無聲電影的弁士做什麼

1. 電影《無聲》解析是什麼

電影《無聲》解析：

影片在開始部分融入了喜劇片元素，消解了犯罪片嚴肅的氛圍。這主要體現在主角身份反轉的設定上。電影一開始，由劉在明飾演的昌福與劉亞仁飾演的泰仁在賣雞蛋，觀眾誤以為二人是雞蛋售賣者；其後，極具喜感的穿衣、吊繩與鋪地場景，讓人聯想兩人可能是動物屠宰者。

當被懸吊的受害者出現時，會懷疑二人是犯罪者；但黑道室長一夥出現並掩埋屍體場景出現後，觀眾才終於確認角色的真實身份。在短時間內，人物身份多次反轉與錯認，形成良好的喜劇效果。

自被綁架的11歲女孩楚熙進入泰仁的生活後，影片便朝向觀眾熟悉的韓式溫情片發展。導演用較多的鏡頭展示了泰仁、泰仁妹妹與楚熙的日常生活，特別是二人情感關系的變化。整理房間、等待哥哥（泰仁）一起吃飯、洗衣、讓泰仁陪同去衛生間、照相等極為細節化的生活場景，是典型的溫情片敘事元素。

後段部分融入了黑色電影元素，使犯罪片明確的結局變得晦澀。黑色電影受存在主義哲學的影響，多以表現世界的荒誕、悲觀命運與絕望的人性為主題。室長殺人與被殺的命運突然轉變、昌福一貫的自信與手拿救贖金時慌亂的對比與突然死亡，凸顯了生命的無常與人生的荒誕；泰仁與楚熙情感關系的錯認，又指向人與人之間的溝通障礙。

《無聲》劇情簡介

泰仁（劉亞仁飾）和昶福（劉在明飾）以幫犯罪組織處理屍體謀生。一天，老主顧勇石找到二人，委託他們照看被誘拐的11歲孩子裴初喜。

第二天，就在泰仁和昶福准備將初喜送還給勇石時，出現在二人面前要處理的屍體竟然是勇石，二人被迫捲入了一場未曾預料到的事件中。

2. 首周就以44.6%市場佔有率成票房冠軍，韓國電影《無聲》到底講了什麼

韓國電影《無聲》由洪義正編劇並導演， 劉亞仁、劉在明、文勝雅、林姜成、李海雲、俞成柱、金子英等演員共同出演，是一部驚悚、犯罪類型影片。曾獲得第41屆韓國電影青龍獎最佳影片、 最佳男主角、最佳新人導演三項大獎提名。

是今年看過最獨特又新穎的韓影，喜能夠看到劉亞仁如此不同的一面，即使是胖胖的身軀，身上的孩子氣卻流露著迷離又易碎，結尾泰仁穿著他憧憬的西裝體面地送初熙回到了她生活的地方，初熙不再偽裝善意毫無留戀地甩開手走掉，最後泰仁顫抖著肉乎乎的肚子趔趔趄趄地奔跑，傷心地脫掉曾憧憬的外套不願讓自己被劃進壞人的界限，顯現出來的是如此悲傷。結局太妙了，意猶未盡，更亮眼的是飾初熙的童演文勝雅，純粹無畏又聰明，演技一點也不輸主角。

3. 劉亞仁電影無聲講的什麼

《無聲》是由洪義正執導和編劇，劉亞仁、劉在明等主演的犯罪驚悚片。

該片講述了兩名專門負責處理屍體的犯罪組織底層成員突然被下令照顧一個被誘拐的孩子而發生的故事

4. 求大神介紹一下默片（即無聲電影）的歷史。還有為什麼默片至今仍具有持久魅力

一、默片興起：

無聲電影（或稱默片），就是沒有任何配音、配樂或與畫面協調的聲音的電影。默片技術發明於1860年左近，但在1880至1900年期間，當單卷電影的製作已經變得容易時，默片仍然算是新奇的東西。

