電影愛樂之城台詞

『壹』 喜劇電影《愛樂之城》台詞

喜劇電影《愛樂之城》台詞

《愛樂之城》的故事發生在當代的洛杉磯，是一部關於夢想與愛情的電影。以下是我為大家精心整理的喜劇電影《愛樂之城》台詞，歡迎大家閱讀。

喜劇電影《愛樂之城》台詞

1.當人們令你失望，你更要勇往直前，因為早晨到來，又是陽光燦爛的一天。

2.一次小小的邂逅，可能就是苦等的機遇。

3.我們追尋的不過是另一個人的愛，一股悸動、一個眼神、一個碰觸、一支舞，凝視一個人的雙眼，點亮一整片天空。

4.我只需要這瘋狂的感覺，與噗通亂跳的心，但願它一直都在。

5.總會有個地方能讓我實現，對自己的期許。

6.就這樣一文不名，我跳上巴士，來到這里，勇敢或瘋狂，未來見分曉。

7.沒人喜歡爵士，連你都不喜歡

因為你，我現在喜歡了

8.敬那些做夢的人，哪怕他們有點傻，敬那些痛著的心，敬我們製造的混亂。

9.正是那一絲絲瘋狂，讓我們看見新的色彩。

10.人最愛別人傾注熱情的事物。

11.音樂與機械打造的彩色世界，召喚我躍上大銀幕，活在每一個場景中。

12.你為什麼把「浪漫」說得好像很不堪?

我不知道，洛杉磯就是這樣，什麼都崇拜，什麼都不重視。

13.你可以自己寫角色，寫跟你一樣有趣的東西。

14.爵士就是…每次都是新的，每晚都是全新的，非常非常刺激。

15.如果那麼墨守成規，要怎麼當革命者?

你緊抓著過去不放，但爵士是放眼未來。

16.等你拿到這個角色，你必須要付出一切，全力以赴，這是你的夢想。

《愛樂之城》：好萊塢夢幻成功學的銀幕讀本

《愛樂之城》里的幾個細節非常有意思。

爵士鋼琴師高司令和沒名小演員石頭姐倆人在好萊塢巨大的片場里溜達。石頭姐告訴高司令她特別討厭爵士，高司令大驚失色：怎麼可能!倆人馬上出現在一家爵士樂俱樂部。但他們聽音樂的方式卻令人扼腕：台上四位音樂家賣力演奏，但是台下高司令指手畫腳大聲喧嘩向石頭姐解釋這解釋那，直到這首曲子的最後一個音符落下他的“演說”也剛好結束。我們有理由懷疑他們到底是來聽爵士的，還是高司令像所有的文藝青年一樣借著音樂來泡妞的。

石頭姐的所做所為也絲毫不遜色：她看電影遲到，片子已經開場但為了找人方便她居然抬腿就登上舞台站在銀幕的正中位置，任由《無因反叛》中詹姆斯·迪恩的巨大特寫投射在她臉上。要是在民風稍微粗野的異國他鄉，觀眾早把手裡的各種物件甩過去砸得她滿地找牙了。但是還好，美國人民相當文明友善，所有觀眾都對銀幕前這么一大坨異物熟視無睹，只有高司令看到了愛人的麗影，兩人互相隔空微笑：終於有機會在看電影的時候互相撫摸打個kiss了。

高司令和石頭姐，一個是職業音樂家一個是專業演員，一個在酒吧里演奏的時候抱怨底下聽眾各說各話根本沒人聽，一個在試鏡的時候經常被考官的電話笑場閑聊打斷情緒，他們都深知自己在進行表演的時候不被別人尊重是什麼感受，但等輪到他們自己是聽眾和觀眾的時候，瞬間就把當初的不快拋到九霄雲外，換成了剛才還在憎恨的同樣面孔對待自己的同行和職業。

這其實很讓人困惑，因為片中兩人還在反復強調要追尋自己的“夢想”。看到他們對從事的音樂和電影事業所採取的態度，我納悶的是，他們的夢想究竟是什麼呢?

