香港電影在世界電影

『壹』 香港電影在國際影壇的地位怎樣希望能舉出具體例子

香港電影在國際上最重要的貢獻就是動作方面，出了李小龍、成龍、李連傑這幾位真正可以稱得上國際巨星的人物，還有輸出了很多動作指導，比如袁和平、元奎、甄子丹等，對好萊塢動作電影影響很大。

『貳』 【滿分急求】為什麼徐克在武俠電影的地位那麼高

股俠aaa，你好，我也曾對你的這個問題非常感興趣，以下所說旨在探討，望樓主不要見笑。
曾經，香港電影在世界電影界也是一支不可忽視的重要力量。鼎盛期的香港電影每年大約貢獻出200到300部電影作品。好像看起來不太多，但是對比香港這個彈丸之地的人口數量和面積，這就是一個很龐大的數字了。
香港電影所涉題材廣泛，類型多樣，也不乏一些知名導演，但是當得起大師級電影導演稱號的確實不多，通常大家認為能稱得上大師的，胡金銓（武俠片），李翰祥（風月片），張徹（武俠片），徐克（武俠片），行睜王家衛（文藝片），許鞍華（文藝片），吳宇森（黑幫片，開創暴力美學），寥寥幾人而已，杜琪峰（黑幫片）也可勉強算作一個。這其中，為我們華語圈獨有的卻是只有武俠片一支而已，武俠電影可以說是中國獨有的一種影片類型，跟美國的西部片，日本的武士電影一樣，是中國電影對世界電影所做的獨有的貢獻之一，也是在世界電影史上占據重要地位的一種類型片。
扯遠了，現在單說徐克，徐克的個人經歷你可從網路中查閱，徐克是接受過西方教育的一個比較專業的電影人，尤其在創新方面，更是敢為人先。你說到了《笑傲江湖之東方不敗》這個電影，你可以看看此片的製片人，監制，編劇等都有徐克參與其中，關於製片人，監制，編劇的具體負責事務你可看看網路，這里要指出的是，香港電影不同於其他國家的電影市場，導演有失並不是最強勢的人物，決定一部影片基調和藝術品味的往往是劇組里最有權力的那個人。大家都知道徐克較早成立了徐克電影工作室，跟李修賢的萬能影業，杜琪峰麥兆輝的銀河映像一樣，屬於專門為投資方提供影片的獨立製作公司。這里所說的投資方是指金公主影視公司。哎呀，講到這里又不得不提邵氏和嘉禾，怎麼說呢，早期香港電影是邵氏獨霸天下，後來是與嘉禾並列稱雄。金公主屬於後起之秀，在人才方面較之上述兩大公司都有所不及。主要是靠投資給獨立製作人來獲得片源。徐克電影工作室正是這種獨立製作人中最有名的一個。你可以看看徐克電影工作室的一系列作品，從開山之作《上海之夜》到《英雄本色》等等，佳作層出不窮。《英雄本色》更是讓吳宇森開宗立派，名留青史，這其中，徐克作為老闆，作為此片的製片人，監制，功勞可說是一點都不亞於吳宇森的。吳宇森在碰到徐克之前指導的大多是喜劇作品，甚至混跡台灣，無人問津。正是仔帶芹在認識徐克之後才一飛沖天，成為首位在好萊塢星光大道留下名字的華人導演。此處可看出徐克的識人之明。
徐克跟程小東的關系較為復雜，一般認為是徐克和程小東共同開創了新派武俠電影。《倩女幽魂》系列和《笑傲江湖之東方不敗》以及《新龍門客棧》這幾部電影都有兩人的共同參與。這里你可以對比過程小東的其他的沒有徐克參與的作品（能記住幾個呢），更可看出徐克在這幾部電影里注入了什麼。其實，大多數人提起程小東，更看重的是他在武術指導方面的成就和貢獻，所謂的五大武指（程小東，元奎，劉家良，洪金寶，袁和平），程小東擅長高來高去，動作飄逸的武打設計，在武指界也是獨樹一幟的。至於你提到的另一位李惠民導演，你去看看這個導演的其他作品吧。對比之後就可明白。
徐克對武俠電影的貢獻主要體現在創新方面，你可以看看老派武俠片的代表人物胡金銓，張徹，楚原的作品，再對比徐克所開創的新派武俠片，差別最明顯的在於拍攝技巧和剪輯以及編劇方面。徐克擅長明快流暢的剪輯，再配上獨具巧思的武打念畢設計，讓觀眾獲得了更好的視覺上的享受和快感。這里著重說說《黃飛鴻》系列，這個更是徐克式武俠電影的集大成之作。該系列不僅成功挖掘了李連傑這個日後揚名於世界的功夫片巨星，更是掀開了黃飛鴻這個電影史上被拍攝次數最多的人物的新的一頁。你看看徐克之前的黃飛鴻作品，徐克之前，飾演黃飛鴻次數最多，也最深入人心的要數關德興老爺子的黃飛鴻了，看看那個形象，再看看李連傑的形象，看看當時的武打設計，再看看袁和平為新《黃飛鴻》做的嶄新的武打設計，就可以看出徐克為武俠電影帶來了多少質變。實際上，如果仔細一想的話，我們能記住的，耳熟能詳的武俠作品（這里不提胡金銓以及張徹的作品）有多少？成龍的動作片嚴格來說不算武俠片，屬諧趣功夫片，周星馳的古裝喜劇更稱不上俠字了。我自認看港片也不算少了，勉強可算個武俠迷，但是真正經常被提及的，稱得上代表性武俠作品的，也就徐老怪參與其間的那些作品最為津津樂道了。
所以說，徐克的主要成就是為武俠片注入了嶄新的理念和技術，用習自西方的技術來重新包裝傳統武俠片，當然，我也不是說徐老怪是完美的，尤其近年來所拍攝作品，在骨灰級武俠電影迷來看是大不如前了，從《新蜀山劍俠》到《七劍》再到你提及的《龍門飛甲》，一部不如一部。尤其是《龍門飛甲》，簡直是徐克近年來最大的敗筆之作。個人認為，這個電影是無法和《新龍門客棧》相提並論的，首先此片嚴重妥協市場，啟用了一些根本不該出現在武俠電影里的人物。看似中港台三地精英薈萃，其實是為了照顧到更多的觀影人群而不得已為之的做法。另外，武打設計方面沒有新意，我看過之後能想起來的武打場面幾乎沒有。劇情方面更是前後不能自圓其說，漏洞百出，而最最不能忍受是，徐克居然為了突出3d效果，刻意增加了幾場凸顯該片3D電影的鏡頭。這個最令人討厭了。可見，票房的成功不見得是影片有多高的質量水準。只能說明其營銷手段正確了。其他的不多說了，這些可能您就不愛聽了，呵呵。
我自己也只是香港電影的普通愛好者，水平自然有限，文筆更是極差，而且常常前言不搭後語，甚至文不對題。希望我沒有讓你越看越糊塗。好多地方我也沒說清楚。如還想了解的更為廣泛和專業，推薦你看一些比較專業人士的論述吧，一個是魏君子寫的《香港電影史話》，此書較為詳細的論述了香港電影自邵氏公司成立以來的關於香港電影的一些鮮為人知的歷史和掌故。看過之後我沒說清楚的地方你自然就清楚了。另外你可看看央視第十放映室的關於武俠電影的幾個專題系列，對徐克作品的貢獻和地位也有介紹。還有像《老梁故事會》里有一期專門講《新龍門客棧》拍攝始末的，也可參看，如果想了解國外的專業人士對香港電影以及武俠電影所做的論述，可參看大衛波德維爾的《香港電影的秘密》一書。當然，這只是建議，其實多翻翻網路里的關於各個相關人物的介紹，也可大致了解一些了。
希望我的回答對你有所幫助吧。

