看電影並作賞析

㈠ 一部經典電影的賞析

影史上偉大的無冕之王：《肖申克的救贖》

一、引子

盛夏，大洋彼岸，身著西裝的Karl走進洛杉磯斯台普斯球場落敗的湖人隊更衣室時，空間一片沉靜。

片刻過後……

奧胖帶頭說：Karl，對不起。

Karl說：沒什麼對不起的，這個世界上有很多不該戴總冠軍戒子的人帶上了戒子，同樣有很多本該戴上戒子的人沒有戴上總冠軍戒子，我很幸運自己屬於後者。

突然間，一向對「郵差」沒有好感的我對這個已過不惑之年的長者生出幾分敬佩。

影壇如體壇，同樣有著具有Karl實力卻沒有得到「冠軍戒子」認可的影片，而這樣的影片首推《肖申克的救贖》。

雖然，巔峰對決中Karl兩度敗於MJ，《肖申克的救贖》在1993年奧斯卡角逐中輸給《阿甘正傳》。迄今為止，就電影而言影壇上還沒有像籃雷壇中MJ一樣的至尊，《亂世佳人》、《教父》、《指環王》等片堪稱偉大，但其更像是球場上張伯倫、伯德一樣的巨星，任何一部也不足以到「最偉大」的地步。在這種標准尺度下，《肖申克的救贖》可謂是這群「巨星」中偉大的無冕之王。

二、看片

聞《肖申克的救贖》的大名已久，只緣種種因由一直未能一睹芳容。「十一」過節，偶遇此佳人，遂搶入懷中抱至自詡為高級配置的辦公室電腦影院，一番親密接觸後，感覺三生有幸，久久不能忘懷。以「奇片共欣賞」的心理，把此佳人送於朋友。怎料數日過後極為想念，為免受相思之苦，狂奔數碟店再獲佳人，隨後在同一地點，同樣的接觸，更強的感覺過後，同樣的心理使我再失佳人。然情已太深愛已太濃，在送碟老闆的「撮合」下，與昨日重得佳人，於是，深夜親密接觸之後，決定為其敲擊鍵盤留下永久記憶。如果毛爺爺在世，一定會面對微笑輕拍我頭送上「此木可雕」的贊詞。畢竟，我以行動踐行著老人家關於「發言權」的論說，即使是發的言或許不那麼正確。

三、關於影片

如果把一部電影比作一本小說，那麼《肖申克的救贖》無疑是一部偉大的小說。它反映著現實的社會生活，用經典的對白和多種修飾刻畫出多個人物形象，用簡單的方式組織故事的主線並伴以多條輔線，以藝術的畫面表達著故事的主題，給我們深刻的教育和久久的思考。

140分鍾後，在我腦海里總會浮現很多經典的台詞和對白，譬如：keep busy living or get busy die」「some birds aren』t meant to be caged」……三次例行的每十年一次的假釋審查以及「二老」（老布和老去的瑞德）獲釋後生命不同的歸宿產生強烈的對比，刻畫出一個個鮮活的人物形象。

主人公安迪，集不幸、堅忍、智慧於一身，當看著他爬出監牢的那一幕，他彷彿成為我心中的真主，如果他是拉丹，那我願開著PLANE撞向美帝的五角大樓＠＠。瑞德富有極強的辦事能力，知錯願改，在特定的體制下屬於那種很能混的市民的代表。典獄長諾頓，是權力的象徵，他的虛偽、貪婪、殘暴加上他穩坐不少於二十年並頗受好評的職位，讓我不禁想起了曾經一位學友的名言：做人的缺點就是做官的優點。老布，則是一個保守的弱勢群體的代表，輕輕地來了，無言地走了。獄警長海利，一個兇殘、自私、攀權的形象，生活中這樣的人會成為權貴的紅人，而他展現的形象與世界舞台上跟在美利堅身後那個助紂為虐的不列顛嘴臉倒有幾會相像。湯米的短暫出場也留給我們一個年輕、叛逆富有愛心的青春形象。

影片故事的組織並不復雜，沒有《靈魂的重量》中那樣的閃回，也不具《低俗小說》那般串聯的敘事，影片以講故事的形式訴說主人公逃獄、重獲自由的歷程（大致如圖）。

當然，影片除了安迪重獲自由這條主線劇情外，導演弗蘭克以其極強的控制能力成功地敘述了瑞德、老布、湯米、典獄長等人不同的故事，這些故事出現在適合的場合，結束在需要的地方。譬如，在安迪才華展現，取得民心和上層的賞識，一切看似平靜之時，湯米粉墨登場，而由他製造了影片最大的沖突與高潮：安迪的冤獄可以雪洗；而他的死意味著安迪逃獄的到來。

影片的攝影也極為出彩。押解我們主角到監獄的一幕，便是一段極為漂亮的長鏡頭；當《費加羅的婚禮》之聲響徹在SHAWSHANK時，從廁所、操場、勞工間、病房掠過的鏡頭停留在喇叭下人群中時，我想到了《辛德勒名單》中在那段猶太人操場體檢的場景。

影片成功人物形象的背後是演員演技的綻放。對比漢克斯扮演的阿甘，我得不出羅賓斯扮演的安迪遜色的結論，安迪在黑暗中，在經自己努力獲取的片刻光明到來看著獄友喝著啤酒時的微笑，讓我重憶《神秘河》里在西恩.潘面前苦苦哀求、顫動著嘴唇的羅賓斯。弗里曼不會成為大紅大紫的巨星，但他的演技早已得到人們的承認，影片中他出色的表演無懈可擊，成功塑造了瑞德這個有血有肉的形象，讓人不得不為這位黑人影星鼓掌叫好。記不得岡頓還塑造過什麼經典的形象，但《肖申克的救贖》中典獄長足以留下銀幕上一張經典的冷酷面孔。

四、感觸

現實中，我們註定是主角，不具洞悉生活的眼瞼。而電影給我們一個局外人的機會，所以總喜歡以一個局外人角色從影片中尋找自己、審視自己，總喜歡從電影中尋找生活、審視現實。這一次我看到最多的是體制下的自由和永不熄滅的希望、壓抑下的友誼以及善惡的歸宿。

SHAWSHANK就如現實社會的一個縮影，那裡有最廣大的「遵紀守法」的市民，有橫行街市的惡霸，有濫用職權的當道者，有巧取豪奪的投機者，當然有潛伏伺機而發的智者。SHAWSHANK中生存體制又如當今社會體制，「痛改前非」的人一次次被重新投入黑暗之中，當權者干著骯臟的勾當卻會在公眾面前宣講「拯救之道」，似乎只有當性格沒有稜角，思想失去火花，被「體制化」的人們習慣逆來順受的時候才可以平安生存。影片中當瑞得「因沒有報告而撒不出一滴尿」時，伴我的不是發笑而是顫栗：體制可怕啊！老布在光明到來時因無法承受陽光的照耀而選擇死亡，那一幕，我看到的不是老布懸掛著的身軀，而是個性與思想的死亡。

每每看完影片，總會回味「制度化」這三個字，疑問這三個字最大的含義所在。我想這三個字最大的含義，或許不是上述真正的體制，而是我們所依靠的習慣生活。平時，我們依靠習慣生活，也在超越著習慣，但最多可以有限度地實現個人的自由，就象安迪一樣拯救自己了自己也拯救不了集體。瑞德一直在努力「改過自新」，卻又無助地習慣性地生活，最終在最後的每十年一次的假釋審查時，留給我們一段經典的台詞：

「我沒有一天不在後悔，但並非受懲罰才後悔。我回首前塵往事，那個犯下重罪的小笨蛋。我想和他談談，我試圖講道理，讓他明白什麼是對什麼是錯，但是我辦不到，那個少年早就不見了，只剩下我垂老之軀。」

我想瑞德絕不是對審查者說這番說，而是說給我們芸芸眾生。是啊，生在人世間的你我凡人，在不知不覺中，便會在習慣性的生活狀態中耗費掉自己的生命。很多時候，我們會說：如果能夠回到過去，能夠糾正那些走錯的路、做錯的事、說錯的話，該有多好！如此，我們會面對那些愛錯或沒有愛錯的人，會用所有的激情和真誠再博一次。可是，世上沒有如果，我們無法回到過去。