在導演達米安·沙澤勒的成名作《爆裂鼓手》里，他刻畫了這樣一對音樂師徒：做為老師不斷地對學生進行難以承受的人格侮辱和精神肉體折磨，傷害他的自尊，以各種手段讓他陷入激烈殘酷的競爭，逼迫他突破自己的極限，用個人成功的例子誘惑他，向他灌輸勝者為王的強者邏輯;而學生則在這樣的強力壓迫中不斷刺激自己的成功慾望，瘋狂練習只為了成為第一、最好、偉大、“被別人永遠談論”。《爆裂鼓手》披著音樂的外殼，但兜售的卻是主流美式資本主義個人成功哲學：它把人生刻畫成為一場永不停歇的對峙爭斗，要麼不計後果的瘋狂奮斗獲得成功，要麼在激烈競爭中落敗而被人遺忘。音樂在這里和金融、股票、投資、加薪、升職和創業一樣，是贏得個人成功滿足內心虛榮的的工具，是壓倒對手的獲勝武器，是通向夢想巔峰的一級台階。除此之外，它並不具有任何其他特殊的精神、情感和人文價值。

在《愛樂之城》開始不久，高司令因為在酒吧里沒按照老闆規定的曲目演奏而被解僱(我們都以為他想彈的是自由爵士，但他只不過是另彈了一首溫情流行小曲兒而已)，於是他發誓要開一間俱樂部自己想彈什麼小曲兒就彈什麼小曲兒。石頭姐遇到相同的`情況，她試鏡屢戰屢敗，於是在高司令的建議下決定自立門戶自己做主，自編自導自演一出獨角戲。他們定下的目標，其實都是不再做為默默無聞的小人物被呼來喚去，想要獲得的是某種被人認可的成功尊嚴感。無怪乎他們會在別人演奏爵士的時候高聲談笑，看電影的時候大搖大擺在銀幕前招搖過市，音樂和表演都只不過是達到個人目的的跳板，對他們來說都沒所謂。他們想要擺脫的是在酒吧因為彈小調被人解僱的羞恥和在咖啡店打工因為心不在焉而遭白眼的窘迫。關鍵在於要“一步步向上”站到高位俯視芸芸眾生，獲得為所欲為的權利和不被別人頤指氣使的身份地位，這才是他們的夢想。對了，“努力攀登，一步步向上”正是開場連串華麗舞蹈襯托下被反復吟唱的歌詞，這“向上爬才能進入好萊塢”的主題早在開頭五分鍾就已經被敲定了。

於是這人生目標極為相似的二人湊在了一起，時時刻刻互相監督對方別忘了要出人投地(當然也可能是互相在還是無名鼠輩的對方身上找到一點優越感，這點被高司令在影片中直白地挑明了)。當高司令變成小丑一樣的樂隊馬前卒時，石頭姐怒發沖冠呵斥他：你難道忘了自己的初衷嗎，你的夢想是開酒吧啊。乍聽起來她似乎有點邏輯混亂，參加樂隊商演和開酒吧有本質的不同么?但她的潛台詞其實是：“我現在開始看不起你了，因為你給別人當馬仔很開心，不是說好了要自己當老闆的嘛?”。在石頭姐獨角戲失敗回老家時，高司令驅車追趕而至，就差敲她腦瓜提醒她了：“你忘了成為“人上人”的“夢想”了么，成功不是在坐在家裡等來的!”。於是石頭姐繼續參加試鏡，贏得了一個出演專門為她量身定製的影片的機會。

“尊嚴”這個詞在好萊塢語境里有特殊的涵義。在著名的歌舞片《雨中曲》的開場，在萬眾矚目下，主持人問男主角電影明星金·凱利他成功的秘訣是什麼，後者對著話筒深情地說：“尊嚴，永遠是尊嚴”(Dignity，always dignity)。緊接著出現了一系列閃回，我們看到他由默默無聞的替身演員奮鬥成為天皇巨星的成名經歷，隨後“尊嚴，永遠是尊嚴”的台詞又被鏗鏘有力的語氣重復了一遍。剎那間我們猛然理解了他執意強調的“尊嚴”：它不是指人類群體所共有的不能磨滅的精神存在價值，而是特指從社會底層脫穎而出取得高級地位，由無名小卒變為眾星捧月一呼百應的焦點人物後擁有的巨大滿足感。它不單單是金錢(有意思的是，金錢在好萊塢盡管是人人追逐的目標之一，但是在公開表達中，它卻經常被主動遮掩退而其次把主要位置讓給了那星光閃耀的“尊嚴”)，而更是在高人一等的位置上所獲得的優越感。我們清晰地看到了金·凱利式所形容的好萊塢式“尊嚴”是如何運作的：在《雨中曲》的結尾，他為了成就自己愛人的明星地位，設巧計讓一直嫌惡的另一位女星在舞台上當眾出醜，當一個人的尊嚴被無情的剝奪後，她的價值立降為零。雖然《雨中曲》是皆大歡喜的Happy Ending收場，但殘酷的好萊塢法則卻在此偶露猙獰：任何一個人的“尊嚴”都是在殘酷無情你死我活的競爭中才產生價值和意義的。

