导演他来真的这句台词的电影

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『贰』 这不是欺负老实人吗是哪部电影的台词

这句台词出自《让子弹飞》。

是（陈坤饰演的）胡万在陷害（房祖名饰演的）六子时说的一句话。

《让子弹飞》是由姜文执导，姜文、周润发、葛优、刘嘉玲、陈坤、周韵、廖凡、姜武等主演的剧情片，于2010年12月16日在中国大陆上映。

该片讲述了悍匪张牧之摇身一变化名清官“马邦德”上任鹅城县长，并与镇守鹅城的恶霸黄四郎展开一场激烈争斗的故事。

该片借古讽今，从细节和对白中能解读出许多象征和隐喻。该片娱乐性丰富，情节利落紧凑，有几幕更看得观众血脉沸腾。角色的设计和互动尤其过瘾。

看着三个坏人对垒，有如在阅读一套计谋典籍。尤其是台词 “让子弹多飞一会”，跟“放长线钓大鱼”有着异曲同工之妙。

(2)导演他来真的这句台词的电影扩展阅读：

《让子弹飞》的导演是姜文。

姜文，1963年1月5日出生于河北省唐山市，中国大陆演员、导演、编剧。

1984年毕业于中央戏剧学院，24岁即凭借在《芙蓉镇》中的表演获得了1987年大众电影百花奖最佳男演员，之后的一系列作品也都产生了较大的反响。

作为导演的姜文亦获得较多肯定，他擅长在电影中加入特有的幽默风格，并以此反映某些时代现实。

自编自导的处女作《阳光灿烂的日子》被《时代周刊》评为“九五年度全世界十大最佳电影”之首；抗战题材影片《鬼子来了》在2000年第53届戛纳国际电影节上荣获了评审团大奖.

2010年末上映的贺岁电影《让子弹飞》刷新了国产电影的多项票房纪录，并斩获国内大小奖项二十余个。2018年7月13日，自导自演的电影《邪不压正》公映。

2017年，主演电视剧《曹操》 ；6月，美国电影艺术与科学学院正式宣布姜文成为“2017年奥斯卡”新成。2018年3月，出任第21届上海国际电影节金爵奖评委会主竞赛单元主席.

参考资料：网络-让子弹飞；网络-姜文

『叁』 《战狼2》爆红后，李连杰警告吴京：从此夹着尾巴做人，发生了什么事情呢

吴京也是一位武打明星，他之前演绎了很多功夫影片，和甄子丹合作的电影，给人的感觉，热血膨胀。他也打算自己拍摄电影，其中就有功夫电影。

吴京用实力证明了，自己不仅仅是王者，还是钻石王者。李连杰知道吴京的实力，他劝他不要那么高调，因为这样会被误认为凡尔赛。

越是低调，成绩越大的时候，大家才会说你是大气有内涵。大家觉得吴京现在的状态，算是低调的炫耀吗？

『肆』 real是一部什么样的电影

版权归作者所有，任何形式转载请联系作者。
作者：祭神如神在（来自豆瓣）
来源：https://movie.douban.com/review/8730698/

人都喜欢求个答案，看完一部不太好懂的作品，我们常常会带着懵逼脸扪心自问，编剧和导演为什么拍这部电影？他们想表达什么？这篇文章就是我对“《Real》这部电影想表达什么”的主观理解。

一、张泰英们的设定意义

《Real》有两个主角（三个人格），都叫张泰英，都长一个样。

一个是人格分裂泰英，记者主人格不堪痛苦而分裂出较强的boss人格进行自我保护，这是观众相对熟悉的题材，毕竟欧美已经拍出了不少经典的人格分裂电影。但这对人格分裂比较特别在于，这俩人没有任何交流，别的人格/精神分裂电影里，人格之间有聊天的有吵架的，有斗争的有合作的，而张泰英，则是一夜之间从一个人突变成了另一个，名字、年龄等基本信息认同都一样，性格、记忆、身体机能全改了，原来那个张泰英深潜在意识深处，一门心思当自己不存在。
记者泰英
boss泰英

另一个更加奇特，痛苦的记者人格想自杀解脱，但出于伦理又不能杀掉身体中的boss人格，依据医生的忽悠，记者泰英将自己的人格记忆托付在了一个植物人身体躯壳中，然后再杀了植物人作为“自杀”实现解脱。毕竟，每个自杀的人都是用伤害身体的方式实现物理死亡，如何让记者泰英在保全身体的情况下实现单纯的意识死亡呢？医生的这个替身方案是让记者泰英能够以“一具身体一个人格”的方式有实感地确认自己的死亡，从而在心理层面离开张泰英的身体。但在记者英掐死植物人这场“自杀仪式”执行的瞬间，因为植物人的求生意志，置于死地而后生，诞生了一个新的张泰英。这个从头到脚被撞废的植物人重生以后整容成了张泰英的样子，基于面部恢复期的扮相，我们叫他面膜英。

为什么这样设定故事的两（三）个主角呢？

这两（三）个“张泰英”的设定从不同角度涉及了一个自我认同的问题。人如何确认一个统一的、持续的、独一无二的“自我”？对于正常人来说，当我们谈及“我”的时候，这个“我”的概念包含了我的身体和意识，也包含了我过去的记忆和未来的预期，它们是统一在一起的。