『叄』 印度的寶萊塢和中國的香港，哪個在國際的影響力更大（電影方面）

如跟香港電影行業比，毫無疑問是寶萊塢的影響力大。能跟龐大的寶萊塢進行對比的，目前只有好萊塢。對比影響力，不能只看一兩部片子，而是應該從發展歷史、製作能力、受眾范圍、電影行業產值、文化傳播的影響鎮乎此等多方面去綜合衡量。
簡單來說吧，印度電影已經有1個多世紀的歷史了，香港電影？
觀眾群來說，印度電影是除好萊塢電影外，擁有最多電影觀眾市場，且還以每年15%的速度在遞增。加上受宗教因素等影響，很多國家和地區的人不能看好萊塢以及其他地區的電影，但是可以看印度電影。可以不誇張的說，印度電影起碼占據了地球上將近1/3的人口及地區的有絕對壟斷的地位。頃瞎（甚至英國，每年都有幾十部印度影片在院線上映，印度影片占據了英國院線總票房的35%，香港影片能在別的國家或地區做到這一點嗎？）
從電影行業產值來說（以近五年為例），別說香港電影，就算整個中國電影的年產值加起來，與寶萊塢電影年產值比較，還不夠人家一半呢；

剩下的就不詳細分析了，如果有人認為寶萊塢的電影國際影響力為零的話，我只能說那你對於印度電影或者是寶萊塢的認識及了解基本為零。甚至就算比單部影片，《無間道》當然是港產影片的精品，但是僅憑說無間道被好萊塢改編就盲目認為港產影片的國際影響力超過了寶萊塢，這就太片面了。遠的不說，印度電影《印度往事》《德芙達斯》御迅還接連提名奧斯卡最佳外語片呢；而李安的《卧虎藏龍》，你說它是港片還是好萊塢片？

『肆』 徐克拍了很多經典的武俠電影，你影響最深的是哪一部

說起徐克我們應該不會陌生了吧，由他導演拍攝了很多武俠電影，這些電影大多都是經典而且深具意義。我在我印象中最深刻的就是徐克導演的《黃飛鴻》，這部影片由徐克導演，李連傑，張學友，關之琳等一系列著名演員，劇中的黃飛鴻是一個武師，他去有很深的愛國情懷，還有憂國憂民的意識，把那一時代的中國國情演繹的淋漓盡致，同時也具有很深的象徵意義，許可也因為這部劇也獲得了當年香港電影金獎最佳導演獎。

而且這部劇的音樂是以男兒當自強作為點綴的，男兒當自強這首歌本來就很有氣勢，而且很鼓舞人心，催人奮進，特別適合這部影片。到時候的電影絕對經典，是我們幾代人的回憶，不僅豐富了我們的日常生活，而且還提高了我們的人生閱歷。

『伍』 像《無間道》《暗戰》之類的香港經典電影在世界影壇里是怎樣的地位，在外國人眼裡的香港電影是怎樣的...