把電影影像與聲音配合的想法，幾乎是與電影本身俱生的；但由於技術上的困難，在1920年代末以前，大部份電影都是默片。可是默片的影像等同共通的語言；默片年代，亦被稱為「銀幕年代」。

二、默片大師：

巴斯特·基頓創作出來的喜劇電影其實更符合銀幕美學，他完全靠動作挑動觀眾神經，不願以凄婉的故事博得同情；他在銀幕上做觀察者，引領觀眾的目光，觀察、等待、思索，在動作中抓住身邊一切可利用的東西，抗擊對手，脫離險境。而他永遠平靜，無表情的臉，好似一張空白的銀幕，觀眾可以根據主角的境遇，將自己的希望與害怕敷上去。這個小人物不斷向我們宣示著最簡單，也最有力量的道理：不論自己被如何巨大的困境圍攏，人們總應找准方向，看過去，抓住跳躍的時機，將自己投向風暴中心，靠智慧勇猛地穿越過去，最終迎接風平浪靜的勝利時刻。

代表作：《將軍號》

三、默片的衰落

起始於上世紀20年代末的經濟大蕭條時期，當時正值有聲電影興起，無聲電影開始衰落。進入30年代，有聲電影黃金時代漸入佳境，並於二戰結束後的1946年達到最頂峰，從此，無聲電影只存在於人們的懷舊中。

四、恆久的魅力

卓別林的無聲電影雖然沒有對白，但是演員的肢體表演輔助每個情節發展時特有的一些字幕，形成流暢簡潔的無聲語言，一看就懂。他的影片的另一種重要的語言就是音樂，卓別林為自己的很多影片編制各種風格的音樂，音樂往往貫穿影片始終。而且，曲調、節奏、色彩與畫面反映的環境和情節、人物心理完美配合。卓別林的早期配樂節奏明快、逗趣，看似漫不經心的情節主題下卻搭建著復雜的結構。在他的早期電影中，可以看出他對於電影表現手法的不斷摸索。卓別林很早就注意到音樂在電影中的表現，並利用音樂來描繪場景，並進行時空的過渡。例如在影片《狗的生活》中，一環接一環，環環相扣，而且每個情節高潮的連接都產生了內在的關聯性，片中的每一個場景都有音樂的伴奏，不論是從兩名搶劫犯手中奪回錢包，還是眾人哄搶扭打成一團，甚至警察加入到混戰之中時的搞笑神態，以及流浪漢和歌女埃德娜、流浪狗「斯凱普」幸福生活在一起的輕快節奏，那種跳躍的音符穿插人物的表情，表現得淋漓盡致，而且都在風格迥異的同時銜接流暢的音樂旋律，串聯在一起，整體上一氣呵成。
在卓別林的每一部經典影片中，都會有一個主題旋律，要麼詼諧，要麼歡暢，要麼舒緩到悲傷或者是激情到悲壯，每一個場景每一段音樂每一個音符都如同釘子，把電影的主題緊緊地連接在一起。那些主題旋律常常在影片一開始就出現並貫穿始終，或結合許多散落在影片其他地方的不同音樂段落，或改變配器，生動表現出畫面中的人物肢體語言和情緒變化。如《發薪日》中的主題曲由兩組管樂輪奏，在逐漸變調上升的行進中匯聚到一起，呈現出工地里忙碌的節奏。忽然，曲風在飄忽委婉的弦樂中發生改變，手執鮮花扭捏躲閃的夏爾洛登場了——這是一個卑微但富有生氣的建築工人。旋律繼而在工頭由困惑不解變為嚴厲呼喝的神情中回到主題，為人們展現出夏爾洛和工人們如雜技般緊湊而有序的工作場景。漂亮女人的出現，使得兩段不同風格的音樂開始交替更迭，並通過建築工地中的道具，描繪了一段令人驚奇而又忍俊不禁的午餐休息時光。