無獨有偶，在《爆裂鼓手》中，導演達米安·沙澤勒借音樂老師之口講述了查理·帕克的故事：後者年輕時因為一次演奏失誤被憤怒的領隊鼓手喬納森·瓊斯的飛跋砸中，在後台受盡嘲笑，但他第二天更加努力地練琴。於是在達米安·沙澤勒的結論里，一代爵士薩克斯大師查理·帕克之所以成為大師只是因為不想成為其他人的笑柄。達米安·沙澤勒在此不惜虛構一個子虛烏有的名人八卦，只為了能將“尊嚴”問題和成功學嫁接起來。

所以在《愛樂之城》的結尾，石頭姐穿著高跟鞋跨出豪車趾高氣揚地走進五年前打工的咖啡店，以一副小人得志前來示威的風范要了兩杯咖啡揚長而去。觀眾由此意識到她不再是默默無聞的小人物，成家立業事業發達，而隨後大家也見到了因為擁有爵士俱樂部而揮灑自如的高司令，二人一個台上一個台下眼神對接展開了一場浪漫的愛情想像。不過我們都忘不了他們當初之所以分手是因為在追求好萊塢式“尊嚴”的過程中都顧不上對方了——是不是其中一方會為了愛情而幫助另一方獲得成功，自己則甘當任人宰割的無名小輩?答案是：NO。所以最後這一場華麗舞蹈真的只能停留在一時沖動的“意淫”階段，二人最後的對視盪漾著互相理解和鼓勵的笑意：嗯，在各自都成為“人上人”的道路上繼續努力更進一步吧。

歌舞意在雕琢高司令和石頭姐二人夢想的“超凡脫俗”。但媚艷鮮亮的服裝和變幻莫測的布景粉飾的卻是他們一直腳下拌蒜的舞步和徘徊在跑調邊緣的歌聲。好萊塢經典歌舞片中誇張、戲謔而富有表現力的動作因為兩位演員肢體的僵硬而精髓損失殆盡，鏡頭運動再華麗也無法遮掩他們歌舞技巧的業余。而在這示意性夢幻歌舞背後的其實是一個不能再傳統的美國夢式個人奮斗故事：兩個被壓在社會底層的小人物為了各自夢想的成功搭伴互相鼓勵著向上爬，音樂、電影、戲劇，甚至是愛情都是“向上”過程中可以抓到的趁手攀登工具，而個人價值的實現完全依賴於他在社會生活中被其他人認定的位置：高就扶雲直上，低則痛不欲生。這樣的生活價值觀當然無可厚非，甚至在我看來它一點都不夢幻和浪漫，反而因為勾勒出了無數人在追求成功的道路上所遭遇的辛酸苦辣而具有“赤裸裸”的現實主義“力量”。這大概是為什麼如此多的觀眾——從普通人到資深電影評論人——都會被它所深深感染。

我想感嘆一句的是，美國電影經過將近百年的兜兜轉轉，有約翰·卡薩維茨、斯坦利·庫布里克、弗朗西斯·科波拉、大衛·林奇、斯派克·李和羅伯特·奧特曼等人在觀念和形式上的洗禮式革新，居然又再次轉回了這本性難移的好萊塢成功學銀幕讀本套路。