但是对张泰英们而言，身体和意识都是相对分离的，身体好像个花盆，这边是一棵树分岔成了两棵，挤在一个盆里，那边是拔掉了原本的死树重新栽种了一棵，奇葩的是，第二个盆里新栽的树还是第一个盆里快要被挤死的那棵树撒的种。Real把这三棵长得一模一样的树摆在观众面前，提出了一个问题：如果三棵树只能活一棵，哪棵树有资格留下？

当然，这只是个比喻，树不会争真假死活，但是人不一样，人类对于“我是谁”这个问题有着很强的执着，“我”的概念是不可替代的、独特的身份，就算是长得一模一样的双胞胎，也对谁是谁有着清晰的界定，绝不会混乱。
两个泰英

现在，如果记者/Boss英和面膜英这“两人三格”就站在你我面前，他们都主张“我才是真的”，在回答谁才是真正的张泰英之前，我们需要考虑两个问题：

第一个问题是，怎么定义“我”，怎么确认昨天和今天和明天的张泰英是同一个人？这是记者/boss泰英指向的主要问题。

肉体可以用来标定自我的同一吗？好像不能，人格分裂的案例太多了。在前女友死亡那天之前与之后，“张泰英”这个身体里承载的确实是完全是两个不同的人，相反的性格、全新的人生记忆。用记忆和意识作为标准呢？似乎也不那么可靠，人的记忆很容易被改变，意识也经常出现错乱，Real里使用的毒品致幻和催眠洗脑设定，分分钟人造一个“自我”出来。

认识到这些，对于“我是谁”这个问题就很难轻易回答了。

Boss英一直没有怀疑过“我是谁”这个问题，直到面膜英在厕所里怼着他的脸告诉他：你其实只有三岁。对于boss英来说，“我”到底是谁呢？是“真”的张泰英吗？
说别人三岁的面膜英自己其实才半岁

第二个问题是，怎么定义“真”，谁有权力判断真假？这是面膜泰英指向的主要问题。

每个人都是根据自己的经验和信念去判断真假的，所以说，真的存在一种客观意义上的“真”吗？如果自己和他人在孰真孰假这件事上出现了分歧，谁又有资格宣称自己说的就是“真”的呢？即便全世界只有我一个人相信自己是“真”的，错的就一定是我吗？看看《飞越疯人院》，或许自己才是唯一应该相信的人呢？

本片的名字就叫真实，关于这个颇为哲学的话题，《Real》，以及其他一些主题相关的电影，是怎么讨论“自我的真实性”这个复杂又让人欲罢不能的问题的呢。

二、自我的真实性？

对人格分裂泰英来说，我们还可以稍有信心地说，当最后boss英终于回忆起和正视了自己作为记者英对痛苦的逃避，或者说记者英终于融合了boss英的勇气去面对痛苦、不再深潜在意识里的时候，这是完整的、真正的张泰英。我们用完整的自我意识作为判断真实自我的标准。

而对于面膜英来说，事情就有点复杂了，他并非出于利益想要夺取“张泰英”的身份，而是在自我意识上就认定自己是真的“张泰英”——无论那个意识是原生的还是被植入的。但是，除了自己花钱雇佣的律师和女演员，其他人都说他是“假的”，面膜英自己认为的自己和其他人认为的自己是不一致的。

金秀贤在《Real》的相关访谈里说，如果有一天突然所有人都用另一个名字称呼你，那么你就变成了另一个人。啊……是这样吗？“我是谁”难道不由自己的意识决定，是由外界定义的吗？如果自我意识和外界认定出现了冲突，应该以谁的认定为“真”？这个问题听起来很晕，但在很多科幻电影中都有过很生动的讨论。

在科幻片《移魂都市》里，一群外星人抓了一群地球人做实验，每天零点，这座城市的时间都会静止，所有人陷入沉睡，外星人穿梭其中，把人们拖到全新的场景，布置完毕后，对着脑壳注入一针新记忆。时间恢复，人们醒来，按照自己的新身份行事，整座城市都按照剧本运行，每个人却并非在演戏，因为他们深信于自己的角色记忆。直到男主这样对“我究竟是谁”提出质疑的人出现。
《移魂都市》（1998年）

《移魂都市》里外星人做实验的动机在于研究人类个体的独特性，作为共享集体意识的物种，他们想知道，如果人的记忆和处境被随意更换，这个人是会完全跟着新的人设走，还是会保有不变的“自我”？电影的结局里，男主找到了已经被注入了新记忆的女主，重新与她结识，男主自己本来是谁，也终究没有答案。那么，在人造记忆下生活的人对自我的认定算是真的还是假的呢？虽然背景不同，面膜英的设定中的核心冲突却是与之相通的，他是不是一个独特的、不可替代的自我，是他选择坚持还是放弃的根本依据。

在《Real》里，boss英的赌场被另一个黑帮老大曹源根觊觎，两位老大有一段对话。Boss英让曹源根麻溜儿地从自己的赌场滚开，他说，这赌场连名字siesta也是我起的。曹源根说，和名字有什么关系，不管谁起的，我买下了，就是我的。