聲明：以上資料大多來源於網路搜索

5. 弁士是什麼意思

1. 有口才的人培段，能說善辯的人，雄辯家。
2. 講演者。
3. 無聲電差中伍影的虛或解說員

6. 無聲電視是哪個年代的事啊 麻煩知道的人告訴我``謝謝！

無聲電影
出自Cinepedia
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無聲電影，亦稱「默片」，是對有聲電影發明之前所有電影的統稱。電影誕生之後，由於電影聲音技術的局限，早期電影是有影像而無對白和聲效的電影。為了解決這一局限，無聲電影多採用單畫面的字幕來表現重要對白和音效，故也稱「默片」。有些院線在電影放映時，會在現場由音樂家根據劇情發展進行即興伴奏。到了1920年代末，隨著有聲電影技術的發明，《唐磺》（1926）、《爵士歌王》等影片開始在部分地採用有聲技術，使當時的觀眾非常震撼，無聲影片註定要被有聲電影淘汰。

目錄 [隱藏]
1 歷史
2 間幕
3 現場音樂與聲音
4 演出技巧
5 播放速度

[編輯] 歷史
因為默片沒有與影像同步的聲音或說話，所以會加入所謂的「間幕」，以文字表示向戲院觀眾展示主要對話，甚至對電影內容的評價，或後來發展的暗示。所以間幕的寫手就成為了默片時代的電影界中非常重要的一種專業，很多時候都與劇本寫手的職位分開。間幕（那時候通常稱為字幕）自身很多時候都成為了一種視覺上的元素，有著對電影本身或電影里的行為的一種闡釋或簡介；甚至可以提高戲院內的氣氛。

按照當時的說法，第一部「百分之百」有聲電影是1929年上映的《紐約之光》（Bryan Foy導演）。此後，隨著有聲技術的進一步完善，影像、聲音結合技術的發展，電影徹底走上有聲電影的道路。

無聲電影時期，誕生了一大批電影藝術大師，梅里愛、格里菲斯、卓別林、愛森斯坦、勒內·克萊爾、茂瑙等，他們在電影創作實踐中已經積累和完善了一套成熟的影像蒙太奇藝術。有聲電影誕生初期，這些默片藝術大師對有聲電影的出現產生過強烈的貶斥和抵觸情緒。的確，早期有聲電影在技術和藝術上的幼稚，曾對默片蒙太奇藝術的精妙產生過不良作用，但隨著它在技術和藝術上不斷發展、成熟，以不可阻擋的勢頭成為電影發展的方向，許多默片大師也開始嘗試有聲電影的創作。

[編輯] 間幕
播放默片幾乎時時都需要現場的音樂，1895年12月28日，在盧米埃爾電影於巴黎的首映中，有了第一位現場鋼琴師。一開始，人們一直認為音樂不可或缺，對氣氛或培養觀眾情緒都是非常重要的；很多小鎮或住宅區的戲院都有琴師。在1910年代開始，很多大城市開始有管樂師，或整隊管弦樂團。大量的戲劇管樂和調音器，都能夠有效刺激觀眾的情緒。

給默片的樂譜多是即興創作的。可是當播放正片變得非常普遍時，由琴師、管弦樂師、指揮和戲院本身演奏的默片音樂，便匯集起來。1915年，格里菲斯的劃時代大製作《一個國家的誕生》內，幾乎所有的樂曲都是由J.C.比爾撰寫的；由那時候開始，原創、專為該電影而寫的樂譜就愈來愈普遍了。

在默片的高峰時期，電影製作是僱傭最多樂師的行業（最少在美國如是）。而有聲電影的出現，加上當時正值大衰退時期，他們的生計旦老受到非常嚴重的破壞。

很多國家的電影業界都嘗試用其他方法把聲音帶入電影。在 巴西，早期的電影配有清唱表演、小型歌劇，或有歌手在後台配合唇形唱歌。在 日本，電影除了有現場音效，還有辯士（弁士），為電影作出現場的配音和評論。弁士成為了日本電影的重要元素，他們也為外國電影（大部份是美國電影）提供翻譯。他們的受歡迎，是其中一個默片在1930年代仍在日本大行其道的原因。像卡爾戴維斯這一類的作曲家，就是專門為默片製作管弦配樂的。