走出影院時，我想起獨立電影大師吉姆·賈木許同在2016年推出的影片《帕特森》：一位美國小城的公共汽車司機，在日常中以寫詩來記述生活中的點滴表達內心的情感。他誠懇而內斂，對外在世界別無所求，甚至不願意給任何人看他撰寫的詩句。賈木許傳達的是個體價值並不取決於他身份和外表的普通，而樸素真摯的情感才會穿透偏見和歧視而永遠閃耀發光。這其實是另一種情懷，與《愛樂之城》截然相反。後者高調而咄咄逼人，以藝術的名義對個人成功充滿熱切的渴望，為了達到目的可以犧牲一切甚至寶貴的愛情;而前者平實溫和，以質朴的生活聯通詩化意境，藝術是他在靜默中表達對周遭世界點點波瀾般愛意的唯一方式。

當然，這兩者被大眾接受的程度也不盡相同，《帕特森》像他的主人公一樣默默無聞，而《愛樂之城》則是獲得奧斯卡十四項提名的大熱作品。也許《愛樂之城》的價值在於，多年之後再看會感受到它所紀錄下的那種如飢似渴追逐成功的躁動，特別是對於美國來說，它所散發的氣質與現實如此契合，甚至可以把它當做是特朗普時代一個有趣而又准確的流行文化注腳。

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『貳』 歌舞電影《愛樂之城》台詞

歌舞電影《愛樂之城》精選台詞

《愛樂之城》以一個極具野心的大堵車+長鏡頭開場，隨後司機們紛紛下車開始歡快起舞，為影片奠定了整體基調。歌舞電影《愛樂之城》精選台詞是我為大家整理的，在這里跟大家分享一下。

歌舞電影《愛樂之城》精選台詞

1.當人們令你失望，你更要勇往直前，因為早晨到來，又是陽光燦爛的一天。

2.一次小小的邂逅，可能就是苦等的機遇。

3.我們追尋的不過是另一個人的愛，一股悸動、一個眼神、一個碰觸、一支舞，凝視一個人的雙眼，點亮一整片天空。

4.我只需要這瘋狂的感覺，與噗通亂跳的心，但願它一直都在。

5.總會有個地方能讓我實現，對自己的期許。

6.就這樣一文不名，我跳上巴士，來到這里，勇敢或瘋狂，未來見分曉。

7.沒人喜歡爵士，連你都不喜歡

因為你，我現在喜歡了

8.敬那些做夢的人，哪怕他們有點傻，敬那些痛著的心，敬我們製造的混亂。

9.正是那一絲絲瘋狂，讓我們看見新的色彩。

10.人最愛別人傾注熱情的事物。

11.音樂與機械打造的彩色世界，召喚我躍上大銀幕，活在每一個場景中。

12.你為什麼把「浪漫」說得好像很不堪?

我不知道，洛杉磯就是這樣，什麼都崇拜，什麼都不重視。

13.你可以自己寫角色，寫跟你一樣有趣的東西。

14.爵士就是…每次都是新的，每晚都是全新的，非常非常刺激。

15.如果那麼墨守成規，要怎麼當革命者?

你緊抓著過去不放，但爵士是放眼未來。

16.等你拿到這個角色，你必須要付出一切，全力以赴，這是你的夢想。

《愛樂之城》：悲劇不僅僅是將人生有價值的東西毀滅給人看

猶豫了很久，還是打算寫寫這部電影。

很久沒在豆瓣寫影評了，一方面自己忙了，一方面也對今年的電影頗為失望。在經歷了去年的 和 等等之後，再看看今年的電影，確實比較平淡。

在出現之前，我甚至覺得如果把 放在今年都可能笑到最後。

之所以猶豫，無非是一個很幼稚的想法在作祟。

“為什麼他們要一言不合就跳舞?”