身份、人格和记忆是不是也可以呢，无论谁的名字，谁的人生，我放在意识里产生了相信和认同，算不算作是真的“自我”？意识是不是像一套数据一样，输入任何一具肉体机器里都可以运行？如果是这样，人类和人工智能有什么区别？独一无二的“真实”是否存在？我到底算个什么东西？

对于Boss英来说，真是面临着“内忧外患”，赌场有人抢，身份也有有人抢；而对面膜英来说，争夺背后却是另一种悲哀，他的悲哀与科幻电影中探讨的克隆人的悲哀，或是人工智能觉醒后的悲哀是相通的。就像电影《月球》中的主人公发现自己是一个克隆人，一样的记忆，一样的自我意识，活生生的人，却永远成不了“真”的那一个。
《月球》（2009年）
《月球》（2009年）

站在上帝视角，我们知道面膜英是用绷带人的躯体和记者英的人格在毒品和催眠作用下“制造”出来的，但是，如果站在面膜英的立场，他的记忆和意识是否是被植入的，他的身体是否只是一具载体，他是否是真的，这些问题怎么可能被他考虑呢？面膜英是一个在身心死而复生的痛苦和迷茫里长出的一个固执到变态的自我，他不得不那么固执，因为正是这个固执让他抓住了重生的绳索，成为“张泰英”是他活下去的唯一选择。当他在厕所爆着青筋对意识不清的boss硬吼出“全部都是我的！我才是真的。”的时候，他是认真的，他没有怀疑过自己。

然而，所有人都对他说，你不是真的。

电影《异次元骇客》给出了另一种结局，男主角最终发现自己不过是一个模拟世界中的数据而已，但是真实世界中的女主爱上了这具人造的灵魂，最终男主替代了自己赖以建模的人类原型，来到了现实世界与女主终成眷属。

如果类比到《Real》里，这应该是面膜英期待的结局吧，《异次元骇客》中的男主面对女主的表白沮丧地说，但我甚至不是真的，女主表示对我而言你就是真的。面膜英也有类似的台词：我是明知道你是谁还爱着你的人，对你而言，我才是真的。
《异次元骇客》（1999年）

爱情中的双方对彼此的依恋是排他性的一对一关系，所以，爱人的认定是对一个个体的独特存在最强有力的证明。互换身份后在车里以面膜英本人的身份与宋宥华的那一吻，大概是面膜英重生后的人生巅峰了——虽然，这一吻结束后，面膜英就开始逐渐滑向自我幻灭的深渊。

面膜英的自我意识终究还是崩塌了。如果曹源根认错人的那一枪真的消灭了boss英，如果面膜英成为唯一的“张泰英”，如果医生没有告诉他自己重生的真相，如果本来就开始向他倾心的宋宥华没有死，如果这个“午觉”不需要醒来，是不是面膜英就能带着作为张泰英的自我意识过完一生？
图来自微博@SHYUNKSY

三、自我实现：What a man can be, he must be.

电影虽然以boss硬开场，但是全片对面膜英的刻画是最完整的，从死亡到重生，从夺取再到幻灭。相较而言，人格分裂泰英的分量和刻画相对逊色，其他几个配角更不用说。但是，虽然电影成品有着剪辑比重分配下的遗憾，Real中却也给出了足够多的细节线索给感兴趣的观众拼出其他角色的完整肖像。

想要理解boss英，需要先从主人格记者英开始，记者英是个独立撰稿人，看起来文文弱弱，留着很挫的发型、戴着眼镜、穿着oversize的黑色大毛衣，却能够和做过刑警的搭档卢炎一起深入虎穴，进行危险的调查取材并撰稿披露。记者英在网络上的ID叫菲利普·马洛，是钱德勒笔下的著名的硬汉侦探形象，成为像马洛那样的人是记者英的理想。

“如果我不强硬，我就没法活。如果我不文雅，我也不配活。”（字幕组把前一句翻译成“不粗暴，就无法去爱”应该是有误的，感谢真谛欧尼的确认。）

这句马洛在《重播》中的经典台词，被记者英写在了主页的头像和ID下面，而且作为记者英的台词又念了一遍，这是他理想的生活理念。而仔细想来，这句台词似乎别有所指。

记者英不够强硬，面对女友因自己的调查而被连累致毒品中毒和被强奸，他是真的没法活着面对这一切了，才导致了boss英人格的诞生，这前一句，说的是记者；同时，分裂人格boss英虽然足够强硬和主见，但是却远非文雅，boss英的人物形象就是精力旺盛、思维简单，永远嚼着口香糖一副老子天下第一的表情，遇到问题就喊着“西八”用暴力解决，这后一句，扎的是boss英。

所以，记者英主人格其实在影片开始不久就表态了：本弱鸡泰英确实是不想活了，但我生出来的这个粗暴泰英也并非我愿。

boss英的人物形象是略显单薄的，他是记者英为了逃避自我而产生的保护人格，是记者英身上不存在的那一部分性格的极端展现，他必须有刀枪不入甚至油盐不进的性格，粗暴强硬同时有点儿“胸大无脑”，只有这样才能从记者英那般痛苦的记忆里活下去，并带着坚定的意志寻找带纹身的仇家。而记者英想要成为的像菲利普·马洛那样强硬又文雅的人，是那个在经历了种种困惑和痛苦，两个人格终于合体后的张泰英，也就是当初的概念海报里拿着叫花鸡逆光站在隧道里的帅比。
隧道场景正脸：合体泰英的神情与记者和boss都不同