無間道被美國翻拍過，馬特達蒙和萊昂納多主演，獲得了奧斯卡，杜琪峰的《暗戰》倒沒怎麼在外國火，但杜琪峰的電影一直都很好，使創辦的銀河映像成為香港電影的中堅力量，杜琪峰也拿過外國的獎項也做過電影節的評委

『陸』 港片對你影響有多深

香港電影「盡皆過火，盡是癲狂」。

曾經屬於香港電影光怪陸離的時代，隨著一陣嗚咽結束了。

可是港風卻留了下來，而且很多年輕人對此念念不忘，其實不是年輕人對港風念念不忘，而是對港味念念不忘。

港味是什麼？港味就是功利主義。

觀眾喜歡看什麼就拍什麼，而且加倍給，甚至超級加倍。

簡單來說，就是把觀眾當上帝，是那種正兒八經的上帝，掏心掏肺的尊重，賺實在錢兒。

1986年《英雄本色》火了，套用武俠浪漫主義的現代黑幫英雄片題材隨之得道升天。

既然觀眾喜歡看，那就召集原班人馬立馬開拍第二部，小馬哥、宋子豪、宋子傑再次在一年之後重聚大銀幕。

即使小馬哥在第一部已經死了，編劇也能讓他活過來，重新披風衣、重新叼火柴、重新點美鈔。

如果觀眾還是喜歡看呢？那就繼續拍。

就算導演吳宇森撂挑子了，監制徐克也可以接班上任。

就算沒有張國榮、狄龍，徐克也可以找來梅艷芳和梁家輝，還有觀眾最愛的周潤發。

1985年《僵屍先生》火了。

一時間，香港大大小小的山上都是僵屍，五年內，有上百部僵屍題材的電影出現。

觀眾看得眼花繚亂，類型都是千篇一律，時間長了就容易厭煩，因為僵屍片跳脫不了紙筆墨刀劍、手眼身法步的框架。

既然觀眾反感了，那就盡心去改，而且還是從林正英做起。

《靈幻先生》加入人、妖、鬼的恩怨，鬼分好鬼和壞鬼，還獨創了油炸鬼；《一眉道長》中中國法術對抗西洋僵屍，還有可愛調皮的小僵屍；

《驅魔警察》用警匪片的外衣套一個僵屍片的內核，《僵屍至尊》以陰謀內鬥引發怪力亂神的詭異故事。

《非洲和尚》把場景放在國外，僵屍更是成了驅逐入侵者的領導者之一。

這個把僵屍加入「政」斗的概念，比韓劇《王國/李屍朝鮮》早了幾十年，所以韓國的影視行業拾了很多香港電影的牙慧。

《音樂僵屍》引入變異元素，林正英還在片中秀了一大段僵屍語，與之前《僵屍至尊》中的鬼言鬼語不同，特有趣味。

《新僵屍先生》中甚至還加了林正英的兩段感情戲，以及極具唯美質感的紅白相撞。

直至最後林正英徹底沒創意了，觀眾也啥要求了，僵屍片才漸漸消失在人們的視野中。

『柒』 香港電影的歷史發展

香港電影史的發展應該從電影傳入香港開始。

1895年12月28日，法國人路易·盧米埃爾在法國巴黎公映了《盧米埃爾工廠的大門》、《火車到站》、《水澆園丁》等世界上最早的影片。

這一天，被世界各國電影界公認為「電影時代的開始」。

1896年初，路易·盧米埃爾的助手來了香港放映這些影片，而電影就是這樣傳入香港。

自他離開後，香港電影直至1898年才再有活動。

當年，美國湯默斯·愛迪生公司派出一位電影攝影師到香港拍了一批紀錄片：名為《香港街景》、《香港總督府》、《香港碼頭》、《香港商團》和《鍚克炮兵團》。

這幾部有新聞紀錄的電影雖然不是香港電影公司的出品，可是它們是在香港拍攝的，內容又是香港景物，可以把它們稱為「香港電影」。

從1896年到1903年，香港放映過一些很短的紀錄片，每次放映十套以上。

直至1903年10月5日，香港才有整部故事片公映。

有關報導是這樣的：「現在中環街市對面，即同記辦館面前，准十五晚開演『成套戲本』（即整部電影）。

」這部電影是法國導演下·齊卡當年的一部名片《基督的受難》。

1907年，香港有不少電影院紛紛開辦，而且公映的次數和數量都較以往為多，因此被視為香港電影事業的第一個高峰年代。

1909年完成的《偷燒鴨》，是上海亞細亞影戲公司在香港拍攝的一部默片諧劇。

該片的導演梁少坡同為該片的主角，故事講述一個小偷（由梁少坡飾演）想偷燒鴨，卻被警察捉住了。

劇情十分簡單，但不乏詼諧動作。

值得注意的是，《偷燒鴨》雖在香港攝制，卻並非香港電影公司的作品。

該片出品人布拉斯基後來返唯世結束了他在上海的電影事業，回美國路經香港時，和黎民偉合作製作了香港出品的第一部故事片《莊子試妻》，並因而催生了香港電影事業，而黎民偉更被譽為「香港電影之父」。

這部電影的出現，象徵香港電影史啟蒙期的終結，萌芽期正式開始。

據《中國電影發展史》記載，香港的第一部故事片《莊子試妻》在1913年出產，編導是黎民偉、攝影師是羅永祥，主要演員是黎民偉和嚴珊珊。

這部電影創下不少香港電影紀錄：

（一） 它是香港出品的第一部故事片；

（二） 第一部在外國公映的香港片；

（三） 第一部有女電影演員參演的香港電影；

（四） 也同時是第一部有特技攝影的香港電影。

黎民偉及其兄長海山、北海於1923年創辦了香港第一間全由香港人投資創辦的電影製片公司「民新製造影畫片有限公司」。

他們並非為了名利，而是志在推動香港，以至全中國的電影工業。

民新的成立為香港電影業帶來很大的推動作用，它不僅在1923年出品了香港第一部新聞紀錄片《中國競技員赴日本第六屆遠東運動會》，又在1924年在廣州成立了香港第一個演員培訓所民新演員養成所，發掘有演戲潛質的人。