《肖申克的救贖》無疑是一部勵志的傑作。影片中，年輕有為的銀行家安迪，因被誤判殺妻及情夫，被處以兩個無期徒刑，飽受牢獄之苦。然而，牢籠鎖不住欲飛的翅膀，在經過近20年漫長的准備和精心安排後，一個雷電風雨交加的夜晚，安迪爬出監獄下水道和排泄管後，脫去衣衫，伸出雙臂去擁抱自由的風雨。那一刻，長久被壓抑後釋放的生命張力被放大到極限，希望帶來的能量盡情釋放。此情此景，聯想到身處的這個社會，越來越多的人在名與利的驅動下追求速成與「暴富」，媒體也充斥著速成與「暴富」的捷徑。而更多的人在一次次的失敗與錯誤中徘徊、迷茫甚至喪志，曾經滿腔熱血、指點江山的莘莘學子也用事實寫就著一條看似荒唐卻不無道理的規律：從剛剛走上工作崗位「大有作為」的理想，到屢受挫折後「難有作為」的清醒認識，再到理想破滅時「無所作為」的是悲觀論調，最後選擇向仕途爬升的途徑――「胡作非為「。一切似乎都在表明，日常生活埋葬著所有的希望和夢想，以及對幸福、自由、友誼和愛情的感知能力。面對挫折、艱難、失敗，是消沉還是奮進，是堅持還是棄守，是偃旗息鼓還是勵精圖治，《肖申克的救贖》給了我們一個明確的答案。

朋友，如果你考試落榜，求職失敗，被炒失業，愛人分飛……不要氣餒、不要絕望，給自己一個微笑，去看看《肖申克的救贖》，或許，它給帶給他前行的力量。

影片中安迪和瑞德演繹了在壓抑之下的可貴的友情。押送犯人的長鏡頭過後，安迪在獄中的第一個夜晚顯得異常安靜。從那個時候開始，瑞德開始認真看待安迪。安迪沉默的內心世界，只有瑞德可以感受到。在SHAWSHANK中，他倆有著不同的本領和才華，但兩人卻有著共同語言，在沒有自由的歲月里，一幅海報、一塊石頭、一支口琴、一句簡單的語言，這些普通的東西成為兩個朋友生活中珍貴的鼓勵和支持。這些友情的細節又一次觸動了我內心深處那些逐漸被塵封的記憶。崢嶸歲月，年少的同學球場競技，看球評球，下棋評棋，然後爭得面紅耳赤，碟碟不休地進入夢鄉，像在夢里也要大戰三百回合斗個你死我活，尤與「往事如風」（網名）之間的那種理解、默契、互助的生活，今日想來也頗有幾分感動。時過境遷，而今的在這個環境中，喜歡在一個人的日子躲進電影的小樓，不管冬夏春秋。

影片至始至終給我們展現善與惡的斗爭，開頭獄警打暴肥仔、「三姐妹」欺壓安迪，到後來典獄長貪污、殺人，邪惡壓制著正義，一切顯得永無光明。尤其是湯米的死，同樣在提醒初涉社會的年青人，如果稍不留心便會成為邪惡獲取勝利的犧牲品。直至影片行將結束，我才看到一個想要結局，安迪重獲自由和諾頓的畏罪自殺宣告了正義的勝利，證明了惡有惡報的簡單道理。

五、結語

在世界足壇有一個叫荷蘭的「無冕之王」，它盛產足球天才，全攻全守的打法被它演繹得激情四溢。它始終有屹立說話的底氣，但命運總會和它開一個個玩笑，至今沒有世界金杯的光環。

然而，擁有荷蘭的大賽總會留下經久不衰的記憶，這才是心中真正的王者。

《肖申克的救贖》，你就是這樣的王者，鎩羽在一九九五，凱旋在我的心中。

㈡ 如何賞析電影

西文哲學是以邏輯為其基本核心的，因此，西方更講究其合理性，只要是優秀的影片，無論導演講了一個多麼虛妄的故事，也總是能經得起推敲，而且，當你看完整個影片，然後再把整個影片串起來統一想一遍的話，你就會得出一套完整的理論，這便是導演詮釋故事的邏輯，這時你會驚訝於導演講故事的能力，原本你感到奇怪的台詞這時會象謎底一樣，即合理又出乎意料，這便欣賞好的片子的樂趣了。

無論是講述橫跨百年的歷史故事，還是講述一個瞬間發生的微觀情感故事，所能給導演的，就只有90分鍾而已，而導演還要在這僅有的90分鍾里把整個故事講完整，因此，整個影片的每一個廠景都是導演精心設計的，每一件道具都是有意義的，我們需要去琢磨。在這種情況下，我們要仔細地聽每一句話，看每一件東西，對看到的、聽到的要仔細想想，這樣才能真正地品出電影的味道來，如果看完電影只是知道了電影的情節，那影片就是白看了，就是在浪費時間，我們現在已經沒有時間可以去浪費了，所以即使是看電影，也要這樣去看。然我們還要有一個前提，就是，先不要去懷疑導演，先去努力地理解影片，而不是讓影片按照我們固有的邏輯去發展，然後去評判。

好的電影不能只看一遍，因為這樣會浪費了一次很好的學習的機會，也浪費了一部好片子。而能稱得上好片子的電影也確實少可憐，縱觀整個電影史，基本上是5年出現一部經典的片子，那麼百年的電影史，屈指算來也只能找出幾十部好片子，因此，對於好片子，一定要品，仔細去琢磨。

就象前面說的那樣，每一部好的片子都有一些弦外之音，我們一定要看出這樣的弦外之音。比如《大話西遊》，它是國內不多的能把一個娛樂片拍得象文藝片的電影之一。但是，人們往往有一種誤解，把它歸於無厘頭之類的搞笑，我想說的是，這樣的片子已經完全超出子無厘頭片子的范疇，成為周星馳最有代表性的一部影片，也開創了一個很高的高度，象後來的《天下無雙》，還是無厘頭，但是就再也拍不出這樣的內涵來了。我曾經對一個朋友來說，看這部片子要能看出幾個境界來的，首先是動作片，然後是搞笑片，然後是喜劇，然後是愛情片，然後是悲劇。能把這部片子看成是悲劇的，那就是看到我認為的最高境界了。

說到境界和弦外之音，再舉一個例子，《阿拉伯的勞倫斯》，最早聽說這部片子的時候，好象是在王朔的文章里，裡面提到他的一個朋友誇獎這部片子，說是看了這部片子，就知道如何做生意了，我當時不太明白，但是看了該片子之後，就完全明白了王朔朋友所說的做生意的意思，在通常的情況下，我想也就是能看出該影片是用史詩的手法講了一個個人英雄主義的故事。所以，看好的電影只有用心，才能品出真正的味道來，而好的導演也總能讓你在回味中佩服他駕馭電影的能力。

㈢ 以電影 《簡愛》寫一篇影視賞析 800字

英國女作家夏洛蒂勃朗特的傳世經典，自問世以來不斷地被搬上舞台和銀幕。電影人對這個故事頗為熱衷，從早年奧遜·威爾斯（《公民凱恩》）版本到近期威廉·赫特（《大寒》）版本，在歷時半個多世紀以來，伴隨著7、8個版本《簡愛》影片的誕生，不同的代電影人在各自的作品中用自己的角度闡釋對作品的理解，同時也推動了這部經典名著在全球的普及。1970年的喬治·斯科特飾演的版本歷來被公認為是所有版本中改編得最恰到好處的——既忠實於原著精神，且故事結構更為緊湊，愛情主題更加突出。蒼涼靜謐的英國荒原，神秘詭譎的古堡，加上「老戲骨」喬治·斯科特（《巴頓將軍》）的表演，將一個維多利亞時代哥特式的愛情故事演繹得凄美動人。喬治·斯科特的表演無疑是本片的一大看點，他的激情演繹使其他版本的羅切斯特黯然失色，其鋒芒直逼早年的奧遜·威爾斯。而蘇珊娜·約克外表沉靜，含蓄內斂的風格也被評論界稱為最接近原著簡愛的精神氣質。本片的主題音樂更是大手筆，它出自著名音樂人約翰·威廉姆斯之手。這一主題曲把本片的愛情主題推向高潮，更成為該版本的標簽，至今仍在不同的音樂會上被演奏。

對於中國觀眾，這一版本的意義尤為特殊——它被無數次地製成錄音剪輯，在全國各地的電台一播再播：它被製成各種版本的錄音帶，被「聽迷」們爭相購買，聽這部電影著迷的人甚至比有機會看這部電影的觀眾還要多。對於出產了無數配音電影精品的上海電影譯制廠，《簡愛》堪稱精品中的精品。在觀眾每一次選出的配音作品中，《簡愛》無不位列三甲。它從台詞翻譯到演員表演，無不成就了一種典範。這是配音大師邱岳峰與李梓的顛頂之作，他們用聲音拓展了新的表現空間，豐富了電影這一「視聽」的藝術在聽覺上的美好體驗。邱岳峰塑造的羅切斯特，或憤懣，或柔情，或倦怠，或狂暴，無不讓人動容。而李梓演繹的簡愛在不慍不火的聲調里展現出細膩的情感變化，或溫婉，或堅定，也在更深層次上豐富了簡愛人物的形象。他們的聲音有表情，有形象，有情感，一寸一寸都是鮮活的。