如果更多地了解马洛，对于记者英和卢炎的搭档故事就会有更好的理解。同样是侦探，马洛与我们熟知的福尔摩斯境遇大不相同，马洛是个因为忤逆检察官而被开除的前调查员（Real中卢炎是个前刑警，为什么是“前”，似乎已经脑补了一个衍生故事），他的侦查行动不但不受警察欢迎，甚至受到迫害，除了查案，马洛要花很多精力与警察周旋。

还记得通过面膜英以玩笑口吻道出的记者英与卢炎搭档查案的故事吗？他们用劫持警方无线电抢先到达现场的方式进行工作，被抓了就脱下裤子露出提前穿好的纸尿裤，靠装疯卖傻逃脱。这和马洛的处境很是相符，难怪记者英会以他为偶像了。

在记者英为数不多的镜头中，我们看到了一个在靠近理想人格的道路上不断逼迫和挑战自己直至崩溃和分裂的形象，即便是一副挫兮兮的扮相，对着镜头以身试毒并探索解毒办法的记者，莫名地也有一丝帅气。他戴着圆框眼镜穿着大毛衣哆哆嗦嗦地在冰水里说，“我会……战胜自己……”，直到boss英脸上流着血从同一个浴缸的冰水里，挣扎着从前女友死去的那段记忆中起身，他（们）才真正战胜了自己。
记者英以身试毒的siesta研究影像
记者英以身试毒的siesta研究影像
通过记者英留下的siesta样品和影像信息找回记忆的boss英

What a man can be, he must be. 片头这句马斯洛的话意思是说，人一定会去实现他所能成为的自我，在马斯洛需求层次理论中，自我实现是一个人最高层次的需求。电影中的记者英和面膜英都在自我实现的路上陷入了自我认同危机，彼此之间进行的对“张泰英”这个ID的竞争实际上是他们内心对自己到底是谁、可以成为谁的疑问和挣扎。结局是，面膜英失去了自我，记者/boss英实现了自我，一个消失在末路，一个重新站立在堆满虚假意识废墟的平静水面。
图来自微博@SHYUNKSY

四、其他配角的“真实”

Real的几位配角戏份都不多，但除了推动剧情的辅助人物曹源根，医生、宋宥华、韩艺媛也都经历了与主角类似的关于自我的迷茫，只是在电影里没有办法一一表现。虽然如此，关于配角们的拼图游戏也十分有趣。

医生是影片中隐藏的大boss，研制出siesta并在各种人身上做实验，在片中完全是上帝视角，知道的可能比观众都多。医生喜欢两件事：实验、赌博。他不停地把siesta注入各种人的体内，看着人们是挣扎着死去还是畸形地活着，通过siesta，他建立了一座意识的“海底角斗场”，把一个个实验对象扔进满是鲨鱼的角斗场，然后津津有味地观察他们溺毙的姿势。不玩儿人的时候，他就去赌场废寝忘食地赌博。
象征植物人意识被siesta杀死的场景；siesta赌场装置也同理。

在揭露身份后，医生说，siesta会让人找到自己的真实，要么死，要么逼出真正的自我。而作为从siesta这条鲨鱼的嘴下活下来的仅有的三人之一，他的自我遭受过怎样的煎熬？他如何成功保护了“自我”？又落下了什么病根儿？我们只能猜测了。

或许，他之所以享受着置人于绝境的实验游戏，享受着大额赌博中的不确定性带来的刺激，正是他对自我不确定性的投射，像《移魂都市》里行将灭亡的外星人摆弄地球人一样，通过制造和观看别人的挣扎和选择来让自己感受到存在吧。
《移魂都市》中与外星人合作、改造他人记忆的医生
《Real》中的医生大boss

每一个处于自我认同危机的人都是痛苦的，所以，为了逃避这种痛苦，每个人都拼命寻找解药。两个戏份很少的女性角色也同样如此。

面膜英是怎样说宋宥华的？她为什么会爱上一个只有三岁的精神分裂人格？因为都是为了从毒品中解脱而产生的保护人格，面膜说，你可别这样，你要战胜自己，就像我一样。

虽然电影没有给出更多关于宋宥华的背景故事，但有一点是确定的，她是一个沉浸在痛苦中的人。在身体上，她有严重的镇痛剂依赖；在精神上，她总是被痛苦的男人吸引，她对病人的母爱或许正是她为了远离痛苦而产生的自我保护，她无法解决自己的痛苦，她要用对病人的爱来为自己镇痛。而宋宥华的结局是，作为一个对镇痛剂毒品上瘾的病人，死于最令人痛苦的毒品siesta，作为一个沉醉于缓解痛苦的护士，死在了身心俱毁的面膜英怀里。在与痛苦的持续纠缠里，宋宥华救不了别人，也救不了自己。

另一位女性角色也够惨痛，种种真与假的错综当中，戏份最少的韩艺媛却是最有演员自觉的角色，她被面膜泰英雇佣模仿和扮演宋宥华，在真假泰英互换以后，她的表演合同本质上已经结束了。面对身边意识不清念叨着“宥华”的boss泰英，她有点苦地笑了笑，说了她唯一一句作为韩艺媛本人而不是演员韩艺媛的台词：

