產在50年代初解體。曾經佔全國人口7成的電影觀眾，從57年已經減到4000萬，到70年代減到2000萬。電視開始播出自己製作的系列驚悚片或者西部片，製作者往往就是老B片的製作者們。B片影人面臨選擇，他們中的一部分投誠進入了電視行業。
電視的生產非常接近B片。生產周期短，這讓電視台首先想到了B片製作者。事實上，Republic標榜的5萬美元成本電視也可以拿出來，只是電視台的製作周期更緊湊。資深B片導演如Lesley Selander，Joseph Kane，Lew Landers都很自然的進入電視生產，電視製作人對他們的評價是：unexciting but always reliable。到後來電視電影的出現實際上是徹底的將B片移植了過來。
另一部分B片製作者開始開發新的B片，包括William Castle和Sam Kazman組合，Albert Zugsmith（此君被大部分記住是因為他之前是Written in the Wind，Tarnished Angel，Touch of Evil等經典影片的製片）, Samuel 和 James Nicholson (兩人在55年建立了AIP)，當然還有Roger Corman。盡管觀眾人數在下降，依然有很多潛在觀眾群大片場不願意開發。比如汽車影院，這里的觀眾普遍是年輕人。新的B片主要針對teen america挖掘市場。科幻，恐怖，飛車，吸毒外加狂歡是常見主題。這時候的B片成本不超過10萬美元，發行宣傳費用大約相當。為了發片，各種聳人聽聞的手段都用了，在觀眾座椅下接電極，穿著骷髏服在觀眾席間走，售賣意外心臟病保險……
1970年Roger Corman因為跟AIP在Gas-s-s-s的剪輯上吵翻，自己創立了New World，以exploitation movie著稱，比如護士系列和女監系列。Corman也曾短暫開發過黑人系列，但是放棄了，因為覺得這10%的觀眾劃不來。他的銷售經理總結說，影片的成功有7成在片名和宣傳。Big Bird Cage的宣傳語是「Women so hot with desire they melt the chains that enslave them」，Fly Me是「See stewardesses battle kungfu killers」。
New World在拍攝上堅持著40年代B片的風格，比如Peter Bogdanovich的影片Targets，其實是因為Boris Karloff欠Corman一些工時，為了扯平弄出來的。而The Terror是因為影片The Raven比計劃提前兩天拍完，為了不浪費而拍出來的。Hollywood Boulevard則完全是個賭注，公關經理Jon Davison說他可以用公司以前拍過的最便宜的片子的三分之一的錢拍一部片子，結果，就出來這么一部Godzilla和Fly一起客串的片子。Roger Corman親自指導編劇，給他們整個框架。Jonathan Kaplan說拍Night Call Nurses時，Corman跟他開了一個工作會議，會上Corman列出了詳細的需要遵守的概要：要利用男性觀眾的性幻想；打鬥和暴力要充足；要有兩條故事線，一條偏喜劇，一條要反應偏左的自由派價值觀。正面裸體必須腰部以上，背裸可以全身，絕對不能出現陰毛，片名要在影片里被利用上。 B級片名人 ed wood那樣的電影狂人，他對於電影的執著和熱愛，讓人感動，也許他只是以個很爛很爛的導演，可是失敗的人生和勝利的人生並無實質區別，人終歸是要死的，wood在不斷地拍電影的過程中獲得了別人難以體會的快樂，這已經足夠了。 低成本影片與「大片」：良性互動營造繁榮 美國電影市場如同一個生物圈，如果說每年幾十部「大片」代表著獅熊虎豹等金字塔頂端物種的話；「小片」、「B級片」等為數眾多的低成本影片，則代表了羚羊、斑馬、鼬鼠……等多種多樣、各具特色的豐富種群。它們聚集在一起，每一種電影類型都擁有自己的代表作品，如同每一個生態位都擁有自己的代表物種一樣，不同的特種之間相互依存、良性互動，共同構成美國電影界的繁榮體系。