電影的開場真的讓我懵了，甚至後來再聽原聲碟，都還能回憶起剛進電影院的尷尬。

這份尷尬其實不能怪我，怪就要怪好萊塢現在炒冷飯之多，讓我們對類型片越來越適應。

很多時候我覺得，看好萊塢電影變成了吃飯。

當你拿起筷子，看到茄子時，你的味蕾上面就彷彿已經蒙上了一層薄油，裡面有著肉沫的香氣;當你的筷子夾向茄子時，味蕾上又浮現了豆角的味道，哪怕那盤子里並沒有豆角;而當你最終把茄子放進嘴裡時，一種“終於放心了的感覺”才浮上心頭。

沒錯，我吃的是肉末茄子。

看看今年的幾部佳作吧：

今年高分電影的第一陣容，基本上被迪士尼今年井噴式的高質量佳作所壟斷。、、這三部可以說是新的動漫電影的標桿，而且不僅個個質量上層，連類型都有嚴格的區分，做到了不炒冷飯之餘，還挖掘出了新的深度。

誇夠了我司(咳咳)，再仔細一想，真的沒有什麼好的電影了。自然不錯，但畢竟還是爆米花電影;和也不錯，但是受眾范圍過小;我個人認為排名前五的.和，雖然都在電影院揪住了我的心，但絕對沒有看完想要起立鼓掌的程度。

沒錯，對一部電影的最高贊賞，就是在結尾處黑幕的那一剎那，有一股想要起立鼓掌的沖動。

所以就是這么一部開頭尷尬，細水長流，最後讓你泛起沖動的電影。

它像什麼電影呢?很多人說過了，像。但不知道多少人像我一樣，看的時候想起了<500 days of summer>。同樣的春夏秋冬又一冬，流逝的都是愛情。

但流逝的都是愛情嗎?所以說，聯想有時是害人的。剛到夏天時，我就確定這一定是一部悲劇。無論他們兩人如何相愛，最後都不會走到一起。

可我跟紫霞剛好相反：我猜到了結尾，卻沒猜到那蓋世英雄，和七色的雲彩。

劇情是老套的，你只需要看任何一篇有關鍵情節透露的影評，就可以知道整個劇情的走向。其老套程度，跟裡面高斯林的座駕差不多，都帶著令人難受的年代差感。很多時候你會質疑導演是不是故意的，讓復古的服裝、音樂和車輛被一台碎裂屏幕的iPhone帶走了氣氛。

所以導演甚至沒有去處理這些看起來拙劣的漏洞。在這部電影里，所有這一切只是作料。有人說得對，這部電影帶著濃濃的濾鏡感，配上諸多洛杉磯的景色，讓你一度懷疑導演是不是請了一堆街頭藝術家，連布景的功夫都省略了。

尤其是咖啡館的戲，從頭到尾都吐露出導演的惡意。浮誇的店員，周圍人們的表情，不知道從何而來的世界之窗感的法式風情，都讓人覺得過於刻意。

這一切在天文館升華到了極致。背景和人物都在極其浮誇且粗糙的特效環境下顯得格格不入。這又跟<500 days of summer>後半段那段動畫一樣，有人喜歡，有人認為極其破壞意境。到這里，這部電影充其量算是致敬，像極了今年另一部年代感十足，劇情表現極其糟糕的< Hail, Caesar!>，讓人覺得這又是一部導演賣弄情懷的好萊塢系列風情片。

然而，電影之所以保持對電視劇的藝術力碾壓，靠的不再是劇情(從開始，電影在劇情上就已經無法和電視劇分庭抗禮了)，而是戲劇張力，和恰到好處可以讓觀眾捕捉到的細節處理。

一個小細節：高斯林在餐廳撞開艾瑪·斯通，現場一片鬨笑，大家心裡都覺得，這是個低級的導演包袱;但在結尾處，再次回放同一畫面時，卻在兩人碰觸的那一剎那，整個顛倒了劇情，絕妙的配樂(預定奧斯卡)適時響起，帶觀眾進入了另一個可能的未來世界，讓人們看到了人們心目中想看到的結局。

戲劇張力：在人們隨著導演的鏡頭結束想像後，像是喝完咖啡後嘴角的巧克力屑沫還沒有擦掉，人們還沉浸在那一點點細碎的甜蜜里，卻又回到了鋼琴上的手，高斯林的尾音，和艾瑪斯通的正臉。當人們以為導演要撕碎一切剛剛建起來的美好時，高斯林終於抬頭了。