下一个party在哪里？

身边的人恍惚地重复着，party……韩艺媛作为面膜英雇佣的演员，她的生活就是作为“宋宥华的扮演者”跟随着“张泰英的扮演者”出席一个个party社交场合，这个在面膜英的指令面前瑟瑟发抖的女人，根本不被允许拥有真实的自我。

没有下一个party了，韩艺媛xi，你终于可以休息了。她认出了身边这个男人，趁着他意识模糊的时候，作为真正的韩艺媛主动亲吻了这个真正的张泰英，尝到了一口真实的味道，接着，便迎来了死亡。

五、没有答案

这部电影在韩国受到了猛烈批评，一个重要原因是难懂，确实，电影本身的时间线剪辑比较跳跃，一些包含了重要关联信息的镜头一闪而过，部分人物的分量占比太少使得刻画不够深入。不过，《Real》从剧本风格到镜头语言都不是一部处在韩国普通观众欣赏舒适区的电影，导演的拍摄和剪辑当然有太多可改善的空间，但在整体调性上，他是故意往“不好懂”的方向去做的，他选择让观众直接用张泰英们的视角去看他们意识里那些破碎、诡异但是绚丽的世界。

黑帮、毒品、动作、阴谋……这些看似传统的商业元素外壳下，《Real》是一部探索意识领域的电影，布景的装置和照明设计充斥着大量非现实元素，很多的镜头都是以片中角色的主观视角去表现的，而主角们一个两个都服用过致幻毒品，多少是有点精神问题的，如果没有理解每个角色的情绪和动机，就很容易发懵。这样一部主题艰深的电影，既要消化商业元素和投资期望，又要把握艺术表现的尺度平衡，确实让人头疼，为了帮助观众理解，电影特意分出了三个章节，诞生、对决和真实，替观众整理出剧情发展的主要脉络。

但是，脉络归脉络，其中的无数细节还是像魔方一样，等着观众自己去拧，本篇也只是我自己的主观评论，是属于我自己配色版本的魔方。当最终章“真实”结束的时候，每个人的答案却未必相同，毕竟，关于什么是真实的自我，作为人类而非上帝，我们其实永远无法知道。

同样，《Real》这部电影也只是一次关于“真实”的提问和探讨，没有答案，答案……在你的选择。
来自：主观影评

『伍』 《你好，李焕英》台词上热搜，这部电影的台词还有哪些是很经典的

我们都知道，《你好，李焕英》这部电影是春节档的非常受欢迎的一部电影，这部电影的票房已经破了40多亿，可以说是非常的高的。《你好，李焕英》这部电影和平时的春节档的电影不同，这部电影非常的感人，所有的人去电影院看了之后感触都非常的大。

一、贾玲的母亲说她希望她的孩子健健康康就好。

这部电影里面的台词经常上热搜，光是想一想那些台词都会让人非常的感动。比如说里面的贾玲的母亲说，她希望她的孩子健健康康就好。这句话其实是一句非常普通的话，但是当时那个画面真的让人感到非常的触动。当时的贾玲在听到这句话的时候，眼睛里面含着泪水，然后带着一种爱和悔恨的眼神看着她的母亲，她听到这句话的时候，肯定内心也是非常不好受。

综上，我们可以发现，《你好，李焕英》这部电影真的是一部非常感人的电影。对此，你有什么其他看法？可以在评论区里说一下，大家一起来讨论一下。

『陆』 这句台词是来自哪部电影

《时空线索》(Deja Vu)
译名：超时空效应/似曾相识/时凶感应/时空线索
导演：托尼·斯科特(Tony Scott)
主演： 宝拉·伯顿(Paula Patton) （饰 克莱尔）
丹泽尔·华盛顿(Denzel Washington)
（饰道格·卡林)

一艘游艇在美国独立日当天发生爆炸，ATF探员道格着手调查，他依靠敏锐的直觉发现这起恐怖事件与另一桩凶杀案之间有着千丝万缕的联系。道格被派到一个新部门，在那里获准使用秘密设备“时间之窗”，他可以跨越时空，回到四天前制止凶案发生，同时破坏恐怖计划，但随着侦查工作逐步深入，道格发现自己爱上了凶案的受害者，而她与这起恐怖事件之间又有着深不可测的联系，事情越来越离奇古怪，道格有没有可能扭转已经发生的事实？
好莱坞的制片+导演最佳拍档：杰瑞布洛克海默与东尼史考特从1986年的《捍卫战士》开始到今年已经欢庆20周年。两人20年内合作过五部片子，加总起来总票房成绩超过十二亿美金，相当于四百亿新台币。下个月两人又将携手推出最新电影《时空线索》，老神在在的两位最佳拍档有了奥斯卡影帝丹佐华盛顿的加持，又是一部卖座保证。

从1986年汤姆克鲁斯(汤姆克鲁斯新闻,汤姆克鲁斯说吧)主演的《捍卫战士》(三亿四千四百万美金)开始，东尼史考特与杰瑞布洛克海默一共合作过五部电影：《比佛利超级警探2》(三亿美金)、《霹雳男儿》(一亿六千五百万美金)、《赤色风暴》(一亿五千七百万美金)到【全民公敌】(二亿四千五百万美金)。这五部电影部部都是全球票房卖座都超过一亿美金超级大片，累计票房超过十二亿美金。东尼史考特与杰瑞布洛克海默连手已经是票房保证。