本片是20世紀70年代初拍攝的小成本電視電影，雖然由明星喬治·斯科特擔綱主演，但國外觀眾對其評價不高，在國外電影市場基本上沒有什麼影響力，是上海電影譯制廠表演藝術家們的精湛技藝使得她面貌煥然一新，成為觀眾心目中外國電影經典之作。經過邱岳峰和李梓主配之後，多少觀眾為之傾倒，甚至有人在寒冷的冬夜剛看完這部片子步出影院，便滿懷激情吟誦起羅切斯特和簡愛的對白來。簡愛的愛情觀、價值觀、人生觀對不少女性產生了巨大的影響，孕育了一批中國式的女權主義者。大夥欣賞之餘，還找來原著細細品讀、比較，至今我還珍藏著它的CD錄音剪輯。以前市面上充斥的盡是奧遜·威爾斯和瓊·芳登主演的美國版，以及其它新版的《簡愛》，而這次全美的傾力奉獻總算讓我得償所願了。

這是一部特殊的電影，觀眾可以閉上眼睛，傾聽這來自靈魂的聲音。

㈣ 賞析一部比較有名的電影

《戰艦波將金號》：石破天驚的電影史佳作
《戰艦波將金號》一上映，就立即震驚了全世界，被公認為蘇聯蒙太奇學派的最傑出代表，影響了無數的後來者，成為人類電影史上不可逾越的經典。時至今日，對《戰艦波將金號》分析、評介依然是電影學院里的必修課。

最直接的影響首先來自於《戰艦波將金號》所使用的蒙太奇手法。在這部電影中，愛森斯坦天才的創造力得到了淋漓盡致的發揮，通過鏡頭之間的重新剪輯、巧妙組接，愛森斯坦在銀幕上重構了一個時空體系，它與我們現實中的時空體系迥然不同，但又是植根於現實生活的基礎之上，從而在根本上與觀眾的觀影心理相契合，從這一點來說，《戰艦波將金號》開創了一直沿用至今的電影創作中所使用的最基本的蒙太奇表現手法。當然，蒙太奇並非是愛森斯坦發明的，在早前的格里菲斯乃至更早的梅里愛、鮑特的影片里就已經有了蒙太奇的應用，但這種應用要麼是無意識、不自覺的，要麼是不成熟、不完善的，只有到了愛森斯坦，到了《戰艦波將金號》那裡，我們才能負責任的說：電影藝術開始有了只屬於自身所獨有的蒙太奇語言體系，電影語言開始藉由蒙太奇句子組成。時至今日，如果離開了這種蒙太奇語言體系，電影創作根本就無從進行。可以毫不誇張的說，《戰艦波將金號》之後的所有電影，都是它的學生。

影片的影響在全世界迅速散播開來，無數藝術青年正是在觀看了《戰艦波將金號》以後才決心投身電影事業，《戰艦波將金號》成為改變他們命運的轉折點——西班牙電影大師路易斯·布努埃爾正是其中的一位，當時還在大學讀書的布努埃爾無意間看到了來學校放映的《戰艦波將金號》，立即為其中無與倫比的表現力所嘆服，這成了開始他電影生涯的直接動因。很快，僅僅三年後布努埃爾就拍出了自己的處女作《一條安達魯狗》（Un chien andalou），這部被視作超現實主義代表作的二十四分鍾短片同樣引起了巨大轟動，它奠定了布努埃爾在影壇上的大師地位。整部影片充滿了天馬行空的想像：一片被切削著的月亮，一把刀片割開一隻眼球，一隻爬滿螞蟻的手，一隻伏在鋼琴上的死驢，變成臀部的乳房，等等。不難發現，這些蒙太奇手法的使用其實與《戰艦波將金號》如出一轍，正是愛森斯坦所推崇的「雜耍蒙太奇」的理念，布努埃爾自己也毫不避諱這一點。值得一提的是，兩位大師在生活中也成為了好朋友，愛森斯坦來西歐游歷時，曾與布努埃爾相談甚歡。不過據說當布努埃爾看過愛森斯坦所拍的《感傷的羅曼史》一片後，對其中的藝術品味極不認同，怒氣沖沖地到各個咖啡館去找愛森斯坦，一定要當面打他幾個耳光。當然，這只是由於大師的率真性情所留下的逸聞，並沒有真正影響到他們之間的友誼。

同樣的影響也發生在了葡萄牙國寶級導演奧利維拉身上，這位現年已近百歲高齡的老人，當年也正是因為受到《戰艦波將金號》的影響，才毅然投身到電影創作中去。他所拍攝的影片《杜洛河上的苦工》，雖然是一部紀錄片，但可以清晰的看出其中對《戰艦波將金號》的模仿。特別是纖夫拉纖一段，其中剪輯進了若乾麵部特寫，鏡頭在纖夫和乘客之間的反復切換，與《戰艦波將金號》毫無二致。

有趣的是，幾年以後，與蘇聯在意識形態水火不容的納粹德國，《戰艦波將金號》同樣被推崇備至。據說納粹德國的宣傳部長戈培爾在看過《戰艦波將金號》後，對其中的震撼力大為震驚，他指示德國一定也要拍出類似的片子來，並很快找來了女導演瑞芬斯塔爾來落實這一計劃，這才有了《意志的勝利》一片的誕生。《意志的勝利》是一部在思想上反動透頂的影片，完全是為了給納粹黨歌功頌德，但在電影的藝術價值上，這部影片又是如此的成功，以致於後來的電影史都不得不尷尬的提到它——一方面痛斥其意識形態，另一方面又對其表現方法大加褒揚。毫無疑問，這部在《戰艦波將金號》直接影響下誕生的影片，帶上了濃厚的愛森斯坦印記。當然，由於科技的進步，拍攝工具的改善，以及納粹黨所提供的近乎無限制的製作經費，讓《意志的勝利》比《戰艦波將金號》場面更加宏大，氣勢更恢宏，畫面更精良，但其蒙太奇手法的運用，依然是偷師於後者。特別是希特勒登上紐倫堡閱兵台的那一場戲，漫長的台階，希特勒和手下依次拾級而上，兩旁是黑壓壓的納粹黨員，口號的歡呼聲響徹雲霄，行納粹禮的手臂密集如林，其剪輯手法上活脫脫就是一個「敖德薩階梯」的翻版。

在國外取得巨大反響的同時，《戰艦波將金號》也成為了蘇聯國內電影的教科書，其中的蒙太奇理念為眾多蘇聯電影所汲取。例如《雁南飛》（Летят Журавли）這部攝於1957年的黑白片，片中最為人所稱道的就是主角鮑里斯中彈犧牲的那個場景。在現實中，中彈犧牲只不過是一剎那的事，而導演卡拉托佐夫用了很長的一組鏡頭來表現：先是白樺林的旋轉，在這個背景上疊化出鮑里斯的想像，薇羅尼卡身穿婚紗走下樓來，和鮑里斯舉行婚禮，最後又回到旋轉的白樺林。這個場景已成為《雁南飛》永恆的標志，而這種在影片中拉長時間，重構時空體系的手法，正是由愛森斯坦在《戰艦波將金號》里首先運用的（「敖德薩階梯」即為其典型代表），《雁南飛》繼承了這一手法，同時又進行了發展和創新。

《戰艦波將金號》的影響不僅止於歐洲，它很快也成為了好萊塢效仿的模板，事實上，愛森斯坦在《戰艦波將金號》中所使用的多鏡頭、快速剪輯的蒙太奇手法已經成為好萊塢影片的基本表現模式，甚至可以說，好萊塢才是愛森斯坦最好的學生。以好萊塢的代表作《魂斷藍橋》（Waterloo Bridge）為例，這部纏綿悱惻、催人淚下的愛情片，依然使用了《戰艦波將金號》中所使用的蒙太奇手法。例如，在費雯麗扮演的女主角瑪拉走向滑鐵盧橋自殺的那一場戲，一隊軍用卡車在橋上隆隆開來，瑪拉毫無畏懼地向一輛輛飛馳的軍車走去，蒼白的臉在車燈的照射下美麗而聖潔。鏡頭在軍車和瑪拉之間反復的快速剪切，在群眾的驚叫聲、卡車的剎車聲中，最後，瑪拉結束了生命，手提包和一隻象牙吉祥符散落在地上，這樣的表現方式幾乎是完全照搬了《戰艦波將金號》中的橋段。