低成本影片尤其是B級片，很大程度上建立在對A級片的模仿之上。《侏羅紀公園》帶動了《史前巨鱷》等一批低成本怪獸片的問世。《黑客帝國》推出後，那招牌式的「子彈時間」亦出現在越來越多的B級動作片中。而在曾經一度登上北美票房排行榜榜首的體育喜劇勵志片《瘋狂躲避球》里，男主角在最後的決戰中蒙住眼睛戰勝對手，則明顯有向當年《星球大戰》結尾致敬的意味。所謂物極必反，模仿的極致便是反諷，在「白頭神探」和「驚聲尖笑」系列影片中，美國電影界各路「大片」幾乎盡數遭到戲弄，可以說無一倖免——於是不禁折服於美國製片人的商業頭腦，同一個題材或情節，「大片」拍一遍，低製作影片拍一遍，最後還要再來一次反諷，擠牙膏的本事實在一流。
而另一方面，低成本影片又為「大片」提供了豐富的基礎。大多數世界級的導演或演員都曾經從低成本影片起步，《蜘蛛俠》系列的導演薩姆·雷米當初便是憑恐怖片「屍變」系列邁出了成名的第一步。直到今天，在《蜘蛛俠2》中的「手術室大屠殺」一節中，還依稀可以看到他對於當年B級片生涯的留戀與致敬。梅格·瑞恩給觀眾留下最深印象的作品，是《西雅圖夜未眠》和《網路情緣》這樣的小成本愛情片，而她竭盡全力向「大片」沖擊的《生死豪情》，卻被多數影評人歸為「甜姐兒」的失敗之作。
從目前我國引進的美國影片的構成看，「大片」占據了其中的絕對優勢。而且即使像《未來水世界》、《紐約大劫案》和《亞瑟王》這樣在美國本土遭遇冰雹一樣惡評的作品，也照樣引進不誤。然而另一方面，在低成本影片引進方面卻顯得過於吝嗇。不但佳作基本上被排斥於國門之外，而且反而引進了像《雲中漫步》、《神秘的大亨》這樣從情節到表演都乏善可陳的平庸之作。 美國「小片」：觀照美國社會的一面鏡子 美國每年的電影產量在500部左右，其中高成本的「大片」大約不到百部，另外80%都是小投資的製作。在這些影片中，有一類作品幾乎處處與「大片」背向而馳。它們的投資一般只有「大片」的幾分之一，極少使用一線大牌明星，情節多以貼近現實內容的愛情、家庭、青春、體育或喜劇題材為主，片長極少超過100分鍾——截至目前為止，電影研究者們還沒有發明出一個統一的名詞來概括這類影片。為了便於敘述起見，本文特別統稱其為美國「小片」。
在美國電影市場上，各路「大片」往往只在暑期和聖誕檔引領三四個月的風騷，其餘廣大的區域，則幾乎全被各種各樣的「小片」所佔據。「小片」也有自己的領地劃分。尤其是從每年2月份開始，恰逢情人節和新學期開學，愛情與青春片便成為這一時期的主題。04年放映的《高校天後》、《壞女孩》、《女孩夢三十》等影片便都屬於此類，浪漫愛情和艷光四射的青春美少女成為其中最大的看點。
「小片」中的價值觀往往趨向於傳統，很少有《黑客帝國III》或者《現代啟示錄》那種激越反叛的主題存在。清教徒的道德觀是這類影片的主流色彩。《偶像有約》和《兒女一籮筐》對愛情、友誼和事業的忠貞，《新秀》和《溫布爾登》中的個人奮斗與自我犧牲精神，既是美國社會的精神基石，更是美國「小片」的內涵指南。從某種意義上講，眾多美國「小片」宛如觀照現實美國社會的一面鏡子，在描述現實生活的同時，寄寓了普通人最美好的幻夢與理想。
因此也就很容易理解了，為什麼一些幾世紀前的童話母題，卻往往能在美國「小片」中找到宿主。僅一個「灰姑娘」的類型，近幾年便有《曼哈頓女傭》、《王子與我》和《灰姑娘的玻璃手機》等多部作品問世。體育類與勵志類的影片由於迎合了現代觀眾的理想和口味，也一直層出不窮。更有不少表現「體育運動中的女人」的小製作影片，由於糅合了美國「小片」中永恆的兩大主題，更是頗受歡迎。《女生出拳》、《喬丹傳人》和《背繩一戰》等影片，便是其中的代表。但若由此認為美國「小片」都是千篇一律的泡麵式作品，則未免失之偏頗。像《初戀五十次》這樣的影片，巧妙地把愛情放在「失憶」的反應皿里考驗，就創意而言著實新奇。
除此之外，美國「小片」還往往是美國流行文化的晴雨表，凡是曾經或正在風行的文化產品，幾乎都可以在「小片」中找到自己的影子。最好的例子便是《八英里》中的說唱，《搖滾學校》中的民間樂團，以及《閃電舞》等一批勁舞影片等。 如本文開頭所述，所謂美國「小片」是指在主題方面與「大片」主題有較大差異的一類小製作影片。除此之外，另一些影片的成本雖然只有「小片」的水平，但在情節和內容上卻完全朝著「大片」看齊。這便是通常所說的「B級片」。