此外，民新還攝制了香港出產的第一部故事長片《胭脂》。

於1924年，珍貴的新聞紀錄片《中國 *** 第一次全國大會》、《孫大元帥檢閱軍團警會操》以及1925年出產的《孫大總統東較場閱兵》等亦是民新的出品。

事實上，1924年至1925年，香港電影事業已漸漸成長，可是由於黎民偉具有同盟會的背景，漏肢港英 *** 禁止民新於香港開設攝影山正場，香港電影發展被迫中止了。

1925年5月30日，日本帝國主義侵略者無理殘殺中國人民，中國各地紛紛 *** 、 *** ，以示 *** 。

同年6月，內地的 *** 熱潮擴展到香港。

香港大 *** 期間，每天都有商店倒閉，百業凋零，所有娛樂活動，包括電影放映一律停止。

這個現象令剛萌芽的香港電影事業夭折。

次年10月 *** 結束，但香港電影事業仍然未能復甦起來，因為有實力的電影工作者都去了廣州或上海發展。

雖然期間有些影片公司招考演員，但這都是有名無實，直至 1929年末，仍沒有一部香港電影生產過。

1930年初，黎北海等創辦了香港影片公司，製作出創業作《左慈戲曹》，然後香港才陸陸續續再有電影製片公司的成立，香港電影事業才見起色，得以復甦。

1930年，香港的電影業隨著黎北海（黎民偉兄長）創建香港影片公司而開始復甦。

不過，真正令香港電影業站穩住腳的是1930年10月25日，由黎民偉的上海民新與其他幾間電影公司合並而成的「聯華影業公司」。

「聯華」可以說是為香港電影業帶來了很大的影響力，是戰前中國最大的電影廠之一。

為了培養人才，聯華在1931年4月開辦演員養成所，教授的課程包括編劇、導演、表演、攝影等，堪稱一間電影全科學校。

它培訓了一批傑出的粵語片導演，如李鐵、黃岱等，對香港電影貢獻良多。

「聯華」香港分廠一向都是拍默片，雖然當時有聲電影興起，創辦人卻不敢冒險。

於是，第一部粵語有聲片就由上海天一電影廠的湯曉丹執導拍成，就是《白金龍》。

有聲電影問世後，香港的電影公司紛紛拍攝有聲片。

1934年「聯華」香港分廠解體，黎北海另創了香港第一家有聲電影製片廠「中華」，並導演了一部局部有聲片《良心》（1933）及第一部有聲片《傻仔洞房》（1934）。

進入1935年，香港電影正式步進有聲時代。

從1935年開始，香港的粵語片產量每年遞增，從1935年的32部增至1937年的85部，增幅超過一倍。

受到抗日熱潮的影響，香港生產了多部愛國電影，其中包括大觀影片公司出品的《生命線》。

1936年，社會教育片成了香港電影的主流。

除了社教片之外，愛國片在同年增多了產量。

當然，故事片在香港電影史上從來也並未受過忽略。

1936年的代表作之一就是由南海十三郎編導的《兒女債》。

1937年到1938年，由於「七七事變」的發生，香港抗日氣氛高昂，因此電影工作者也紛紛開拍抗日愛國片，頓時間，愛國片成了主流，在1937年出產的85部故事片之中，就有25部為愛國片。

1939年秋，受到歐洲國家的戰爭所影響，1940年的港產片產量下降到不足90部。

1941年12月日本入侵香港，使香港電影業陷入低潮。

大觀電影廠及其他電影設施被炸，大量的香港電影拷貝和底片也被燒毀或遺失，以致1945年前出品的近600部影片，只有百分之一殘留至今。

到1946年初，香港電影業處於完全停頓狀態，在這期間，只有一部反英的故事片和幾部由日本電影公司拍攝的紀錄片問世。

戰後初期，電影製片廠的數目較戰前為少，大中華是其中一個較有規模的，因為它擁有李麗華、周璇等上海明星，以及名導演朱石麟和吳祖光。

1946年至1949年，大中華生產了34部國語片和8部粵語片，可惜到了1949年，產量卻愈來愈少，被迫關門。

總括來說，日本入侵對香港電影業造成了很嚴重的破壞。

香港電影經歷了四年的停產，才在1946年上映了戰後首部港產片《情陷》。

而到了1940年末，上海電影界很多左派人士為了逃避 *** 的政治壓力，或中國內地通貨膨脹的影響，紛紛定居香港。

故此，香港的國語電影業便愈來愈蓬勃，到了70代初更達至高峰。

香港電影在第二次世界大戰後迅速復興，而在1949年以後漸趨蓬勃。

不無原因，1949年後大批中國內地的電影工作者因政治及經濟理由紛紛南下，在香港設電影廠，跟本地影人合作拍攝電影，使香港成為南中國唯一的也是最大的電影中心。

再加上20世紀50年代中期，新加坡、馬來西亞電影勢力過渡到香港，以及香港原有被美、日、歐電影文化所帶來的沖擊，遂令香港電影邁向成熟的雛型。

20世紀50-60年代是國、粵語片起飛的時期，其中由40年代末到60年代中更是粵語片的盛產期。

這段黃金時期粵語片有以下幾個主流：

粵語片

1：粵劇戲曲片

據估計，在20世紀50年代每年就有200部粵劇戲曲片問世，差不多每三部粵語片之中就有一部是粵劇片，而在1958年更達到了高峰，這一年的160部電影中，粵劇佔了一半。