兩人雙面交接時，露出了笑臉，音樂隨之激昂，用一種交響曲的方式結束了整部幕劇。而這，就是我沒有猜到的那七色雲彩。

結尾是好的，兩人都有了各自可以擁有的最好的結局。兩人在追逐夢想中失去的只是愛情，他們獲得的將是整個世界。明明是夢想成真的結尾，卻帶著耐人尋味的悲劇感，這是導演在這部電影里最見功力的地方。

人們都說，悲劇要人生有價值的東西毀滅給人看，那是典型的莎士比亞式悲劇，即人物在生活中的失意，都帶著原罪感和命運感，彷彿一切的悲劇都是註定的(當然，註定式的悲劇是人類先天最能接受的悲劇，與宗教的成功有異曲同工之妙)。但悲劇早已經不再是那樣簡單的悲劇。

很多人寫這部電影的影評都說，這部電影是復古電影，主打懷舊。有人因此給了高分，有人因此覺得索然無味。但我想說的是，認為這部電影是復古電影，本身就是一種錯誤的想法。且不說怕是第一次有人將洛杉磯這個巨星都市拍得這樣小巧，就算單講這部電影的劇情，在冬去春來又一冬時，就已經超越了大多數愛情劇，人、景、樂三者的結合(兩人在特寫下的面部張力，爵士樂吧的景調以及交響曲式的音樂)，就像是歌劇和舞台劇一樣緊密，排練般精準。這種對電影元素的調度和把控能力，是這部電影得以做到看似復古，實則創新的關鍵，也是需要影迷反復琢磨的一種數學式的美感。

肉末茄子。就像之前說的，心裡想的是肉末茄子，吃起來才會覺得香。少部分人對這部電影的差評，在我看來多半來自於此：在觀影之前或中途就將它類型化，便失去了品味細節的心理建設。這是部看重細節的電影，也是講悲劇拍出新高度的電影。

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『叄』 喜劇歌舞片《愛樂之城》台詞

喜劇歌舞片《愛樂之城》台詞

《愛樂之城》英文片名“LA LA LAND”在韋氏字典里被解釋為：一種沉溺在夢境中一般的、脫離殘酷現實的精神狀態。下面喜劇歌舞片《愛樂之城》台詞是我想跟大家分享的，歡迎大家瀏覽。

喜劇歌舞片《愛樂之城》台詞

1.當人們令你失望，你更要勇往直前，因為早晨到來，又是陽光燦爛的一天。

2.一次小小的邂逅，可能就是苦等的機遇。

3.我們追尋的不過是另一個人的愛，一股悸動、一個眼神、一個碰觸、一支舞，凝視一個人的雙眼，點亮一整片天空。

4.我只需要這瘋狂的感覺，與噗通亂跳的心，但願它一直都在。

5.總會有個地方能讓我實現，對自己的期許。

6.就這樣一文不名，我跳上巴士，來到這里，勇敢或瘋狂，未來見分曉。

7.沒人喜歡爵士，連你都不喜歡

因為你，我現在喜歡了

8.敬那些做夢的人，哪怕他們有點傻，敬那些痛著的心，敬我們製造的混亂。

9.正是那一絲絲瘋狂，讓我們看見新的色彩。

10.人最愛別人傾注熱情的事物。

11.音樂與機械打造的彩色世界，召喚我躍上大銀幕，活在每一個場景中。

12.你為什麼把「浪漫」說得好像很不堪?

我不知道，洛杉磯就是這樣，什麼都崇拜，什麼都不重視。

13.你可以自己寫角色，寫跟你一樣有趣的東西。

14.爵士就是…每次都是新的，每晚都是全新的，非常非常刺激。

15.如果那麼墨守成規，要怎麼當革命者?

你緊抓著過去不放，但爵士是放眼未來。

16.等你拿到這個角色，你必須要付出一切，全力以赴，這是你的夢想。

《愛樂之城》，情懷還是套路?