⑶ 電影是怎麼拍攝的

這些特技表演基本上是由前期拍攝的素材通過後期製作加工而表現的。
1、刺激和驚險打鬥的場面，首先是由導演要求，武指創作，演員表演完成的，有些拍攝動作並不快，後期製作的時候可以壓縮時間從而達到加快動作的效果，再加上鏡頭迅速的切換，製造激烈的效果。驚險的場面，比如飛來飛去是由吊鋼絲完成的，後期再把鋼絲做掉。還有就是比如懸崖峭壁上驚險的動作，演員可以在攝影棚內就能完成，在藍背景或綠背景下拍攝，再拍攝外景，通過後期相加，就把人放在在懸崖峭壁上了，呵呵，我這些舉例都是比較通俗的說法，便於你的理解。
2、大型的汽車啦飛機什麼的，那也是小問題，有的電影投資比較大，運用飛機的一般都是租用，拍攝自己所需的鏡頭，當然真實的飛機不能爆炸了，那也是通過後期的加工來完成，大部分就是假的。
3、壓碎的小轎車，房子，火車翻車，飛機爆炸基本都是用模型來拍攝的，首先製作逼真的模型，通過後期製作使它們與真實的鏡頭相組合來創造比較真實的效果，說白了都是掩人耳目。
現在科技的發展，尤其是計算機的發展為電影製作奠定的堅實的基礎，視覺上的東西什麼都可以用電腦做出來，就怕你想不到，只要能想到的東西就能做出來，當然，這要求專業的技術力量的，電影特效的製作全世界沒幾家做的是頂級的，那就要看電影投資的Money了。

⑷ 影視作品中的床戲是怎麼拍出來的

除了日本真正的東京熱不熱影片，哪怕是香港曾經風靡的三級電影，影視作品裡的所有床戲，大尺度漏點戲。都是通過一定的拍攝手段和技巧拍出來，以下來列舉一下：

第一，借位。就像吻戲一下，床戲有很多也是有借位的，比如你以第一女主角的視角看到的男主，其實是攝影師在下，男主角在上所拍攝出的親密戲。而且借位這種拍攝技巧也是影視劇里親密戲最為常見的手段。