舞台式的粵劇片基本上製作費不高，電影技巧也不特別考究，因為大部份都沿用粵劇舞台上的大老倌演出，只唱主要情節，其餘的排場做手都不嚴格。

因此，這類戲曲大多被揶揄為「五日鮮」、「七日鮮」。

當然其中也不乏製作認真，至今仍為人津津樂道的不朽經典，如《帝女花》（1959）、《紫釵記》（1959）、《李後主》（1968）等。

而戲曲片的演員亦有不少為人熟悉的名字，包括：任劍輝、白雪仙、新馬師曾、薛覺先和林家聲等等。

至於粵劇戲曲片為何會在20世紀50年代大受歡迎呢？這是因為戰後粵劇發展蓬勃，進棚看戲成為上流社會的消費享受。

至於一般市民只好聽電台話劇或聽粵曲，有見及此，電影公司便把大量經典粵劇拍成電影，讓戲迷可以以低廉的戲票欣賞傳統的粵劇戲曲。

2：文藝片

這時期的文藝片背景多為民國或當代，講求戲劇結構，又或改編自中外文學、流行小說，或襲取好萊塢通俗劇的故事模式。

而提到這類環繞家庭倫理、男女之愛的文藝片，就不得不提粵語片電影公司中的佼佼者——聯合電影有限公司（中聯）。

中聯創建於1952年，共生產了44部電影，出品了不少粵語片中的經典，如李鐵的《危樓春曉》（1953）、《天長地久》（1955）、楚原的《可憐天下父母心》（1960）等等，都是家傳戶曉的作品。

中聯的21位精英，有見於影藝界充斥著粗製濫造之歪風，遂以認真的拍攝態度、主題健康的電影信念為大前提，創辦中聯以抗衡媚俗投機而質素低劣的七日鮮貨色。

這批電影界精英包括導演李鐵、吳回和十三位著名演員：吳楚帆、張鍈、張活游、白燕、黃曼梨、紫羅蓮等等。

中聯電影每每針對香港社會種種問題，批判上流大亨的偽善丑惡，帶有濃厚的教化意味，更大大提升了中國電影的美學層次。

大概是因為過分執著於傳統道德使命，中聯漸漸跟時代脫節。

到1967年，它也隨著粵語片的息微而關閉，但其對香港電影的影響是絕不容忽視的。

3：古裝武俠片

20世紀50年代的古裝武俠片大多以民間熟悉的俠義神怪故事為骨幹，但武打場面並不講求真實感，發展至後期（20世紀60年代初、中期）日漸注重動作場面設計，大量加進了特技花款（如怪獸、怪人裝扮和模型特技）、曹達華和於素秋就演了不少這類古裝武俠片，如《如來神掌》系列。

4：喜鬧劇

這類電影大多以詼諧搞笑的喜劇演員掛帥，橋段不外乎「大鄉里出城」、「癩蛤蟆想食天鵝肉」之類的故事，如新馬師曾、鄧寄塵主演的「兩傻系列」。

以上各類型的粵語片雖然在電影美學角度上來說，藝術感略嫌粗糙，但論到能否帶給觀眾共鳴，則可謂綽綽有餘，難怪這段時期，粵語片的產量可觀，令粵劇片達至高峰期。

5：國語片

事實上，從1967至1969年，粵語片的產量仍高於國語片，只是到了1969至1970年，情況才開始扭轉。

國語片由低沉轉盛的轉折點，是五十年代中期國際發行公司」與邵氏父子改組，分別成為電影懋業公司和邵氏（兄弟）公司。

邵氏和電懋資本雄厚，野心勃勃，改組後銳意在香港電影業大展拳腳。

它們不但全力推動國語片，還建立完善的發行網來開拓海市場。

1957年邵逸夫掌舵邵氏，製作大量高質電影，首部成功的作品是李翰祥執導的《江山美人》、《不了情》，達到前所未有的以十萬為單位的票房成績。

邵氏電影製作豪華瑰麗，粵語片中的爛衫戲可謂相形見絀，加上製作重質不重量，鮮有七日鮮的電影出現。

國語片的熱潮不獨使國內興起的黃梅調電影帶到香港並使之流行起來，更創作了新派武俠片，包括改編自金庸及梁羽生的武俠作品：胡鵬導演的《射鵰英雄傳》（1959）。

單在1963年，武俠片的產量已高達61部，而武俠片之中的代表作則是胡金銓的《龍門客棧》（1966）及張徹的《獨臂刀》（1967）。

狄龍和姜大衛、王羽這些武打明星的出現，亦可視為70年代李小龍冒起的前奏。

事實上，從20世紀50年代起，國、粵語片的確並存，雖然兩者存在競爭，但本質上是相容的。

可是，隨著國語片從1970年迅速發展，加上粵語片青黃不接，於1970－1971年間，國語片的產量多達116部，而粵語片只有22部；於71-72年間，國語片數量依然上升，反觀粵語片卻只剩一部，鄧麗君主演的《歌迷小姐》。

之後的數年，國語片一直領導著香港電影市場。

最後值得一提的是，雖然在20世紀60年代末期，粵語片面對著國語片雄霸市場的威脅，但仍力求在戲種上有所突破，青春歌舞片順勢興起，並造就了兩位當時得令的年青人偶像-蕭芳芳和陳寶珠，電影界追捧偶像的熱潮可說是由她們而起。