同樣的例子還有希區科克導演的《精神病人》（Psycho）一片中，最為著名的浴室謀殺那一場戲。《戰艦波將金號》中「敖德薩階梯」那一場戲，8分鍾的時間愛森斯坦用了160多個鏡頭，而「浴室謀殺」這個場面共歷時48秒，卻由78個快速切換的鏡頭組成，盡管連一刀刺入人體的血腥畫面都沒有，但其恐怖效果卻因蒙太奇、場面調度、節奏、燈光及音響手法的綜合運用而達到了無以復加的境界。可以說，希區科克把經由愛森斯坦開創的蒙太奇剪輯手法推上了極致。

如果說，希區科克深諳愛森斯坦快速剪輯手法之精髓的話，那弗朗西斯·科波拉則是把愛森斯坦剪輯手法和隱喻的表達方式合二為一的好學生。在科波拉的代表作《現代啟示錄》（Apocalypse Now）一片中，最後馬丁·西恩飾演的男主角揮刀砍死馬龍·白蘭度所飾演的魔鬼軍官的那一場戲，科波拉也沒有直接表現白蘭度被砍殺的情形，白蘭度的身影依然在黑暗中，只是在剪輯上逐漸加快揮刀的節奏，同時加入了土著們祭祀儀式上砍殺一頭公牛的場景，與白蘭度被砍的鏡頭交替剪輯。可以說，這是標準的愛森斯坦手法，與愛森斯坦在《戰艦波將金號》中剪輯進的那三隻石獅子有著異曲同工之妙。

在好萊塢，公開向《戰艦波將金號》致敬的則是著名導演布萊恩?德?帕爾瑪，在他1987年所拍攝的代表作《鐵面無私》（The Untouchables）中，就有一段完全模仿「敖德薩階梯」的段落，這個段落也是全片的最高潮：在火車站的候車大廳里，凱文?科斯特納所飾演的政府特別調查員與歹徒不期而遇，雙方先是心照不宣，平靜的走向台階，繼而又幾乎是同時拔槍，互相射擊，與此同時，有個推著嬰兒車的路人正好路過此地，但由於受到驚嚇，嬰兒車不慎從台階的頂端滑落下去。科斯特納扮演的銀幕英雄自是了得，只見他邊舉槍射擊邊向下跑，最終在千鈞一發之際擊斃了歹徒，還接住了失控的嬰兒車。應該說，這個模仿還是很成功的，德?帕爾瑪同樣使用了階梯、嬰兒車、面部特寫等元素，同時又有自己的發揮。通過機位的多角度切換、升格鏡頭的配合使用，將整個動作場面表現得美輪美奐。雖然使用了慢鏡頭，但動作之間銜接得十分緊密，鏡頭與鏡頭之間的聯系也是絲絲入扣。

講到這里，我想愛看電影的朋友都不難想到，這種使用蒙太奇手段來渲染動作、烘托氣氛的做法，其實在動作片里司空見慣，而其中的突出代表，就是吳宇森式的所謂「暴力美學」片——縱觀吳宇森的作品，幾乎找不出一部不使用這種蒙太奇手法的作品??基於此，甚至有人評論說愛森斯坦是暴力美學片的祖師爺，不過我想這絕對是曲解了他老人家的原意了。

吳式動作片之所以能給我們留下深刻印象，能讓好萊塢看中，很大程度上就是因為其中動作場面的成功。可以說，在《戰艦波將金號》里初露端倪的「雜耍蒙太奇」，經過吳宇森的改造，已經徹底的誇張、極端化，並被吳宇森賦予了東方式的詩意與美感。即使到好萊塢以後，吳宇森的這一特點依然沒有改變。如《變臉》（Face Off）一片，只要是兩大主角的對決，幾乎百分之百的使用了慢鏡頭。尼古拉斯·凱奇標志性的半轉身拔槍射擊的動作，就從來沒有使用過單一機位的正常速度鏡頭，而一定是多機位、多角度的慢鏡頭，把凱奇的每一個動作細節都盡量拉長，並刻畫得纖毫必現；同時還通過多角度的重復來強化這一效果，從而把人物的瀟灑氣質和英雄主義精神表現得淋漓盡致。一瞬間的動作在吳宇森的電影里往往要用長達幾分鍾的膠片才能表現，這些人為拉長的時間間隔與中國畫里的「留白」卻有著異曲同工之妙，營造了一種東方式的「氣場」，充滿了東方式的美感。

特別值得一提的還有愛森斯坦的同胞，蘇聯電影藝術大師安德烈·塔爾科夫斯基。其實塔爾科夫斯基最初是以愛森斯坦的批判者身份為人所知的，他曾經發表文章對愛森斯坦的蒙太奇理論進行系統的批駁，他認為愛森斯坦的蒙太奇手法太強調導演的主觀意圖，取消了觀眾的主體地位，是不可取的。基於此，他還反對愛森斯坦影片中的任何隱喻鏡頭。但是，一旦進入創作實踐，塔爾科夫斯基根本無法與愛森斯坦徹底決裂，在他的電影里，隱喻蒙太奇比比皆是，以其《安德烈·魯布廖夫》（Андрей Рублев）一片為例，在影片開頭那個農夫乘坐的熱氣球墜毀以後，塔爾科夫斯基並沒有直接去表現，而是插入了一匹馬倒地的鏡頭，這與《戰艦波將金號》里那著名的石獅子不正是起著相同的作用？正因為如此，塔爾科夫斯基後來也不得不承認，「顯然有人會指責我前後矛盾。然而，藝術家本來就可以創造規則而又打破規則嘛。」

㈤ 影視賞析作業 就一部電影的寫一篇賞析，

為了愛，他不顧一切地和她在一起，為了愛，她義無反顧地迎向駛向她的汽車……看完電影《魂斷藍橋》後，我深深地被其中的故事情節感染了，被羅依和瑪拉的纏綿悱惻的愛情深深感動了。

盧卡契曾說過，每一種偉大藝術，它的目標都是要提供一幅現實的畫面。的確如此。曾風迷全球半個世紀的愛情經典劇《魂斷藍橋》圍繞著男女主角的悲劇愛情這一軸心，給我們展示了一幅戰爭的、經濟的、世俗的多方面生活的畫卷。《魂斷藍橋》的內容傳奇，文藝氣息濃厚，具有極高的催淚效果，它成功，向人們展示了愛的真諦。

影片從始至終緊扣愛情主題，羅依和瑪拉相愛，愛得熾烈奔放，愛得無我忘我。瑪拉可以不顧自己的舞蹈事業，為了見羅依而誤場；羅依對瑪拉一見鍾情，在沒有同家人商量的情況下，馬上決定同她結婚。然而事與願違，戰爭把他們分開，戰爭使得瑪拉改變命運，雖有婆婆的原諒和叔叔的信任，可瑪拉總是自覺形穢，抹不去的等級陰影使得她不能原諒自己，最後為了維護羅依和他的家族的榮譽，她結束了自己年輕的生命……影片通過男女主人公的相遇、相愛、相分、相聚和永別，把熾烈的愛情、惱人的離情、難以啟齒的隱情和無限惋惜的傷情共冶一爐，因為戰爭原因而墮入紅塵的瑪拉經過了費雯麗的演繹，其善良、美麗、柔弱、無辜表露無疑。可就是這樣一個讓人沒有理由不去憐愛的女孩子，最終被戰爭逼上了絕路，用死亡結束屈辱，她在滑鐵盧橋上平靜地走向死亡時面容上所閃現出的凄美讓人心痛無比。

影片沒有氣勢磅礴的場景，沒有撲朔迷離的懸念，有的只是近似回憶般朦朧的視覺享受，有的只是小橋流水般優美的意境，有的只是從劇中人發絲間、明眸間、手指間一點一滴流露出的對愛情的執著和堅貞的信念。本來是一段纏綿動人的愛情故事，卻如鏡花水月一般以悲劇結尾…此情可待成追憶…這不能不在廣大觀眾中間產生共鳴。

《魂斷藍橋》做為電影史上三大凄美不朽的愛情悲劇之一，一部盪氣回腸的愛情經典之作，它之所以讓人屏息凝神，不只是因為硝煙中的愛情使人沉醉，美麗中的缺憾使人扼腕，更重要的是生命中愛的永恆使人心馳神往……

在不相信愛情的今天，有誰還可以為愛而舍棄自己的生命？渴望永恆愛情的現代人可以為《魂斷藍橋》感受那天長地久的愛意。我們應當從這一段美麗而憂傷的愛情故事，一首催人淚下的愛情絕唱中感受愛的春天，對愛的矢志不渝。