好的親密戲，床戲可以說能夠為一部作品增色不少，比如《色戒》里的床戲就可以說非常經典。

⑸ 怎麼拍攝一部好看的電影

我曾經拍過一部魔獸電影叫功夫。這部感傷的魔獸專題片也贏得了大多數人的好評。從我的製作經驗來看，要拍出一部高分的電影，首先要有一個好的創意和劇本。因為好的故事是一部電影最感人的地方。第二是找到合適的演員來充分表達故事。最後要在拍攝和後期製作的過程中力求完美。這部分也是拍戲中最漫長最痛苦的過程。在我的電影里，這部分做得不夠好，所以被指責粗製濫造。現在想來，挺可惜的。
電影是一個系統工程。想要拍出高分的電影，首先要有好的劇本。劇本的創作是電影的靈魂。也決定了整部電影一半以上的水平。我大學學的是廣播電視編導專業，對編導、剪輯、播出的整個流程非常熟悉。其中，我們大學生活的大部分時間都在學習劇本創作，其次是導演的選擇。一個成功的導演，能夠熟練運用鏡頭語言，呈現演員的最佳狀態。另外，好的演員選擇可以更好的掌控劇本，體現導演的意志。最後重要的是剪輯。一般導演要親自監督剪輯，最後體現自己的意志。只要這些環節做得好，很難拍出高分的電影。
我覺得一部高分電影首先應該有一個好的劇本。劇本是一部電影的靈魂，它決定著電影故事的走向。比如改編電影版中的劇本《為什麼笙簫默不行》，這樣整個劇情就崩潰了。其次，也要尋找演技高超的演員。縱觀各種爆款電影，可以發現演員都是演技派。僅靠流量明星是不可能撐起一部電影的框架的，比如《無名小卒》里的張宇和任素汐。他們的表演能把觀眾帶入劇中，引起他們的共鳴。最後，要有一個能協調各方，對全劇有精準把握的好導演。就像一句老話，為了藝術而不斷進步。
現在的電影質量真的是越來越差了。可能錢都花在高流量的明星身上了。我覺得，想拍一部高分電影，首先要有一個好的劇本，只有劇情好才能成功一半，然後要有一個負責任的導演。另外，不要把錢花在大明星身上。出名的明星不一定演技好，有些新人的演技比那個寶寶還好！
在我看來，要想拍出高分的電影，需要找一些演技過硬的演員。他們會給這部電影帶來特別精彩的表演效果，還需要找一個很棒的特效師進行後期處理，讓觀眾更清楚的看到這部電影。

⑹ 電影都是如何拍攝完成的

當然是要有劇本，然後可能某家公司看上了這個劇本，然後買下來，交給某位導演，進行拍攝。當然也會有導演自己去選的。 前期的工作，你首先改劇本，小說是不可以直接當劇本的！劇本有特殊的格式，內容上也要修改刪減。必須找專業的編劇來改。當然原作者會改劇本也可以承擔這份工作，這期間導演、製片都會參與。同時，導演，製片就一邊要找演員了。 演員到位，資金就緒，劇本改完，選定拍攝地址，你就可以開機了。但其中的交涉，協調，籌備，那是相當恐怖的，其中的黑暗心酸估計拍一部韓劇都富裕。 片場的話，導演主要負責拍攝，製片管理劇組的生活，當然兩人的工作偶爾也有交集和重復的地方。 片場的工種多的要死，主要的有攝像，場景服裝道具，化妝，燈光，機械，安保，生活。多到讓你認不過來呀！ 拍的時候，一般就是按進度走的，因為在改劇本的時候已經把故事分成一個個的獨立個體，所以其實拍攝的時候，時間順序是打亂的。極有可能你的第一場戲就是結局時候的劇情，然後你接著演中間部分的內容，因為結局是在天黑，中間的劇情也有在天黑的內容。節省時間，節省精力，如果一塊布景要多次用到，那就再一次把用到該布景的戲全拍完。 演員的檔期也會影響拍攝。 可能A演員今天有檔期，但兩天就得走。B座今天也有檔期，但明天就得走。雖然A和B在結局時才爭鋒相對。導演就把A和B的對手戲提前到拍攝的第一天全部拍完，順便還把A其他的戲份趕起來，可能A在電影里有50分鍾的戲，他進組第一天就全部拍完（當然這是不可能的）。可以說，就是誰有空有誰先來，拍完你的那部分就走人。 其中用到那些鏡頭語言，拍攝手法。甚至於光暗效果這一些，你就自己查書吧。 全部拍完了，就把一堆膠片拿去剪輯，除了故事外，鏡頭語言和剪輯語言其實一般較能體現一個導演的風格。剪輯就是把雜亂的故事理順，事件按一條清晰的時間軸排列。導演會在眾多片段中挑挑揀揀，找到自己要的，扔掉不要的。最後就有了個毛樣，這個的時長一般是不定，可能90分鍾的電影，拍攝了300分鍾，初步剪完還有180多分鍾這個時候你可以選擇去做後期，也可以選擇繼續縮短。 後期一般就是加特效，音樂，除雜，配音，修改某些瑕疵，弄掉點一些穿幫的東西。 之後就可以報備審批了，審批下來，該刪刪該改改，之後再做個片頭片尾，就可以賣了。