七十年代

20世紀70年代是香港普及文化的重要轉折點，而香港電影也隨著電視的普及化，社會和經濟的發展，以至香港人心態的轉變而受到種種沖擊，以致70年代的香港電影是趨向多元化及地道化。

承接60年代中期的凌厲氣勢，邵氏在70年代初期依然在香港電影業占著領導的地位，擁有東南亞電影王國的美譽，出品了大量國語武打片，大導演包括楚原、張徹及劉家良等等。

他們都以熟悉的刀劍拳腳功夫片作依歸，電影世界裡都是強烈的陽剛味，其中張徹的電影更造就了偶像級武打明星，如王羽、狄龍、傅聲等。

1979年的《英雄無淚》就是當年邵氏最賣座的功夫片之一。

踏入1971年，此類古裝刀劍片的鋒芒其實以較在60年代遜色，原因大抵是一代武打明星李小龍的出現。

李小龍配合著鄒文懷的嘉禾電影公司的崛起，在70年代初叱吒一時。

從首部作品《唐山大兄》（1971）到之後兩年間拍攝的《精武門》及《猛龍過江》令李小龍進軍國際影壇，創造出香港電影事業的神話。

1973年李小龍驟然暴瘁，令功夫片熱潮未能延續。

而隨著本地文化的普及，香港觀眾對遠離現實的功夫片漸漸失去興趣，反而對反映當時社會狀況，諷刺現實的電影加以青睞，這就解釋了楚原的《七十二家房客》在1973年成為最賣座電影的原因。

《七十二家房客》里的演員，如鄭少秋、沈殿霞都是當時的電視藝員，而由於電視已成為當時的重要媒體，因此他們對觀眾來說有一定的吸引力。

而這部電影的成功，不但為以後的新電影類型作了開端，更令粵語片得到重新振興。

自此，很多電影都走地道市井的風格，演員的演繹亦帶有嘻笑怒罵的味道。

從電視跳到電影的許氏兄弟也因此而冒起，成為70年代、以至80年代香港電影的中流砥柱。

由於從70年代中期開始，大家的主導閱讀方式是電視模式，很多粵語片的題材或靈感都是來自電視內容，如《阿福正傳》（1974）、《大鄉里》（1974）、《新啼笑姻緣》（1975）。

許冠文、許冠傑兩兄弟也跳出了電視趣劇的框框，走上大銀幕，以其獨有的笑話公式拍攝了一系列非常賣座的喜劇 ：《鬼馬雙星》（1974）、《半斤八兩》（1976）、《賣身契》（1978）等等。

這些電影不但令喜劇在香港電影史上得到前所未有的重視，更促使了後來功夫喜劇的誕生。

1978年袁和平執導《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜劇的地位，使其成為70年代末最具代表性的電影類型。

功夫喜劇離開電視感性，以密集的功夫設計及諧趣的雜耍風格吸引觀眾；可以說是揉合了傳統功夫片及許氏兄弟式的喜劇精粹。

演員方面，成龍，洪金寶等也擺脫了以往武打明星的英雄模式，改而以反叛貪玩的形象來親近觀眾。

除了以上提及的片種，提到70年代的香港電影，不可不提的是大導演李翰祥從台灣返回香港東山再起，大拍風月綽頭及騙術奇觀電影。

好像他在1971年拍下的《騙術奇譚》，不但開始了他的電影生涯新的一頁，也象徵著70年代香港電影意識的轉變-金錢至上、綽頭化的風格抬頭，這個影響一直延續到80年代。

不過，1979年香港電影新浪潮的出現卻為香港電影帶來了富神采而短暫的變奏。

1979年是香港電影的重要里程碑，那是香港電影新浪潮的開始。

大批電視幕後工作者轉投電影圈，他們包括許鞍華、章國明、譚家明、嚴浩、徐克、余允抗等等，他們本著對電影的熱誠，及年輕人特有的創意和社會觸覺，拍出不少充滿個人色彩的電影作品，為香港電影打開嶄新的一頁。

最先掀起新浪潮的是1979年的三部作品：《瘋劫》（許鞍華執導）、《蝶變》（徐克執導）、《點指兵兵》（章國明執導）。

其後這批或在外國學習電影，或在電視台少林寺出身的年輕導演繼續拍攝了一部又一部風格化的電影，包括方育平的《父子情》（1981）、《半邊人》（1982）、徐克的《第一類型危險》（1980）、譚家明的《烈火青春》（1982）等數十部作品，都很能表達這些導演對當時社會氣象的感覺及情懷。

雖然這些新導演全被以「新浪潮導演」之名，但事實上，他們每一位的作品都極富個人色彩，並沒有陷入香港電影類型化的傳統模式。

許鞍華的作品流露出深刻的人文性、高度的女性敏銳；徐克有一股神經質的張力；方育平作風朴實，真實感濃厚；嚴浩浪盪於青春暴烈及淡然含蓄之間；譚家明走中產美學；章國明擅拍 *** 片等等，這些特質都體驗到新浪潮電影的「作者論」美學。