[編輯] 現場音樂與聲音
默片非常依賴大量的身體動作和面部表情，好讓觀眾知道和了解角色的內心思想。現今大部份的觀眾，或許會認為默片中對身體語言的倚重是膚淺和裝模作樣。正因如此，現在默片中的喜劇通常比戲劇受歡迎，因為過態的演出在喜劇中比較自然。可是，有些默片是演得頗為含蓄的，這取決於導演的取向和演員的演技。默片中的過態演出通常都是演員在舞台表演中培養襲殲出來的習慣，很多知道新媒體的取向的導演都不鼓勵這種演法。

[編輯] 演出技巧
直至1925年，大部份默片的播放速度都比有聲電影緩慢，因應年份和影院的不同，每秒約有16至23格，而非24格。除非很小心地把他們的原本速度播出來，他們的動作可能變得不正常地快或奇怪，致令很多現今的觀眾都覺得默片的可觀程度甚低。同時，有些畫面在拍攝的時候特意用上了低速攝影，好使動作加快，這種技模禪升術在較低俗的鬧劇中尤其普遍。很多時候，整套電影的每秒格數都不一樣，而且都是人手拍攝，在同一出電影內很可能有多種速度。這種問題令許多學者和影迷相當煩惱，尤其是今日許多「數碼重組」的DVD推出，默片的播放就更麻煩。2002年版弗里茲·朗《大都會》數碼重組版，就引來很多的爭議。

播片員很多時候都把默片放得比它們的拍攝速度稍快一點。很多電影都以一秒18格或更高的速度播放，有些更快得像有聲電影一般（一秒24格）。就算拍攝速度是一秒16格（常稱"無聲速度"），把35毫米的硝酸底片電影以這樣的慢速播放，就會有相當大的機會引起火警。播片員通常會接到片商的速度指示，例如某幾卷或鏡頭的播放速度，以配合音樂總監的配樂。有時電影院更會因應電影的受歡迎程度或每時的時段調整速度，好獲得最大的利潤。

[編輯] 播放速度
在有聲電影出現以前，曾經有過數以千計的默片，但歷史學家估計當中的八、九成已經永遠遺失。在二十世紀早期的電影通常使用非常容易起火的硝酸底片拍攝，這種底片需要小心的保存，好使它們能夠避免損壞。很多時候，當片子已經上過畫，很多人都會認為它們已經毫無商業價值，就會草草收存，甚至完全不存。數十年後這些底片已經被壓碎成為灰塵。有些會循環再用，但大部份都在戲院火警或騰出空間時銷毀了。所以，默片的保存一直是歷史學家的優先處理事項。

7. 台灣電影《無聲》聾啞學校里的罪與惡。受害者慢慢也變成了施害者

電影簡介:失聰少年張誠准備轉到啟聰學校就讀。聾人的世界，卻不比聽人的世界寧靜。當他發現校車最後一排的「 游戲 」，融入新生活的欣喜之情，瞬間成為恐懼。眼見心儀的女孩貝貝在 游戲 中遍體鱗傷、學長小光氣勢狂妄不可質疑，一群同學們又天真無害，張誠忖度著是否該揭開 游戲 的殘忍真相，或加入 游戲 的行列？當加害者與受害者的界線越趨模糊，盤根錯節的苦痛、無可傾訴的怨懟，種種困惑與不安在無聲的校園蔓延。新銳導演柯貞年的首部長片大膽將真實事件搬上銀幕，在直面殘酷的同時，不失溫柔的眼光。犀利刻畫人物之間復雜與糾結的 情感 ，呈現聲嘶力竭卻仍仿若無聲的殘忍。貝貝一句「他們只是在玩」輕描淡寫，卻驚悚、沉痛，更是真實無比的哀嘆。