⑺ 教你如何用低成本拍B級片的電影大師羅傑科爾曼

你知道科波拉拍的第一部電影是色情片嗎

你知道邪典電影與剝削電影的區別嗎

你知道如何在10天內拍一部低成本B級片嗎

說起這些問題我們就不得不提到

小成本cult片之父羅傑科爾曼

這位永遠的B級片之王 到底有多神

世界上有記載拍攝進度最快的電影長片《恐怖小店》

是他曾因跟人打賭 用兩天一夜35000美元拍出來的

他參與過的300來部電影里 有280部是盈利的

而這些電影大部分都是在兩星期內完成

且成本不到10萬美元（在當時大公司拍的黑白片 

一般都要100萬至200萬美元的成本）

他創立的"科曼電影學校" 里"畢業"的學生們

後來都成了好萊塢的名導演或製片人

其中包括我們熟知的馬丁·斯科塞斯

詹姆斯·卡梅隆（James Cameron）

喬納森·德米（Jonathan Demme）朗·霍華德（Ron Howard）等

當時幾乎還沒有幾家獨立的電影公司

好萊塢又有著嚴格的工會制度

這些大導演在還是小人物的時候想進入大公司是非常艱難的

能跟著科曼的學習機會對他們來說非常難得

《教父》的導演科波拉就是其中一個

他的第一部電影就是部低成本色情片

在當時只要能拍電影能學到關於電影的方法和技巧

什麼低成本什麼類型的電影統統無所謂了

就是用這樣的心態去真正參與和用實踐來磨練電影技巧

才讓當年科爾曼的那些「助理」 成為如今的大導

用棒球聯盟來打比方 如果你打小聯盟時

在"科曼隊"里待過 那絕對是你進入大聯盟的最快捷徑

這么彪悍的成績到底是怎麼做到的？

首先自然是對電影的喜愛

科爾曼畢業於斯坦福大學的工科 

但他從小便對電影藝術有著非常濃厚的興趣

20世紀50年代早期

憑借著強大的學校背景和父親有熟人走關系

他用了幾個月的時間終於在福克斯公司當上了送信的

對此科爾曼非但沒介意過 

還視這份工作為人生的一大突破認為自己算是入行了

六個月後他抓住一個空缺的崗位成功轉變為劇本分析員

機緣巧合之下他為一個無人注意的劇本

《槍手》重新寫了個故事概要 加了些批註這就是後來

為改變西部片的一貫面貌作出了巨大貢獻的《黑天鵝》

當得知領導因《黑天鵝》拿了一大筆獎金

而自己卻什麼都沒得到科爾曼生氣的離開了福克斯

也產生了獨立製片的想法

後來又修煉多年憑借他出色的毅力和對電影的喜愛

科爾曼終於開始了拍攝剝削電影的道路

1950年代初 電影業遭遇前所未見的寒流

因電視帶來的沖擊和老一輩電影巨擘的相繼去世或隱退

數以千計的電影院倒閉了--整個電影工業步入嚴冬

科爾曼就在這個時候正式入行

當時的電影公司紛紛開創「雙片制」

將通常由大明星加持的好萊塢電影和低成本B級片捆綁銷售

雙片連映觀眾買一張票進電影院可以看兩場電影

這類低成本電影成功克服了當時嚴格的審查制度震撼了很多人他們也有自己專門的放映渠道—多達3700間的午夜影院

這類低成本低質量的電影在觀看的時候不必多用心

它們的內容都是以感官刺激為主

仰賴露骨誇張的宣傳比如暴力特效穿針引線的場面等

為的就是吸引年輕人走進露天汽車電影院釋放他們的荷爾蒙

有評論家戲謔地用3B來形容羅傑·科爾曼的B級片：