本屆奧斯卡最佳影片大熱的電影《愛樂之城》，其英文片名“LA LA LAND”，在韋氏字典里被解釋為：an euphoric dreamlike mental state detached from the harsher realities of life", 即一種沉溺在夢境中一般的、脫離殘酷現實的精神狀態。

西方電影的取名向來直截了當，“LA LA LAND”亦屬此列。不過，這部電影的港譯片名——《星聲夢里人》，不論和原文的“LA LA LAND”，抑或內地版本的《愛樂之城》比較，卻更深得我心。

因為不僅在粵語中“星”和“聲”二字發音相同，和開頭帶著重復音節的“LA LA LAND”異曲同工，讀來朗朗上口，而且僅用寥寥五個字便把整個故事的輪廓勾勒出來。“星”是關於夢想，“聲”是關於音樂，“人”是關於愛情。而“夢里人”更讓我聯想到古詩《隴西行》的名句“猶是春閨夢里人”，雖然陳陶寫的是晚唐戰亂帶來的骨肉分離，與《愛樂之城》聲色犬馬的基調相去甚遠，但也在某種程度上預先泄露了電影的不完美結局。

回歸正題，《愛樂之城》只是個發生在一對普通的青年男女之間的冗長故事——一心要成為演員和編劇的咖啡師Mia(Emma Stone飾演)，和對傳統爵士樂有著宗教式狂熱的酒吧鋼琴師Sebastian(Ryan Gosling飾演)，相遇在五光十色的洛杉磯。他們攜手度過了猶如維瓦爾第的協奏曲般美妙的四季，卻沒能堅持到過完第二年的冬天。“別時容易見時難”，二人重逢已是五年後，彼時Mia身邊有了丈夫，Sebastian惟余“流水落花春去也，天上人間”的感喟。

《愛樂之城》以睥睨眾生之勢獲得14項奧斯卡獎提名，評委們似乎更熱衷於這種輕彈淺唱的打情罵俏，多過深刻反思的宏大題材。怪不得那邊廂還在為實現諾貝爾文學獎零的突破而筆耕不輟的村上春樹，也在最新推出的小說里摒棄了他一貫擅長的政治隱喻，返璞歸真地寫出了“莫談國事，只談風月”的《沒有色彩的多崎作和他的巡禮之年》。

畢竟像反戰、平等、女權等等宏大的題材對於普通人來說實在是過於遙遠，近期另一部成為熱點的影片《降臨》，同樣吸引了不少鐵桿粉絲的好評，但作為典型的科幻題材，觀眾更多是以一種隔岸觀火的角度去討論外星人那套構思精巧的圓形文字系統，或是故意讓觀眾對主角的命運產生誤解的“敘詭”技巧，畢竟，在現實中也沒有幾個人有過跟一群不知道比地球人高到哪裡去了的外星人談笑風生的經歷。

反觀《愛樂之城》這樣平淡無奇、甚至有些老套的情節，更容易讓觀眾把自己代入到電影之中，幾乎每個人都能從這部片裡面或多或少找到自己的影子，導演Damien Chazelle深諳此道，他竭力去渲染純粹的音樂、夢想與愛情，這都是大多數人成長路上必然經歷過、並深有體會過的東西。

不僅如此，為了喚起觀眾的“集體回憶”，那些根植於美國流行文化，尤其是電影文化的符號貫穿全片始終。譬如讓Mia萌生明星夢的英格麗·褒曼，她在《卡薩布蘭卡》中的迷離眼神，和主題曲中的一句“But kiss is still a kiss in Casablanca”，早已成為電影史上的不朽經典。

可以想像，從小浸淫在好萊塢文化中長大的觀眾，在片中的一張海報、一個招牌，甚至一字一句里找出這些文化符號時會心一笑的愉悅，這種似曾相識燕歸來的心有靈犀，就好比我們在《西遊降魔篇》裡面聽到那句“一萬年太久，只爭朝夕”，會自然而然地想起十幾年前《大話西遊》中至尊寶的表白：“如果要給這份愛加一個期限，我希望是一萬年。”

電影中另一個著力渲染之處便是洛杉磯的風情，從格里菲斯公園俯瞰的萬家燈火，到與太平洋相接的碧海銀灘，再到略有起伏的公路、雕塑一般佇立的棕櫚樹、色彩斑斕的塗鴉等等，甚至連某些狹隘的小巷、外牆斑駁的舊房子，還有那個風格古怪的中國城，這一切在《City of Stars》的旋律中都毫不違和地融合在一起，恰如其分地詮釋了這座星光之城。