㈥ 電影賞析怎麼寫

這篇文章應該能幫到你！ 《投名狀》獨家影評：視效蒼涼出色 人物單薄 2007年12月3日9:25 Ryan 今次看的是《投名狀》香港特別邀請試映場。而該拷貝屬第一版完成後期拷貝，剛送檢的問卷及影評場次，故此未知是否最終版本。 《投名狀》從劇本上來看，可算是分野鮮明。全片兩小時剛好分為四個部份，先描述李連傑的龐青雲在一役中戰敗偷生，遇上了當匪的趙二虎（劉德華飾）及姜午陽（金城武飾），繼而開始了立下投名狀結為兄弟的故事。全片之起，在於他們相識，繼而他們在青雲勸下投靠青兵，攻打太平天國。 接著是他們的勝仗，不過同時為因為二虎之妻蓮生又與青雲暗生情愫，開始了兩人間裂痕，最終三人內訌。 從劇本上看，是一個十分穩陣的標准格局。不過，穩陣者，則代表沒有甚新驚喜。電影在初期刻意地與邵氏的《刺馬》劃清界線，其實主要是因為故事實在重心不同。 在節奏上，電影相比起同類型的戰爭片如西片《天國王朝》或內地片《集結號》來說，效果較接近前者。 電影利用了內地拍攝本身的人力資源，刻意地以時快時慢的節奏來描述戰爭。電影里煽情度其實亦有，不過部份重點場面，則刻意避免，希望將其重心放回在三位主角性格上的改變。電影的戰爭動作不多，抱看大場面入場的，沒有滿足感可言。 在性格刻劃上，劉德華的表現只是在預期之內，個人感覺未能反映到實際上三人關系的改變，屬全片的敗筆所在。反觀李連傑演得功利及佔有欲卻較合適。奈何，整段三人兄弟情的關系，雖然金城武的演出尚算對位，可是三人之間的關系卻顯得單薄。而戰爭里一些士兵之間的小故事也沒有適度插放。結果一到了文戲，感覺沒有想像中的戲味來。當中最終的情況，更拖得緊要，由感動位變成恥笑位一個。徐靜蕾在片中，只能看到她與青雲及二虎有染，但並不看得出其內心沖突，實在可惜。 相比之下，電影在技術部份，反而更為出色。當中以攝影效果較佳。電影以褪色效果營造戰爭的蒼涼，效果明顯。色調上大部份時間都缺乏鮮色，亦令電影在感官上較強。 值得留意的是，電影雖然是拍內地發生的太平天國時代故事，不過電影中那份中國味道不濃。電影雖然看起來視效工整，情節亦十分鮮明劃分段落，驟眼看來，跟過往內地一些大製作電影分別不大，似是照顧的不一定是華文市場，而是外地市場。 總的來說，《投名狀》是一部陳可辛打造出來照顧市場的電影。全片畫面修理、故事穩陣，不過在劇本主要的人物關系卻未能好好掌握，結果令到主題的主線薄弱，令觀眾期待的戰爭片變成一部看得淡淡然的電影，觀眾入場前宜先調整觀映重心。 在節奏上，電影相比起同類型的戰爭片如西片《天國王朝》或內地片《集結號》來說，效果較接近前者。 電影利用了內地拍攝本身的人力資源，刻意地以時快時慢的節奏來描述戰爭。電影里煽情度其實亦有，不過部份重點場面，則刻意避免，希望將其重心放回在三位主角性格上的改變。電影的戰爭動作不多，抱看大場面入場的，沒有滿足感可言。 在性格刻劃上，劉德華的表現只是在預期之內，個人感覺未能反映到實際上三人關系的改變，屬全片的敗筆所在。反觀李連傑演得功利及佔有欲卻較合適。奈何，整段三人兄弟情的關系，雖然金城武的演出尚算對位，可是三人之間的關系卻顯得單薄。而戰爭里一些士兵之間的小故事也沒有適度插放。結果一到了文戲，感覺沒有想像中的戲味來。當中最終的情況，更拖得緊要，由感動位變成恥笑位一個。徐靜蕾在片中，只能看到她與青雲及二虎有染，但並不看得出其內心沖突，實在可惜。 相比之下，電影在技術部份，反而更為出色。當中以攝影效果較佳。電影以褪色效果營造戰爭的蒼涼，效果明顯。色調上大部份時間都缺乏鮮色，亦令電影在感官上較強。 值得留意的是，電影雖然是拍內地發生的太平天國時代故事，不過電影中那份中國味道不濃。電影雖然看起來視效工整，情節亦十分鮮明劃分段落，驟眼看來，跟過往內地一些大製作電影分別不大，似是照顧的不一定是華文市場，而是外地市場。 總的來說，《投名狀》是一部陳可辛打造出來照顧市場的電影。全片畫面修理、故事穩陣，不過在劇本主要的人物關系卻未能好好掌握，結果令到主題的主線薄弱，令觀?期待的戰爭片變成一部看得淡淡然的電影，觀?入場前宜先調整觀映重心。

㈦ 電影賞析 要文字 100分求 回答就給分

修改答復如下，增加《千與千尋》，《逃之夭夭》，《阿甘正傳的》
見2.，3.，4.

1. 關於《肖申克的救贖》

未看這部片子之前，聽朋友說，這片子是《越獄》的電影版。

剛看完，感觸頗深。我想，如果說《越獄》是對生的渴望，那《肖申克的救贖》更多的便是對生的思考了。

我想，朋友所認為的這部片子與《越獄》的關系，只是因為兩者都是以越獄為主題罷。只是，作為兩個多小時時長的電影，註定它給人咀嚼的蘊味要深刻得多．

《越獄》是上學期看的連續劇，印象中，那時候對社會這個無形的監獄感觸很大。有形的監獄與無形的監獄，到底哪個才能讓人找到安全的歸宿？~

在《肖申克的救贖》這部片子里，彷彿已找到了答案。

當在監獄里生活了50年的博斯獲假釋時，面對陌生的世界，他惶恐迷茫，「我不喜歡這地方，它令我太焦累」——世界變化得直快，或許，監獄才能給人一種安全？對於監獄，「開始，你恨它們；接著，你適應了它們；日子久了，你開始依賴它們。」博斯最終選擇了解脫，當看到他上吊時畫面固定了的那一幕，留給生的人又是怎樣的一種思考與無奈呢？「不再有痛苦的感覺了」——這是他離別前最後一句的感恩。或許，就像瑞德說的——「他應該死在這里（監獄）」。
影史上真正的無冕之王!如果一個人一生只看一部電影的話，那就應該看《肖申克的救贖》。
人人都知道，知識改變命運。其實，電影更能改變人的命運，特別是陷入低潮中的人，《肖申克的救贖》公認是史上最能改變一個人的電影，沒有誰能否認這一點。
我們每個人一生都會面臨許多無奈和困難，甚至是突如其來的災難。面對無法自控的現實，我們應該怎樣面對這個真實的世界？我們要以怎樣的姿態活下去呢？肖申克的救贖給了我們答案，讓芸芸眾生看到了一個真實的人一些真切的舉動，給我們力量和勇氣。
《肖申克的救贖》又名《刺激1995》，雖然它在奧斯卡敗給了當時另外一部偉大的影片《阿甘正傳》，但我依然認為它是最有現實意義的電影，最能告訴我們如何活的快樂生活的勇氣。它告訴我們，面臨災難，只有自己才是自己的上帝，勇氣和堅強才是最大的救贖。
銀行家安迪被當作是殺害妻子以及妻子情夫的兇手，盡管這些是強加在他身上的冤獄，但他卻無力改變這一切。他也從此開始了他漫漫的監獄生涯。故事一開始就將他定位在一個被飛來橫禍強加於身的人，在監獄裡面，安迪要面對變態的性騷擾，更要面對監獄長和獄警的殘暴，他始終保持著低調，他彷彿很無力的承擔著這一切。漸漸的他利用他銀行家的特長幫監獄其他人做帳，以至於最後幫監獄長以及其他監獄的管理人員做帳，逃稅，只道他最後成功越獄，獲得自由和新生。
故事情節彷彿有些老套，但卻表現如此有張力，情節安排緊湊，以至於倒最後當他成功越獄的時候，我都不知道他是怎麼做到這一點的。他每天用一個小鋤頭挖一點土，然後第二天早上把土放在口袋裡面，散步放風的時候再把土悄悄的撒在地上，每次土不能多，不然就會被發現。安迪要忍受怎樣的煎熬，他也知道這樣做太慢，他縝密的思維和強大的意志讓我為他嘆服，我在想，如果是我，我是否能做到呢？我會不會因為太過於心切而導致失敗呢？
除了這些，在獲取圖書館經費問題上，讓我看到了安迪的執著和樂觀。他為了監獄的圖書館，一次次的給州長寫信，他不知道寫了多少封信，最後終於如願以償。這份執著和毅力，又有多少人能夠做到呢？
電影對於生活習慣和人的惰性給予了深刻的批判，當老人離開監獄的時候，他什麼都不會做，最後他終於上吊自殺了。是的，是社會造成了他的悲劇，但是他自己一點責任都沒有嗎？
電影一次次的用一個普通人的執著和堅強告訴我們，只要不放棄希望，只要堅強，我們就會得到很多，盡管我們不得不失去很多，面對災難，面對不公，堅強是最好的註解，勇氣是最好的救贖。安迪最後把監獄長的錢騙光，監獄長的賬本也被送到了檢察官手裡，等待他的是法律的審判。
生活存在於細節中，當最後安迪准備好一切的時候，我當時不明白他為什麼要帶上監獄長的皮鞋，最後只倒他出現在銀行，只有擦亮的皮鞋和西裝革履才能讓他如此輕松的提走如此大額的現金而不被懷疑，安迪永遠是安迪，冷靜，執著，信心，樂觀，只有他才能戰勝生活，獲得新生，我們何嘗又不是呢？
每次當我沮喪無奈的時候，我都會看這部電影，每次看我總能從那裡獲取勇氣，因為我知道，我沒有面對安迪承受的那麼多災難，我沒有理由放棄勇氣和希望，努力就是救贖，就有希望。這部電影，用普通人也普通的情節展示了一個偉大人物的偉大內心世界，也告訴生活中的每個人：只有自己才是自己的上帝，勇氣才是最大的救贖。
我們每個人都應該成為安迪，引用尼採的那句話說：那些不能將我置於死地的東西，只會讓我變得更加有力量！