血腥（blood），胸部（breast）和飛車黨（biker）

說是B級片之王 但在這里說科爾曼的電影是剝削片則更為恰當

與邪典電影的不同是它描述的事物首先得是可供剝削的

比如子類型中的黑人剝削電影

就常用刻板印象來塑造黑人並以黑人為主角

讓他們用「不正當」的暴力 不道德的手段來戰勝白人 英雄等

科爾曼的忠實影迷昆汀塔倫蒂諾

拍攝的的《黑色終結令》就是在向這類電影致敬

除此之外還有我們經常在電影中看到的幾類題材

食人族日本武士偽紀錄片等

都是剝削電影中可細分出來的子類型

其中一個比較著名的還有我們熟知的強暴復仇類題材

如《我唾棄你的墳墓》等故事結構類似而非實質的子類型

而邪典電影更像是一鍋小眾圈內的跨類型大雜燴

類型多元化在特定的小眾圈次文化圈子內

被一群狂熱的粉絲崇拜著

這類題材都帶有創作者極強的個人觀點

而許多經典邪典電影中所傳達出來的世界觀

甚至比主流商業電影更值得引人深思

雖然cult片和B-movie有許多共同之處

例如血腥情色暴力等但他們絕不可混為一談

當年電影市場雖不景氣卻為B級片的崛起創造了良好的條件

就在這樣一個電影市場的環境下

科爾曼做到了其他導演想都不敢想的一點

先從發行商手裡拿到預付款再開始下部電影的拍攝

在羅傑科爾曼的世界裡電影只有一種拍法：飛快的拍！

控製成本一刻也不停歇的利用富有爭議性話題製造電影

這才是羅傑立於不敗之地的重要法寶

就這樣科爾曼成功地用一大批

成本不到10萬的影片塞滿了剝削片市場

無論站在何種角度來看

那個時代的羅傑科爾曼都是成功的

羅傑科爾曼雖然拍了這么多部質量參差不齊的影片

但他是懂藝術電影的拍B級片對他來說 只不過是一種技巧

一種賺錢的方式這類低成本商業片對他來說更像是一種工作

如果硬要從國內找到一個相似的導演

那可能非「爛片之王」王晶莫屬了

有一次《路邊的野餐》導演畢贛問王晶你想拍藝術片嗎

利益大於一切的王晶幽默的回應道

你才拍藝術片你們全家都拍藝術片（畢贛的電影由於預算較低經常拉七大姑八大姨來作演員）

這雖然是種調侃但我們不得不感嘆

王晶和科爾曼拍出來的電影沒必要拿來與藝術片相比

因為它們只是一種商品上映後也確實都是鈔票的味道

科爾曼一直只賺不賠的紀錄

在他拍第18部電影時終於被打破

哪怕那隻是短暫的一段時間

那是部關於種族隔離的藝術片《入侵者》

也他導演電影中難得一見的嚴肅作品 

當年甚至有媒體稱《入侵者》是「美國之光」

但即使這部電影在業界收獲了無數贊美

在當時還是以票房慘敗告終了

在那之後他很快吸取了教訓 

之後的電影 幾乎沒有再賠一分錢

這樣炫酷的導演生涯還不是最可恨的羅傑科爾曼在他的

《剝削好萊塢》一書中曾提到過他遇到的一個難題

他說話的方式可能比你們班上

懊惱頭一次考99分的學霸更加令人不悅

有一次他在拍攝一個雪山上的鏡頭時由於環境惡劣

拍攝十分困難雖然最後鏡頭終於完成了

但科爾曼表示：我從來就沒有那麼累過 

在我整個導演生涯中 第一次 

劇組因為導演實在沒法繼續工作 而停工休息了10分鍾

羅傑科爾曼在電影史上的地位是毋庸置疑的

說他是潮流電影的先驅者開發電影的教父他也當之無愧