較之毀譽參半的主演Ryan Gosling和Emma Stone，《愛樂之城》裡面的洛杉磯，本身就是表演得最靈動的主角，為自己拍了一部引人入勝的旅遊宣傳片。

但是，對比筆者所接觸到的洛杉磯，片中的洛城又太不食人間煙火了。筆者曾開車前去男女主角太空漫步的格里菲斯天文台，那天晚上，整條山道上停滿了車，特斯拉線圈和傅科擺周圍人山人海;當我站在名店林立的'好萊塢大道旁抽煙，間或會有衣衫襤褸的黑人上前向你索要一根;聖莫妮卡海灘邊上的老舊的游樂場，裡面使用的游戲代幣上面都已長出了銅綠;城裡有數不清的藝術館，即便是毫不起眼的一間，也收藏了一屋子印象派名家的真品……

大概是限於影片的長度，導演Chazelle把絕大多數的鏡頭留給了別墅、泳池、派對，以及構圖精巧的風景，或許這樣的洛杉磯，正是他心目中“LA LA LAND”應有的樣子。

正如我們在片中看到一個經過修飾的洛杉磯，導演Chazelle似乎把大部分的心思花在如何用浮於表面的精緻包裝來喚起觀眾的情懷。相比起那些美輪美奐的小細節，《愛樂之城》在主線上卻有不少不如人意的地方。

導演宣稱以這部作品向上世紀前半葉盛行的歌舞片致敬，為此採用了古老的2.55:1比例銀幕，甚至鏡頭的色彩平衡也有意調得有些泛黃，以呈現一種久遠的年代感。遺憾的是，即便在後期製作盡可能還原成那個時代的樣子，兩位主演的平庸舞技依然難以讓當下的觀眾如臨其境地感受到歌舞片的魅力。

而談及夢想，《愛樂之城》也遠遠沒有導演Chazelle上一部作品《爆裂鼓手》那樣強悍的力度。男主角Sebastian言必稱要捍衛爵士樂的傳統，卻為了生計不得不加入了一個演奏電子音樂和流行音樂的樂隊，這樣的劇情已經有些勉為其難，而Mia由無人喝彩的小劇場獨角戲演員一躍成為國際影星更是足夠荒誕。難道只能說導演想要兼顧的情懷實在太多，可是限於影片的長度無法把男女主角的奮斗史講述清楚來解釋?

如果說，“夢想”在這部電影中不得不讓位於“愛情”這個主題的話，《愛樂之城》在講述愛情故事的技法上也乏善可陳。並非說這個故事不夠驚天動地，而是這段感情的開始和結束都顯得突兀。

當看到Mia在和時任男友的飯局上不辭而別，轉而向Sebastian投懷送抱的時候，我大感錯愕。而這對任性地在一起的戀人，在花了大半篇幅去做談情說愛的白日夢之後，中間僅僅隔著一個“五年後”的字幕，Mia便已嫁作他人婦。誠然，春花秋月何時了的美夢終歸要回到現實，但是這個轉折令人感覺就像一架飛機不斷地往前飛行，直到燃料耗盡不得不迫降。

在整部片臨近結尾時，這對戀人還一同坐在格里菲斯天文台旁邊深情地向對方表白“我一直都愛你”，一眨眼，陪在Mia身邊的男人已經不是Sebastian。盡管這一幕顯得很生硬，可是此刻整個放映廳的觀眾竟然出奇默契地同時發出了低沉的一聲嘆息，隱約還有稀疏的啜泣。

我想起從前看過那部叫《Once》的電影，同樣是文藝范的愛情片，同樣是兩個因為音樂而在一起的戀人，在錄完了他們自己寫的歌之後分道揚鑣，回到各自原來的生活里，那一刻我真的為他們沒有在一起而感到難過。

正如《山河故人》裡面所說的，“每個人都只能陪你走一段路，遲早是要離開的。”而每一次離別都讓人悲傷，可是此刻，我們並非全然感傷於Mia結婚了，新郎不是Sebastian，我們也顧不上去留意《愛樂之城》的情節上這樣那樣的硬傷了，只是不約而同地想起來某個曾經出現在自己的生命里，卻已不聯系的人，與其說《愛樂之城》成功地以情懷感動了觀眾，不如說觀眾被自己的故事感動了。

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