《时空线索》更是两位幕后超级搭档与奥斯卡影帝—丹佐华盛顿继《赤色风暴》之后，相隔十年再度聚首。三位老搭档合作起来默契十足，丹佐华盛顿在两位幕后推手的打造下变身成为联邦探员，利用最先进的科技破解恐怖组织的犯罪行为，剧情错综复杂媲美《全民公敌》。

来自英国的导演东尼史考特行事非常低调，一顶褪色的红色棒球帽就是他的招牌。有个奥斯卡最佳导演的哥哥：雷利史考特，东尼史考特导演虽然没有哥哥出名，但是却也以票房证明自己的实力。有趣的是兄弟两人不但合资开设制作公司，经常互相担任对方电影制片的工作，今年十一月兄弟两人的两部电影《美好的一年》、《时空线索》将会接力在美国上映，互相扶持也相互较劲！

『柒』 好莱坞经典电影台词

好莱坞经典电影台词

导语：每个人都有一条自己最喜欢的电影台词，甚至是电影大亨们。下面由我为大家整理的好莱坞经典电影台词，希望可以帮助到大家！

女性票选的十佳电影语录

Women No. 10: "I'll have what she's having." —When Harry Met Sally, 1989

女士第10名：“给我来份和她一样的。”——《当哈利遇上萨莉》

Women No. 9: "Hello. My name is Inigo Montoya. You killed my father. Prepare to die." —The Princess Bride, 1987

女性第9名：“你好。我叫伊尼戈·蒙托亚。你杀了我父亲。受死吧。”——《公主新娘，1987》

曼迪·帕廷金说，到目前为止，这条台词是他说过的台词中最有名的一条，粉丝们一天至少要跟他说两三回。

Women No. 8: "You're gonna need a bigger boat." —Jaws, 1975

女性第8名：“你需要一艘更大的船。”——《大白鲨，1975》

“理查德和大卫都是非常吝啬的制片人，所有人都不断告诉他们‘你会需要一艘更大的船，’”《大白鲨》编剧卡尔·戈特利布回忆道。“任何时候出任何差错，这句台词就变成了一句口头禅，无论是迟来的午餐还是不断晃动的镜头。”

Women No. 7: "The first rule of Fight Club is: You do not talk about Fight Club." —Fight Club, 1999

女性第7名：“搏击俱乐部的第一条规定就是不许议论搏击俱乐部。”——《搏击俱乐部，1999》

爱德华·诺顿和布拉德·皮特非常认真地为《搏击俱乐部》做准备。两个人都参加了拳击、跆拳道以及擒拿课程，并学了几小时UFC编程。皮特甚至还去看了牙医，凿碎了门牙。一位制片人中意拉塞尔·克罗，想要他出演泰勒·德登，但另一位制片人驳回了他的建议。

Women No. 6: "Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine." —Casablanca, 1942

女性第6名：“世界上有这么多城镇，城镇里又有这么多酒馆，而她却偏偏走进了我这家。”——《卡萨布兰卡，1942》

《卡萨布兰卡》在最喜欢的电影语录100强中占有最多的席位。

Women No. 5: "May the Force be with you."——Star Wars, 1977

女性第5名：“愿力量（原力）与你同在。”——《星球大战，1977》

原版电影中好几个角色都说过这句台词，但是令人惊讶的是这几个人里都没有欧比王·肯诺比。直到拍摄2002年《星球大战II：克隆人的进攻》，欧比王·肯诺比才说出这句台词。

Women No. 4: "There's no place like home."—The Wizard of Oz, 1939

女性第4名：“没有什么地方像家一样。”——《绿野仙踪，1939》

根据奇幻小说进行电影改编有很大的自由。而这部电影制作人直接引用了书中原文。

Women No. 3: "Toto, I've a feeling we're not in Kansas anymore."—The Wizard of Oz, 1939

女性第3名：“托托，我觉得我们已经不在堪萨斯州了。”——《绿野仙踪，1939》

自从桃乐丝在77年前第一次说出这句台词，它就不断穿越在电视和电影中，从《阿凡达》到《实习医生格蕾》再到《吉尔莫女孩》。

Women No. 2: "Here's looking at you, kid."—Casablanca, 1942

女性第2名：“孩子，我这里会一直关注你。”（另有版本：这杯敬你亲爱的，这杯敬你的眼眸）——《卡萨布兰卡，1942》

这句台词的日语版是“Kimi no hitomi ni kanpai'”，字面上的意思就是“为你的眼睛干杯。”美国翻译协会的一位译员称其为“优秀电影台词翻译的经典例子”，因为日语版的台词抓住了英语(精品课)版台词的精髓。

Women No. 1: "Frankly, my dear, I don't give a damn."—Gone With the Wind, 1939

女性第1名：“坦白说，亲爱的，我不在乎。”——《乱世佳人，1939》

电影上映前的两个月，审查员要求删掉“damn”（该死）这个词。在审查员允许保留“damn”之前，制片人想了22条不同的台词，包括“Frankly, my dear, I don’t give a whoop”（坦白说，亲爱的，我不会大喊大叫。）