當年斯蒂文·斯皮爾伯格拍攝的影片《大白鯊》問世的時候

文森特·康比就曾在紐約時報上這樣寫道：

《大白鯊》就是一部大預算的羅傑·科爾曼的電影

羅傑科爾曼為好萊塢電影做出的貢獻是無法估量的

2009年 他還被授予了奧斯卡終身成就獎

現如今B級片在備受爭議的過程中

已經逐漸被主流文化所接受了

而這位玩轉「高概念」電影的B級片之王

也應該被更多年輕觀眾記住

⑻ 拍攝一部電影需要幾個步驟

1、首先是製片方找到一個願意投拍的劇本，與原作者簽署拍攝協議。

2、製片方尋找投資人，購買原著的拍攝權。

3、製片方尋找適合的導演、編劇等，組成劇組。

4、劇組成立後，編劇與導演編制分鏡頭劇本，副導演尋找演員，談好報酬；尋找合適的合作者，比如後期製作團隊、特技團隊等等。

5、投入拍攝。

6、後期製作，開展公映前的宣傳。

7、首映式。

8、公映。

9、分錢， 或者賠錢。

(8)1b好的電影是怎麼拍出來的擴展閱讀

國家新聞出版廣電總局電影局為規范和改進電影劇本（梗概）備案和電影片管理制度，提高電影質量，繁榮電影創作，滿足廣大群眾的精神文化需求，推進電影業健康發展，根據《電影管理條例》對影片的內容和技術進行審查。

歐洲是國際電影節的發源地，現有24個國家，先後舉辦144個電影節。其中義大利27個，法國26個，西班牙23個，三個國家共76個，占歐洲總數的一半左右。

歐洲三大國際電影節，亦稱世界三大國際電影節，是國際A類電影節中最權威、最著名、最具影響力的三個電影節，分別為：義大利威尼斯國際電影節、法國戛納國際電影節、德國柏林國際電影節。

⑼ 電影是怎麼拍攝的

電影的拍攝是一項非常復雜和耗費心力的工作，特別是商業大片，需要各部門的共同協作才能最終完成。一般來說，電影拍攝離不開前期准備、現場拍攝、後期製作三個步驟。

最後就是後期製作，現在的電影很多場景和特效都要靠後期來完成，所以這部分工作量還是很大的。如果沒有現場收音，那就得配音，如果是同期聲，那也得處理現場的雜音等等，做到聲畫同步，碰到疏漏的地方，還要補拍補錄等等，特效團隊負責做影片中無法直接拍攝出的特效，這都是非常繁復的工作。

在我們外行人看來，這些事情想想都會覺得可怕，其實也只要有經驗的導演統籌調度，嚴格執行片場制度，各部門人員很快就能適應，然後就是默契配合，尋得最佳的拍攝效果。

⑽ 電影電視劇里那些經典的場景都是怎麼拍出來的

比如在電視劇中拍洗澡的片段，其實由於場地受限，導演組找不到這么大的池子來給演員們拍他們洗澡的畫面，所以很在很多電視劇當中導演都會用一些現代的特殊的一些工具來實現他預想當中的效果，比如在一個大池子里，然後放一些加濕器，然後製造出一些有煙霧的感覺，有水霧的感覺就可以了，然後基本上就是把你的頭發給弄濕，然後讓她的臉看起來比較潤潤的那種感覺，其實他就已經達到了他拍戲的那種效果，他只要把鏡頭給到女演員的外部的一整個感覺就可以了。其實這年頭導演拍戲，真的讓演員去拍下水洗澡的那個戲，真的是比較少，主要就是沒有這么大的池子讓女演員洗澡，而且就是劇組他拍這樣的一部戲，它需要很多的水來洗澡，這也是條件限制的原因，我覺得導演就是有水讓演員洗澡就已經是很有良心的導演了。