2. 關於《千與千尋》
2001年出品

導 演：宮崎駿

·第七十五屆奧斯卡最佳動畫片獎

·第五十二屆柏林電影節金熊獎

·國際動畫電影協會動畫片大獎

·第二十一屆香港電影金像獎最佳亞洲電影獎

《千與千尋》是日本著名動畫大師宮崎駿獻給曾經有過10歲和即將進入10歲的觀眾的一部影片，它以現代的日本社會作為舞台，講述了10歲的小女孩千尋為了拯救雙親，在神靈世界中經歷了友愛、成長、修行的冒險過程後，終於回到了人類世界的故事。

佛教說，入世的生活是物質的、感情的、人群的生活，《千與千尋》正是藉由小女孩千尋的經歷，在積極探索一條入世的道路。千尋由一個物質世界跌入一個對於她來說全然陌生和充滿著困境的神靈的世界，「回歸」將是一切努力的終極目標，取勝的魔法只有一句話——「為了他人而做一件事」，不屈的千尋最終發現了自身存在的意義，她於是努力以成長的主題去實現自己對世界的懷疑與期待。

「在萬物重生的早晨，來到靜寂無聲的窗前，一切歸零之後漸漸充實，不再去追尋海的彼岸，耀眼的寶物一直就在這里，在我身上就可以發現。」

宮崎駿沒有迪斯尼那麼花哨，他甚至有些落伍，直到現在，他還堅持用手工繪畫而不是電腦繪圖來完成自己的卡通片。但他懂得一部卡通片，或者說是一部電影，用什麼去打動別人，這就是人文。所以，宮崎駿筆下的形象是一個個人，而不是一個個沒有知覺的卡通。

電影的力量在於動人，卡通的力量在於純真，宮崎駿掌握了這些力量，他取得了理所當然的勝利。

——《新聞晚報》

這是一個沒有武器和超能力打鬥的冒險故事，它描述的不是正義和邪惡的斗爭，而是在善惡交錯的社會里如何生存。學習人類的友愛，發揮人本身的智慧，最終千尋回到了人類社會，但這並非因為她徹底打敗了惡勢力，而是由於她挖掘出了自身蘊涵的生命力的緣故。現在的日本社會越來越曖昧，好惡難辨，用動畫世界裡的人物來講述生活的理由和力量，這就是我製作電影時所考慮的。

——本片導演 宮崎駿

《哈利·波特》和《千與千尋》都是很流行的幻想文學作品，都很受歡迎，但從想像力這點來看，前者不如後者。日本漫畫家宮崎駿的《千與千尋》非常好，把孩童時期的想像力都發揮出來了。如果比較兩部作品，可用搭積木來做比，有一堆各色的積木，《哈利·波特》很好地使用這些積木搭了一座非常好的建築物，而《千與千尋》的獨特之處在於，它創造了另一套積木。

——評論人 楊 鵬

10歲的小女孩千尋和父母一起在森林裡迷了路，走過了一條神秘的隧道之後進入了一個小鎮。奇怪的是整個鎮子里一個人也沒有，千尋的父母看到有一處店鋪里存放著大量新鮮的食物，按捺不住誘惑便瘋狂地吃了起來。千尋卻感覺這里令她很不安，看到父母只顧著吃，她只得自己到別處轉悠轉悠。

天色漸暗，千尋忽然看到鎮子里有很多幽靈和妖怪出現，嚇得趕緊去找她的父母，誰知她看到父母竟然因為貪婪而變成了豬。無助的千尋只能逃跑，可她驚奇地發現自己的身體竟開始變成透明，就快要消失了。

這時，少年白龍出現了，他救了千尋，並告訴她這個鎮子是精靈棲息的世界，人類是不許進入的。一旦人類不幸進來了，想要生存下去必須遵守兩個條件：第一條是要為掌管鎮中大浴場的魔女湯婆婆工作；第二條是要被她剝奪名字。少年告訴她自己曾經叫白龍，如今被稱為白。千尋也被奪去一字，叫做千。

為了不被變成動物，孤獨的千在大浴場里拚命地工作，在這里，她還認識了很多朋友：指導她工作的小玲、負責煲洗澡水的鍋爐爺爺、煤炭屎鬼、入侵浴場搗亂的無顏以及各式各樣的客人等，每日都遇上超乎想像的奇幻事情，令她對生活有很多新體驗。

一天，千發現一條受了重傷的小白龍，並發現它其實是少年白龍的化身。因為他受湯婆婆的指使，偷了湯婆婆的死對頭兼孿生姐姐錢婆婆的寶物而遭錢婆婆追殺。錢婆婆為此還一氣之下把湯婆婆寵愛的孩子和僕人變成了小白鼠和小鳥。為了救白龍，千與湯婆婆進行了一項交易，她幫湯婆婆救回兒子，並要求湯婆婆把她的父母變回人類。湯婆婆答應後，千便拿著白龍偷來的寶物去找錢婆婆，並歸還了寶物，白龍也向錢婆婆道了歉。實際上，錢婆婆遠不像想像中那麼可怕，反倒是個通情達理的老太太，所以一切都很順利。

最後，湯婆婆終於放千尋和她的父母離開小鎮，回到人類世界。千尋的父母全然忘了小鎮的事情，而千尋卻還若有所思地回過頭去，看著身後，回想著不久前那些驚險離奇的事情……

與宮崎駿共話《千與千尋》

《千與千尋》是動畫大師宮崎駿的又一次巨大的成功，它不但創下日本國內票房的最高紀錄，而且還在柏林電影節上獲得了最高榮譽，據說本片在美國上映後同樣引來一片贊賞聲，更是取得了史無前例的強勁口碑，許多人驚呼：「迪斯尼拜倒在宮崎駿的腳下！」據全美各種統計，《千與千尋》成為美國歷史上首部獲得全美影評100％贊好的電影。這一切不僅是對宮崎駿的肯定，也是對動畫片地位的肯定。

以下是對宮崎駿的訪談，它可以讓我們進入宮崎駿大師的內心世界，更深入地了解他的創作和心路歷程。

問：這部電影的創作是什麼時候開始的？何以會想到創作這樣一部動畫片？

宮崎駿：《千與千尋》是我為5位小朋友而創作的。這5位小朋友是我朋友的女兒，都在10歲左右，每逢夏季，她們都會到我山邊的小屋來。有時我想，我們製作過不少關於小孩子的電影，卻沒有一出是為10歲女孩而製作的，大概也該為她們做點什麼吧。

問：你怎麼去了解10歲女孩喜歡些什麼呢？

宮崎駿：為了創作這樣一個故事，我看過好些時下女孩所看的漫畫——都是些俗不可耐的浪漫愛情故事。我深信這絕不是一個10歲女孩所渴求的。難道我們就不能創作一些能引起她們共鳴的故事嗎？

問：能夠引發這么多人的喜愛和共鳴，《千與千尋》有什麼特別之處呢？

宮崎駿：《千與千尋》有別於其他故事，也有別於我過往的創作。以往，我筆下的主角都是我所喜愛的，但這次我刻意將千尋塑造成一個平凡的人物，一個毫不起眼的日本女孩。我要讓每個10歲的女孩都從千尋那兒看到自己，她不是一個漂亮的可人兒，也沒有特別之處，而她那怯懦的性格和沒精打採的神態，甚至會惹人生厭。最初創造這個角色時，我還真有點替她擔心呢；但到故事將近完結時，我卻深信她會成為一個討人喜歡的角色。

3. 關於《逃之夭夭》
弗朗索瓦就是安東尼·齊默,只是整了容,以另一種身份在女友身邊.但是後來女友沒有揭穿他,兩人一起逃之夭夭了.