「新浪潮」標志著香港電影與上一代中國本位粵語片的決裂。

五、六十年代的粵語片往往背負著沉重的民族包袱，未能突破創新；而「新浪潮」電影則帶有濃厚的都市色彩，流露強烈的本地感性；這跟導演們於香港成長、受西方教育很有關系。

此外，這時期的電影都慎用大明星，製作成本亦得到控制，跟後來的港產片標榜卡士明星，動輒千萬製作的營運模式可謂截然不同。

八十年代

香港的電影界從來都是以商業掛帥，新浪潮電影叫好不叫座，自然難免被淘汰的厄運。

20世紀80年代初，新藝城影業公司異軍突起，吸納大批當時嶄露頭角的導演：吳宇森、徐克、林嶺東、高志森等，炮製一部一部商業掛帥的電影，其中以喜劇為主。

這些電影的共通點是以電視台集體創作的模式來度橋創作，充滿密集的笑料及動作，一切以迎合觀眾口味為依歸，代表作品有許氏兄弟的《最佳拍檔》系列及《龍虎風雲》等。

除新藝城之外，80年代叱吒一時的電影公司還有德寶電影公司。

德寶成立於1984年，一方面拍喜劇（《雙龍》系列、《富貴逼人》、一方面也拍動作片《皇家師姐》系列、或者都市優皮小品路線 （《三人世界》、《單身貴族》），務求達到片種多元化的要求。

至於嘉禾電影公司則繼續以成龍作頭牌，讓他從《師弟出馬》、《龍少爺》的功夫小子形像，漸漸成為《A計劃》中穩打穩扎的真正打星，而到了《警察故事》及《奇跡》，更是成龍的顛峰之作。

同樣是武師出身的德寶明星洪金寶卻憑《鬼打鬼》（1980） 開創了靈幻片的潮流，之後的《僵屍先生》系列也是走相近的風格。

而他的另一系列片《奇謀妙計五福星》以至《運財五福星》也取得很好的票房成績。

據統計，80年代的十大賣座香港電影之中，新藝城佔了四部，嘉禾佔了五部，再加上多產量的德寶（1984至1989的五年間，拍制了47部電影）整個八十年代可稱為三雄各據的時期。

跟20世紀70年代末興起的新浪潮相比，我們會發現到80年代的香港電影由於太過側重劇情堆砌，明星包裝，因此電影類型單向化，更遑論什麼作者論了。

有人認為這時期的電影造就明星、扼殺導演、編劇的創作，使香港電影走上窮途沒落，加上1989年經濟、影帶市道不發達等種種因素下，令80年代末期的香港電影市道滑落。

盡管如此，若不以電影質素或創意來衡量，單看票房成績及投資者的態度，說20世紀80年代的香港電影屬飛黃騰達的時期實在不為過。

1990年，周星馳以《賭聖》大破紀錄，開始他的票房神話，90年代至今基本是周星馳的天下。

綜觀20世紀90年代的香港電影，基本上仍可稱之為百花齊放，我們不但有從80年代順利跨向90年代的新一代導演：張婉婷（《秋天的童話》）、王家衛（《旺角卡門》）、關錦鵬（《胭脂扣》）、陳嘉上（《小男人周記》）等等，可是，依照香港電影的傳統，賣座的片種總有跟風者，而當跟風者眾、水準參差的時候，亦即該電影類型走向死亡之路。

武俠動作片熱潮如是，賭片熱潮及後期的古惑仔系列也沒有例外。

到了90年代中期，港產片票房連續下挫，西片逐步抬頭。

《侏羅紀公園》（Jurassic Park）先在93年創下六千萬元票房佳績，1998年的《泰坦尼克號》（Titanic）更以一億一千萬元攀上頂峰，這部映了195天的好萊塢A級大製作還佔了「本世紀百部賣座片」中的榜首位置，完全壓倒了在80年代威風一時的新藝城作品《最佳拍擋》系列。

另一個令90年代香港電影褪色的原因是盜版問題。

80年代錄影帶市場興起已經令電影收入大打折扣，到了90年代後期，盜版VCD更為香港電影市道帶來了重擊。

不少電影在午夜場或首映過後便出現盜版，海關和警方又互相推卸責任，後來香港 *** 才開始正視這個問題，海關逐漸加強掃盪，才使盜版VCD活動略為收斂。

香港電影界曾多次組團訪京，與港澳辦及電影局商討創作自由、版權問題等，亦促請中央 *** 開放市場。

1997年回歸後，香港特別行政區首長 *** 先生首次在《施政報告》中提到香港電影，並撥出一億港元開發電影科技及接受資助申請，令香港電影人略為安慰，更把2000年的香港電影金像獎搞得有聲有色。

可喜的是，香港電影人揚威國際，張曼玉、蕭芳芳、王家衛先後在柏林、戛納等國際影展中獲獎，香港電影漸受國際影壇重視。

可惜的是，這也導致影圈人才外流，吳宇森、唐季禮、袁和平、林嶺東等著名導演紛紛前往好萊塢發展，周潤發、成龍及楊紫瓊等巨星級演員亦被好萊塢羅致。

20世紀90年代的賣座保證是「雙周一成」（周潤發、周星馳及成龍），

有外流亦有外援加入，香港電影人在亞洲區尋找了不少新面孔，成績最突出的是在台灣一脫成名的舒淇，在香港成功轉型，由脫星變性格演技派，成績斐然。

還有90年代中期之後，香港掀起日本電視劇熱潮，連帶電影界亦多找了日本演員參與港產片，其中又以女星為主，包括《星月童話》、《東京攻略》和《阿虎》，當然亦少不得成龍電影里插科打諢的一眾日本美女。

科幻特技也順著世界性的大趨勢融入香港電影之中，《風雲之雄霸天下》與《中華英雄》是其中成功的例子，而動作片《特警新人類》及《紫雨風暴》、《藍血人》更特別邀請外國特技效果專家設計爆炸場面，令觀眾嘆為觀止。