男性票选的十佳电影语录

Men No. 10: "I am your father."—Star Wars Episode V: The Empire Strikes Back, 1980

男性第10名：“我是你的父亲。”——《星球大战V：帝国反击战，1980》

电影史上引用最多的台词之一。

Men No. 9: "I'll be back."—The Terminator, 1984

男性第9名：“我会回来的。”——《终结者，1984》

施瓦辛格想把“I will be back”换一下，因为听起来就像机器人一样的`台词，而他在“I'll”的发音上又遇到了困难。他说詹姆斯·卡梅隆导演“看着我就好像我精神错乱了一样。”

Men No. 8: "Why so serious?"—The Dark Knight, 2008

男性第8名：“何必这么认真？”《黑暗骑士，2008》

希斯·莱杰精彩扭曲的表演可能是20~29岁投票人选择这句台词作为最佳的原因。

Men No. 7: "Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine."—Casablanca, 1942

男性第7名：“世界上有这么多城镇，城镇里又有这么多酒馆，而她却偏偏走进了我这家。”——《卡萨布兰卡，1942》

这句台词被女性选为第6名。

Men No. 6: "You talkin' to me?"—Taxi Driver, 1976

男性第6名：“你在跟我说话吗？”——《出租车司机，1976》

罗伯特·狄·尼洛即兴说出了这句台词。剧本只是说，“特拉维斯在镜子中自言自语。”作家保罗·施拉德告诉演员，他的角色就像“一个表现强硬的玩枪的小孩。”

Men No. 5: "May the Force be with you."—Star Wars, 1977

男性第5名：“愿力量(原力）与你同在。”——《星球大战，1977》

女性选出的第5名也是这句台词。

Men No. 4: "Here's looking at you, kid."—Casablanca, 1942

男性第4名：“孩子，我这里会一直关注你。”——《卡萨布兰卡，1942》

这句台词被女性选为第2名。

Men No. 3: "You're gonna need a bigger boat."—Jaws, 1975

男性第3名：“你需要一艘更大的船。”——《大白鲨，1975》

男性和女性选出的10佳语录中都有这句台词。

Men No. 2: "Frankly, my dear, I don't give a damn."—Gone With the Wind, 1939

男性第2名：“坦白说，亲爱的，我不在乎。”——《乱世佳人，1939》

100强中排名第一的台词，男性选出的第二名，女性选出的第一名。

Men No. 1: "I'm going to make him an offer he can't refuse."—The Godfather, 1972

男性第1名：“我会开出一个他无法拒绝的条件。。”——《教父，1972》

在《教父》的三部电影中，这句台词稍有不同。编剧马里奥·普佐和导演弗朗西斯·福特·科波拉共同创造第一部电影剧本的时候，两人在不同的海岸上，普佐在纽约，科波拉在旧金山，他们是用邮件交流意见的。

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『捌』 「其实啊，我是一个演员」关于翻拍的《新喜剧之王》，我有话说

那一年的柳飘飘还在一边织着毛衣一边对晚回家的尹天仇破口大骂。

那一年的尹天仇还穿着九分裤跑到街道上扭捏着身子说“我养你啊”...

有人说，《喜剧之王》这部电影，小时候看觉得是喜剧，现在看来是悲剧。

周星驰曾说：“我以为我拍了很多悲剧，可是拍出来你们都觉得那是喜剧。”

是啊，如果有一天小丑哭了，你会不会觉得他在 搞笑 ?

星爷的《喜剧之王》，相信在很多人心中都占据着很高的地位。

也许在普及度上逊于《大话西游》，夸张及 搞笑 指数更是可排在倒数，但这却是他目前为止最动人的影片。

而更为重要的是，它不可取代。

相信大家也听到了《新喜剧之王》将于2019年大年初一上映的消息。

不禁纳闷，好几部经典港片因为拍续集的问题被骂的狗血淋头，为什么还要对影迷心中的丰碑动刀？

而且，据说这次还是星爷想要重启这个IP。

更让人觉得不能接受的是，星爷并不出演。

导演换为邱礼涛，周星驰只担任监制，王宝强饰演男主，姚晨饰演女主，鄂靖文、张全蛋、林允也将参演。

尽管因为女主的问题一直闹的沸沸扬扬，但男主角基本上确定就是王宝强。

这要真像微博说的是王宝强来演，那哪儿是《喜剧之王2》啊，分明就是《喜剧之王二》啊

没有贬低王宝强的意思，他的演技是不用担心的。

但是并不是演技好就能胜任所有角色，《喜剧之王》虽说算是一部星爷在演艺圈打拼的半自传电影，但是这种独有的星爷情怀启宏却是无可替代的。

就像之前宣传的定于19年贺岁档上映的《美人鱼2》因为动用了大量特技后期制作耗时费力，所以必定要与春节档擦肩而过。

可能是星爷并不想要放弃贺岁档，所以启动《新喜剧之王》，而且要在贺岁档之前全部完成。

《大话西游》的残余价值经过《降魔篇和伏妖篇》后所剩无几，星爷最终还是走到这一步了。

没关系，咱们还有新鹿鼎记、新功夫、新食神新、回魂夜可以来...