看簡介會以為是校園霸凌，看了之後才發現比霸凌更可怕。最殘忍的是這部電影是根據現實事件改編，每一個有過相同遭遇的孩子某種程度上都是一個「無聲」的個體：因為小、不懂、害怕等等原因而講不出來。所以這部片子替他們發了聲，讓 社會 都注意到這類惡性事件、提高對青少年的身心保護。

原事件：2011年，被人本教育基金會揭發集體性侵及性騷擾案件。學校在短短8年內，發生164件師生集體性侵害與性騷擾事件，被害人多達92人，年紀最小者僅小學2年級，案發地點包括教室、宿舍、圖書館、老師家、同學家及校車。

當年發生這個事件的學校的相關職員，包括校長，教育部的人都沒有受到處罰！！！僅僅只是降職這些無關痛癢的處罰。對比受到傷害的孩子真是可悲。

這部片子真的很好。除了題材之外，片子本身的攝影、剪輯、敘事也是很有質量的，幾位演員的演技也很到位。特別是那些小演員們，這么小就要去揣摩和演繹如此復雜的人物心理，看得出從台前到幕後的所有工作人員都很用心。

每個孩子都是受害者 ，元兇是權利，幫凶是那些向權力屈服的旁觀者 看完電影 元兇 固然可惡至極 ，但是 旁觀者的沉默 更加的讓人感到 害怕 無助 無奈，在這電影也看到世界的不公平 但願世上能多一份善良、少一份「悲劇」吧

看完整部電影才察覺，故事的敘事背景居然在夏天。電影結尾的蟬鳴聽得我遍體生寒。心情無比的沉重。

8. 如何評價柯貞年導演的電影《無聲》

《無聲》這部電影的整個基調給人的感覺是悲傷、無能為力、痛苦無助的感覺，雖然在影片中好像所有的問題都已經有了一個看似公平的結果。但影片最後的神轉折，最後那個小男孩的眼神以及行為給影片留下了很大的留白。生活還在繼續，但是之前所遭受的苦難與悲傷卻依然在黑暗中滋生。

影片中最觸動人的是貝貝說的那句話，「你和他們一起欺負我就好啦」。為什麼受害者不肯說出來，任由欺負，甚至還為施暴者袒護。依賴學校，怕自己一無是處，怕被孤立，怕被嘲笑，她甚至自己去做手術以防止懷孕。

從起初向教師告狀的反抗到最後的任由欺負，是校長和老師的默聲，是同學的無視，是家長害怕的聲譽被毀。受害者不僅沒有得到保護，反而還要遭受被強暴名聲的二次傷害。

(8)無聲電影的弁士做什麼擴展閱讀：

劇情簡介

泰仁（劉亞仁飾）和昶福（劉在明飾）以幫犯罪組織處理屍體謀生。一天，老主顧勇石找到二人，委託他們照看被誘拐的11歲孩子裴初喜。第二天，就在泰仁和昶福准備將初喜送還給勇石時，出現在二人面前要處理的屍體竟然是勇石，二人被迫捲入了一場未曾預料到的事件中 。

《無聲》是由洪義正執導和編劇，劉亞仁、劉在明等主演的犯罪驚悚片。該片講述了兩名專門負責處理屍體的犯罪組織底層成員突然被下令照顧一個被誘拐的孩子而發生的故事。

該片於2020年10月15日在韓國上映 。

劉亞仁憑借該片獲得第41屆韓國青龍電影獎最佳男主角獎。

9. 關於無聲電影的知識

1927年，美國著名的華納製片公司推出了電影史上第一部有聲片，給世界電影帶來了一場翻天覆地的革命。這之前，電影（1895年12月28日為世界電影發明日）全是無聲電影，電影史上稱這個時期為「默片時代」。