安東尼·齊默(Anthony Zimmer)是個天才的洗錢高手，作案多年，一直逍遙法外，沒人知道他的真實面目，更別說抓到他了。除了受到警方通緝外，他也是俄國黑幫的眼中釘。在所有想要抓到安東尼的人當中，只有專門負責金融案件的海關警察阿卡爾曼(薩米·弗雷飾)掌握了安東尼的唯一弱點：他美麗迷人、鮮為人知的女友吉雅拉(蘇菲·瑪素飾)。

弗朗索瓦(伊萬·阿達勒飾)是個剛遭女友拋棄的普通男人，打算去法國南部的藍色海岸散心度假。在南下的火車上，弗朗索瓦邂逅了神秘而美麗的吉雅拉，旋即被這個風情萬種的美女所深深吸引。這位熱情大膽的美女建議兩人一起共度周末，弗朗索瓦立刻欣然同意，他簡直不能相信自己的好運氣，整件事如同一場童話般的美夢。

可惜美夢總是醒得太快，吉雅拉突然無故失蹤，弗朗索瓦一下子由天堂墮入了地獄。他決心不惜一切代價也要讓吉雅拉重新回到他的懷抱，但是事情遠非他所想的那麼簡單……
當齊默以弗朗索瓦的身份與女友吉雅拉周旋時，我仔細揣測他的心理，發現其中有許多秘而不宣的快樂。這種快樂來自用陌生眼光對熟悉事物進行重新審視時的新鮮感，來自破壞某種道德戒律時的刺激感。說穿了，《逃之夭夭》是一個男人偷窺自己女友的故事，這種偷窺不是通過陽台上的高倍望遠鏡進行的，而是通過另外一個堂而皇之的身份(名叫弗朗索瓦的男人)進行的，因此相比前者，後者要盡情盡興得多。

有一種說法，聲稱電影的發明就是為了滿足人們的偷窺慾望。明亮的銀幕上是靚麗的男女明星，黑洞洞的台下坐滿面目晦暗的觀眾，這樣的場景最符合窺視心理的發生機制。不管這種說法是否適合每一部電影，至少《逃之夭夭》是這樣的。在《逃之夭夭》里，所有的觀眾都可以跟隨齊默的目光，把蘇菲•瑪索的美麗盡收眼底。懸念曝光，雖然少了猜謎的樂趣，但那種窺視的快樂，卻是翻倍的。我甚至猜想，《逃之夭夭》在法國的高票房，恐怕大部分是回頭客們的貢獻。

用車廂里吉雅拉試圖勾引弗朗索瓦的一場戲作例子。未知謎底前，你看到的是一個不露聲色、手段高明的漂亮女人，和一個心猿意馬卻強作鎮靜的男人；然而謎底揭開後，還是那些動作那些台詞，你對人物的印象卻截然相反：一個自以為得計的女人和一個洋洋得意、一切盡在掌握的男人。

對於齊默來說，他在這場游戲里的雙重身份為他帶來了雙重收獲，他既可以作為陌生男人，享受他和吉雅拉的一段嶄新關系，甚至憑借自己的出色表現，令吉雅拉再次愛上自己。又可以作為吉雅拉的舊男友，欣賞她對自己的忠貞不渝(吉雅拉不止一次在關鍵時刻，強調自己愛的人是齊默)。而且可以在真相大白時，將吉雅拉對兩個男人的愛集中在他一人身上。這是何等榮耀。只是在這種時候，萬一有人問，齊默所做的一切，對吉雅拉是否公平，那就大煞風景了。不過在這樣一部男性主導的電影里，如此擔心純屬多餘，因為就連吉雅拉自己都不曾記得為自己抱不平，她一心想的都是，這樣優秀的男人是多麼值得女人犧牲了自己去愛啊。

4.關於《阿甘正傳的》
導演：羅伯特·澤梅基斯 Zemeckis·Robert
主演：湯姆·漢克斯 Hanks·Tom
加里·西尼斯 Sinise·Gary
羅賓·懷特 Wright·Robim
薩莉·菲爾德 Field·Sally

獲1995年第67屆奧斯卡最佳影片、最佳男主角、最佳導演、最佳劇本改編、最佳剪輯、最佳視覺效果六項大獎。

阿甘是個智商只有75的低能兒。在學校里為了躲避別的孩子的欺侮，聽從一個朋友珍妮的話而開始「跑」。
他跑著躲避別人的捉弄。在中學時，他為了躲避別人而 跑進了一所學校的橄欖球場，就這樣跑進了大學。阿甘 被破格錄取，並成了橄欖球巨星，受到了肯尼迪總統的 接見。
在大學畢業後，阿甘又應征入伍去了越南。在那裡， 他有了兩個朋友：熱衷捕蝦的布巴和令人敬畏的長官鄧 ·泰勒上尉。
這時，珍妮已經墮落，過著放盪的生活。甘一直愛 著珍妮，但珍妮卻不愛他。在戰爭結束後，甘作為英雄 受到了約翰遜總統的接見。在一次和平集會上，甘又遇 見了珍妮，兩人匆匆相遇又匆匆分手。在「說到就要做 到」這一信條的指引下，甘最終闖出了一片屬於自己的
天空。在他的生活中，他結識了許多美國的名人。他告 發了水門事件的竊聽者，作為美國乒乓球隊的一員到了 中國，為中美建交立下了功勞。貓王和約翰·列儂這兩 位音樂巨星也是通過與他的交往而創作了許多風靡一時 的歌曲。最後，甘通過捕蝦成了一名企業家。為了紀念
死去的布巴，他成立了布巴·甘公司，並把公司的一半 股份給了布巴的母親，自己去做一名園丁。甘經歷了世 界風雲變幻的各個歷史時期，但無論何時，無論何處， 無論和誰在一起，他都依然如故，純朴而善良。
在隱居生活中，他時常思念珍妮。而這時的珍妮早 已誤入歧途， 陷於絕望之中。 終於有一天，珍妮回來 了。她和甘共同生活了一段日子。在一天夜晚，珍妮投 入了阿甘的懷抱，之後又在黎明悄然離去。醒來的甘木 然坐在門前的長椅上，然後突然開始奔跑。他跑步橫越
了美國，又一次成了名人。 在奔跑了許久之後，甘停了下來，開始回自己的故 鄉。在途中， 他收到了珍妮的信。 他又一次見到了珍
妮，還有一個小男孩，那是他的兒子。這時的珍妮已經 得了一種不治之症。甘和珍妮三人一同回到了家鄉，一 起度過了一段幸福的時光。
珍妮過世了，他們的兒子也已到了上學的年齡。甘 送兒子上了校車，坐在公共汽車站的長椅上，回憶起了 他一生的遭遇。