總括來說，20世紀90年代的香港電影雖然較諸於80年代有所失色，但似乎在創作意念及電影製作方面則有過之而無不及。

一些小成本製作的獨立電影如《過海隧道》、《天上人間》等亦有公映的機會，加上數碼電影的冒起，而劇本創作亦得到應有的重視。

相信踏入新紀元，香港電影將會追求更高的質素，並帶領整個亞洲區的電影業邁向國際影壇。

然而，我們不得不承認的是相對於20世紀80年代電影公司大灑金錢，演員一天九組戲的好景日子來說，2000年代的香港電影的確危機重重，陰霾滿布。

還有90年代的奇跡及幾個國際知名的名字，周星馳、周潤發、成龍等等。

2003年是香港電影業最黑暗的一年。

除了經濟繼續低迷之外，非典型性肺炎（SARS）病毒爆發，使許多戲院空空如也，並令電影製作停頓四個月；該年只共拍攝54部電影。

香港的兩位著名歌手兼演員張國榮（46歲）和梅艷芳（40歲）的死，對電影業更是雪上加霜。

周星馳獨有的「無厘頭」喜劇深得民心，他的作品如《逃學威龍》、《唐伯虎點秋香》、《食神》等等都是90年代的喜劇經典。

從《喜劇之王》開始，周星馳導演的作品全都是香港電影年度票房冠軍。

周星馳明顯減產，一邊休養生息，一邊走上幕後之路。

周潤發拍了一連串英雄片、動作片，雖偶有票房失利，但基本上還算有觀眾緣。

其進軍好萊塢，除拍攝一貫的動作片（如《血仍未冷》） ，還嘗試拍如《安娜與國王》。

到大陸轉型做配角（如《讓子彈飛》《大鬧天宮》，也只能拍《大上海》這種老本行電影，可惜在香港竟只有500萬港元的票房。

至於成龍則大致維持一年一部大製作，票房上依然不俗，但相對於90年代的成績，2000年後成龍主演電影已不算大賣。

可惜在電影風格上難求突破。

《十二生肖》在香港更只有800多萬港元的票房。

導演方面，「雙王」王晶和王家衛可謂雙映成趣，一個擅拍商業味道極重的電影，更被揶揄為「屎尿屁」導演；一個專挑大明星合並，產量少、藝術味濃，往往得到國際影展的垂青，兩人電影風格回異，但在21世紀的香港電影占著舉足輕重的地位。

另外，新浪潮創將之一杜琪峰頗受矚目，作品叫好又叫座，愈來愈有個人風格。

還有憑《香港製造》打出名堂的陳果亦成功地從獨立電影導演變為香港主流電影導演之一。

『捌』 上個世紀香港電影在亞洲的地位

香港電影是中文電影的先驅者，有謂「有華人的地方，就有香港電影的影蹤」，港產片多年來風靡全球，成為華人文化的一大標記。 相較於中國電影、新加坡電影和台灣電影，香港電影的質素和數量已經有在長時間累積下來的實力及口碑。

多年來，香港電影廣為華人熟悉，香港電影金像獎亦為華人電影的一大指標。香港一直以來都是大中華地區的電影殿堂，被譽為與印度寶萊塢、美國荷里活、日本東京、奈及利亞瑙萊塢齊名的全球五大電影生產基地、出口基地。1980年代的港產片無論在產量、票房，還是質量與藝術性上均創作出了驚人的奇跡，形成了龐大的電影工業，電影總產值超越亞洲電影強國印度的寶萊塢，躍居世界第二位，僅次於擁有全球市場的泱泱美國荷里活，香港更為亞洲第一大的電影生產基地和電影出口基地，被稱為東方荷里活、華人娛樂碼頭及華語夢工場。

『玖』 世界三大電影製作基地是哪裡

世界三大電影碧嫌李製作基地分別是美國好萊塢，印度寶萊塢，中國香港。

好萊塢，又稱荷里活，位於美國西海岸加利福尼亞州洛杉磯郊外，由於美國許多著名電影公司設立於此，故經常被與美國電影和影星聯系起來，好萊塢是世界聞名的電影中心，每年在此舉辦的奧斯卡頒獎典禮則是世界電影的盛會。

寶萊塢是寶萊塢製片廠外景的簡稱，位於印度孟買電影基地，代表部分印度電影產業，寶萊塢是世界上最大的電影生產基地之一。

香港簡稱「港」，全稱為中華人悔遲民共和國香港特別行政區，地處中國華南地區。香港電影始於1913年的首部香港電影《莊子試妻》，二戰後，大批內地電影人才及資金南下，香港先後成立多家電影公司，令粵語片在1950年代異常繁榮。當中1949年開創的《黃飛鴻》系列電影，連拍60多部，成為世界史上最長壽的系列電影者畢。有一段時期，東亞各國 *** 一度只容許香港電影進口，令香港享有「東方好萊塢」之稱。

『拾』 從產業和文化輸出兩方面看，香港電影在國際上的地位和影響如何

香港電影在國際上的地位算是可以。香港電影的存在，為中國的娛樂產業在國際上提高了很高的檔次，但是它在我們普通群眾的心中其實也是不可磨滅的記憶。記得小時候，並不是家家都有電視里的時代，於是我們就經常去鄰居家或者村裡面比較有錢的人家去看電影。甚至於有時候別人家的電視機還是黑白的，但是並不能磨滅我們的激情，也正是從那個時候結識了香港電影。