無聲電影的主要成就表現在喜劇片、西部片和歷史片3個方面。喜劇片的佳作首推卓別林的《尋子遇仙記》(1921)、《淘金記》(1925)和《馬戲團》(1928)，基登的《航海者》(1924)和《將軍》(1926)，H.勞埃德的《大學新生》(1925)；西部片主要有《篷車》(1923)、《鐵騎》(1924)和《小馬快郵》(1925)等；歷史片有C.B.地密爾的《十誡》(1923)和《萬悔賣王之王》(1927)，格里菲斯的《暴風雨中的孤兒們》(1922)，R.英格蘭姆的《啟示錄四騎士》(1921)等。

第一次世界大戰後，不少歐洲導演陸續來到好萊塢，他們和美國導演一道，拍攝出無聲電影的最後一批重要影片，如F.鮑沙其的《七重天》(1927)、C.勃朗的《肉與魔》(1927)、H.金的《史泰拉恨史》(1925)和K.維多的《大檢閱》(1925)等。R.J.弗拉哈迪的《北方的納努克》(1922)則為紀錄電影奠定了基礎。

而中國電影默片的黃金時代如果從1913年的《難兄難弟》開始算起，到1934年的《神女》、《上海24小時》等為止，幾乎延續了整整20餘年。

但是，應該說，電影從來都不是無聲的。因為在聲音進入電影之前，人們藉助樂師給電影配樂；在日本，甚至有專門的說唱演員，當影片放映時，他們以說唱形式講解影片的內容。所配樂曲一般是由樂師根據銀幕展示的劇情即興演奏；但有些影片，例如1908年的法國影片《吉斯公爵被刺》，則由著名的作曲家聖-桑專晌前鍵門為它作曲。放映時，樂師根據作曲家提供的總譜演奏。不用說，演奏宴巧的規模視條件而定：大多數是由一位樂師獨奏（鋼琴或小提琴），有時由幾位樂師合奏，偶爾則出動交響樂隊。

到3O年代，聲音已成為電影藝術中不可缺少的元素。在默片時代已經出現的類型片，由於聲音的出現而更趨成熟，更多樣化；至於音樂喜劇片、警匪片，如果沒有聲音就無法出現和發展。聲音也為電影表現提供了更具寫實效果的條件。

10. 無聲電影的現場音樂

播放默片幾乎時時都需要現場的音樂，1895年12月28日，在盧米埃爾電影於巴黎的首映中，有了第一位現場鋼琴師。一開始，人們一直認為音樂不可或缺，對氣氛或培養觀眾情緒都是非常重要的；很多小鎮或住宅區的戲院都有琴師。在1910年代開始，很多大城市開始有管樂師，或整隊管弦樂團。大量的戲劇管樂和調音器，都能夠有效刺激觀眾的情緒。
給默片的樂譜多是即興創作的。可是當播放正片變得非常普遍時，由琴師﹑管弦樂師﹑指揮和戲院本身演奏的默片音樂，便匯集起來。1915年，格里菲斯的劃時代大製作《一個國家的誕生》時，幾乎所有的樂曲都是由J.C.比爾撰寫的；由那時候開始，原創﹑專為該電影而寫的樂譜就愈來愈普遍了。
在默片的高峰時期，電影製作是僱傭最多樂師的行業（至少在美國如此）。而有聲電影的出現，加上當時正值大衰退時期，他們的生計受到非常嚴重的破壞。
很多國家的電影業界都嘗試用其他方法把聲音帶入電影。在巴西，早期的電影配有清唱表演﹑小型歌劇，或有歌手在後台配合唇形唱歌。在日本，電影除了有現場音效，還有辯士（弁士），為電影作出現場的配音和評論。弁士成為了日本電影的重要元素，他們也為外國電影（大部份是美國電影）提供翻譯。他們的受歡迎，是其中一個默片在1930年代仍在日本大行其道的原因。像卡爾戴維斯這一類的作曲家，就是專門為默片製作管弦配樂的。