《阿甘正傳》評析：
在1995年的第六十七屆奧斯卡金像獎最佳影片的角 逐中，影片《阿甘正傳》一舉獲得了最佳影片、最佳男 主角、最佳導演、最佳改編劇本、最佳剪輯和最佳視覺 效果等六項大獎。影片通過對一個智障者生活的描述反 映了美國生活的方方面面，從一個獨特的角度對美國幾 十年來社會政治生活中的重要事件作了展現。影片改編 自溫斯頓·格魯姆的同名小說。只不過原著是一本充滿 了諷刺意味的荒誕小說，而影片則對故事進行了修飾和 美化。摒棄了原著的荒誕和揭露諷刺意味，為影片增添 了一種溫情。這無疑使影片更合觀眾和評委的口味，但
卻犧牲了原著的叛逆斗爭精神，使影片成為了一種理想 化道德的象徵。
阿甘在影片中被塑造成了美德的化身，誠實、守信、 認真、勇敢而重視感情。在影片中，阿甘是十分純潔的 形象，而珍妮則成了墮落的象徵。這與原著有著極大的 出入。對於所敘述的一切，影片自始自終都是以一種溫
情和善意的態度來表現的，甚至還加入了詩意化的成分， 這使得影片顯得柔和而無傷害性。影片對傳統道德觀念 的宣揚和體現。使影片變得易為人們所接受，導演高超 的編排技巧和電影語言的運用也使影片十分吸引人。影 片的內容為影片商業上的成功提供了保證，而導演藝術 上的處理也使得影片更加精彩，這就是影片成功的原因 所在。《阿甘正傳》成了美國當年最為賣座的電影之一。 湯姆·漢克斯在影片中的表演十分朴實自然。他以 在此片中的表現獲得了奧斯卡最佳男主角的桂冠。這已 是他連續獲得的第二個影帝金像。《阿甘正傳》的成功， 也使湯姆·漢克斯成了好萊塢最受歡迎的影星之一。對 湯姆·漢克斯來說，那兩年是他演藝生涯中最為幸運的 一段日子。

㈧ 如何欣賞一部電影

電影是導演或編劇向世人表達自己的世界觀、愛情觀或者對某些現象的看法，好比文學是文字作品，電影就是影像作品，一部好的電影具備很多的必要條件。都說一部影片一百人看有一百種感受對我自己來說電影是感性之後再得到理性思考的東西首先要愉悅或者打動了某一部分人哪怕一個人。

其實，想要去欣賞一部電影，要結合電影主人公所處的年代背景，以及相關的人物關系，用心去觀看自然就會體會到導演以及演員想要傳達的感情了。最重要的是要用心看，用心看自然就會體會到當中的情感了。

㈨ 如何賞析一部電影賞析電影時要從哪些方面去理解電影所要表達的內容呢

• 正所謂，看電影，所以當然是從「看」，眼睛開始。動作片，那就緊緊的盯住他們的動作，情節片，那就要看他們的表情。但是，還要看到一點，那就是他們每個人物心。看上去很深奧，可其實並不難。電影為了表達出人物，演員們都會把表情盡可能的真實。好的演員，會把那個人物塑造得就像你身邊一個朋友一樣。通過他們的表情，就可以看得出人物的內心。是痛苦？掙扎？還是開心？幸福？跟著人物的內心，一起體驗電影的精彩，是再美妙不過的事了。

• 2

  電影，不僅僅只是想讓我們看，還需要我們聽。傾聽什麼呢？配樂，人物說話的語氣，還有出現在其中細微的聲音。配樂可以說是一部電影的一大亮點，（比如宮崎駿電影中就出了很多大家都很喜歡的配樂，也讓我們記住了久石讓。）配樂，主要為了烘托氣氛的，成功的電影中成功的配樂，總能帶著大家一起進入電影，配合著人物說話的語氣，混合出或者悲傷，或者搞笑的情境。

• 3

  我們要帶著我們的心去看電影，說的高雅些，就是欣賞。看懂了情節，聽著音樂，了解每個人物的心之後，總會有一些感慨。走馬觀花的同志會評價這是部好片還是爛片，而真的用心去體會的，會從電影中的人物看到一些社會現實，或者——自己的影子。也許是自己從前的夢想，也許是和其中某個人物相似的生活經歷。接著——會感情洶涌。那看電影的目的就達到了，給我們有些麻木的生活一些波瀾，一些感動，或鼓舞，或安慰的情感。記住一些事，忘記一些人，然後輕裝信心滿滿的繼續生活。

㈩ 看電影活著寫電影賞析

評論: 活著

我憐惜的不是家珍，雖然在書里為她唏噓過，不是福貴，多少有自己造孽的成分，不是有慶，小說里是因抽血而失血過多夭亡，電影中未免過於血腥，磚牆倒塌後的血肉模糊，真實的...我憐惜的是從頭至尾，一句話也未曾說過，想說卻不能說的鳳霞。她不是無聲的來到這個世界，雖然電影里不曾表演出來，可明明白白像大多數後天失聰的孩子一樣，患得患失於一場疾病－－高燒。

或許是因為她的扮演者，從小女孩開始一直到大姑娘，都是討我喜的樣子，堅忍，又羞澀，疼愛弟弟，順從父母。興許有人會說，是舊社會三從四德的典範，沒有什麼稀奇。我可以堅決地否定，否則我是新時代里成長的一代，別說是舊社會就是電影里跨過的五零年代，六零年代，七零年代，都不曾留下我的生命印記。我關注的是鳳霞的氣質，她無聲的內心世界。

年幼見證祖上家業被父親敗光，和媽媽一起經歷了女人一生中最恥辱的事情－－在夫婿家過不下去而回娘家。父親的覺醒、改頭換面，再次的跟隨媽媽從雖不錦衣玉食但也豐衣足食的姥爺家回到破敗不堪的父親的棲息地。這時候的鳳霞大概還和普通的孩子一樣憧憬著將來慢慢會變美好的生活。也許是福貴的罪過，卻要女兒來承受。父親千辛萬苦擺脫被國民黨拉壯丁的命運，百感交集地回到生他養他的小鎮，看到懂事地以幼小身軀拖著幾乎與之等高的開水瓶，殷切地喚著鳳霞的名字：「是爹啊。」我看到的是什麼，鳳霞醉人心弦，卻又讓人潸然淚下的微笑。側著耳朵，再倒回去，聽聽，還是沒有回答，不喜歡說命運弄人之類的話，卻不得不承認這樣的現實無時不刻的存在著。美好的少女時代，也被鄰家小孩無情的嘲弄的石子而擊得粉碎。如果說初嘗聾啞之味的時候，還少不更事，無法了解殘疾的真正意味，又或者會給自己的未來帶來多大的困擾，那麼從她受到鄰人欺辱的一刻便懂得了這種滋味，甚至想訴苦又無法開口的苦楚...

弟弟那差點引起階級糾紛的為鳳霞復仇的創世之舉，被她看在眼裡，爸爸因誠惶誠恐，那個不得不誠惶誠恐的年代對弟弟的遷怒，被她疼在心裡，可她就是沒法吐出一個字，想為弟弟辯解，這樣的一番話終於是從家珍的嘴裡說出來的，可她才是真正的當事人...第一個觸擊我視覺的鏡頭出現了：屋內家庭的糾紛方休，鳳霞默默地端著一個大碟走進來，先一碗面給母親，第二碗也是最大的一碗給父親，然後一碗，還沒有，先從旁拿了一支小凳，有慶乖乖地坐正，第三碗面就在他的小手裡了，鳳霞憐愛地摸摸弟弟的頭，最後捧起了剩下的一碗面。她是誰？需要這樣忍辱負重，在外受著別人的欺凌，在家又須調節不合的氣氛，還要暗中付出本應接受愛的心靈。

弟弟的慘死，福貴的撕心裂肺，家珍的號啕大哭，唯獨的鳳霞沒出現在現場，除了掉眼淚，完全沒法顯露天人相隔的殘酷事實，導演大概是這么想著，或許還可以剩下些菲林，還沒有數碼技術的年代，剪掉了最悲劇人物的出場。

如果只是看過小說，相信很多人一定會說最悲劇的人是福貴才對，命太硬，剋死了所有他值得珍愛的至親，白發人送黑發人的不堪，他人若是一次也就不活了，可福貴，不。老全，有慶，春生，鳳霞，家珍，女婿，外孫一個一個走在了他的前面，他卻依然活著。

只是電影改變了結局，保留了家珍的在世，饅頭的活潑，萬二喜的深情，卻還是剝奪了一個人生的權利－－不得不背負命運的鳳霞，不得不為整部戲的悲劇色彩添上濃墨重彩一筆的鳳霞。

噴涌而出的血，驚恐但還沒有完全失神的眼睛，剛才還安心的對家珍報以放心眼色的鳳霞，葬送在畫面忙亂的切換中。

結婚慶典上唱不出聲的痛苦被知女莫於母的家珍道出，只是一旦用有聲的語言表達出來，就索然無味了。

電影改編了太多太多，不僅是悲劇的結局，福貴被拉壯丁的經過，有慶的死法，萬二喜的殘疾部位，還升華了原作的基調，活著，即使身邊的人一個一個離你而去，也不要放棄生的希望。福貴堅守著這個也許他從未認清過得理，也拿它勸慰過和自己一起出生入死都不曾怕過，卻邁不過批鬥這道檻兒的春生。

聽著《莫失莫忘》（《仙劍奇俠傳》電視背景音樂）寫下了這篇文章，突然發現最近自己怎麼老是看有著類似結尾的片子，李逍遙的孑然一身...