首先从制作和演员上来看，感觉《新喜剧之王》100%要凉。

“放肆的高声叫，我快要融化掉，心狂飙，甜蜜正在持续燃烧。”

是我们在《喜剧之王》里最狂热地爱周星驰的时候。

那是正初出茅庐还没有出事的张柏芝，那是正在巅峰顶点还没有众叛亲离的周星驰。

即便是喜剧之王，扒开无厘头的真相之后原来也是一场悲剧的过程。

没有奇迹出现而不能咸鱼翻身的小人物不得不让我们和从前产生了巨大的心理落差。

不知道这是不是就是熟悉惯了夸张 搞笑 的观众猛然间接受不了背后的故事这种悲情手法吗

而导致这部本来应该是星爷里程碑的作品却票房一片惨淡的主要原核肆因。

每次看《喜剧之王》都会想起那个曾经跑过龙套的星爷，总是忍不住心酸的微笑，忍不住憧憬的叹息...

我实在找不到更好的语言来形容这部真正奠定他在中国电影史上喜剧之王地位的扛鼎之作。

比如说街坊中有一个不穿裤子的小孩，一个抱洋娃娃的女孩，一个用英语唱粤剧的老头，站在那里百无聊赖抽烟的大叔...

以及混混帮三人组，听尹天仇讲“痛应该是由内到外再到回内”听到呆滞。

值得注意的是《喜剧之王》里还有很多老人家的戏份。

洪爷的阿嬷苦口婆心劝孙子不要去打架，被尹天仇解围说其实是去拍戏，阿嘛好开心，亲了孙子一口。

被洪爷嫌弃说：“我一世英雄，被她搞到一脸口水。”

平时对所有人都低声下气的天仇这次居然勇敢地回呛他：“她才是英雄，你不是。”

在《喜剧之王》里，周星驰饰演饱尝悄氏册世事辛酸却仍痴迷于表演的临时演员尹天仇。

通过这个角色的塑造，周星驰为观众展示了他表演才能的另一面：原来笑里也是可以带泪的。

孤独的夜晚，狭小的房间，失意落魄的尹天仇。

不知前路如何。墙上那一堆海报，给这黑暗的房间带来了一丝暖色。

发呆时面对着这些海报，吃饭时也面对着这些海报，因为这些都是他的梦想。

换上试镜时穿的西装，打量着镜子里面的自己，愁闷又明亮的眼神。

"其实我是一个演员，什么时候，我也可以像墙上海报那些演员那样出色？"

和星爷之前的电影相比，

戏里的主角没有了张扬的插科打诨和扮猪吃老虎的巴黎铁塔倒转再倒转，是真的低到尘埃里的芸芸众生。

我写不出像样的影评，唯有记录自己看片的感想，或喜或悲。

当他原以为终于拥有男主角的演出机会时，结果却是残酷的被换角，看到他死抓着剧本不放，一遍遍不放弃的争取。

那几幕，是一直深刻于心底的悲痛感。

港产电影的盛行年代，何时认识周星驰，我已不复记忆。

印象中的片段，是中央6套不厌其烦的重播着周星驰的剧场，炎热漫长的暑期，拌着荧幕上令人发噱的画面入喉，满满的欢笑开心下肚。

我想，所谓「无厘头式」的周星驰电影，早已养刁了很多人胃口。

一句对白、一个表情，就有一种生活化的笑点。

就像曾看过某段文句，当你称呼蟑螂为「小强」的时候，无形中，早已被周星驰影响着

他的喜剧，就是让观众在潜移默化中受感染。

所以，在姑且保持期待这部新作心情之前，可以回顾《喜剧之王》这部电影的视听语言，为什么它非常优秀？

好像几乎所有的人说到《喜剧之王》时，都会讲到一点：

它将悲剧和喜剧融合到了一起，让你笑的同时发现自己已经不知不觉掉下眼泪，达到了喜剧的最高境界。

也有人觉得这是星爷的自传，他本来是想讲一个令人伤感的故事的，但他实在不好意思，于是就只有在揭疮疤的时候自嘲一下。

故做轻松，让大家笑一笑。于是在我们笑过之后，突然觉得这个人好可怜。

试想要是整天在这个荒唐的世界扮一副满不在乎的嘴脸，大概心里也会觉得自己变态。

所以当我们听说演员生活中是抑郁症，或者直接从高楼跳下，并不感到特别奇怪，他们似乎向这个世界用生命进行一次讽刺。

关于电影本身，其实早已无须赘言，我想谈谈这部电影对大多数观众的影响，或者说，这部电影对人生的意义。

倒不是说它有后者那些电影那般享誉世界的经典地位，而是，它像这些电影一样，

都具备了一种意味深长的意义 ，并由此影响着观影者的思想、三观。

如果说《肖申克的救赎》之于观众的意义在于“自由与信仰”；

《当幸福来敲门》之于观众的意义在于“坚持与勤奋”；

《天堂电影院》之于观众的意义在于“友爱与世界；

那么，《喜剧之王》之于人生的意义则在于——梦想与坚持

1998年，金凯瑞凭借《楚门的世界》一片展露了他隐藏在那张搞怪面孔下的精湛演技，夺得金球奖最佳男主角。

1999年，周星驰自编自导自演了《喜剧之王》。

无论在票房数字还是观众口碑上，周星驰证明了自己对“喜剧之王”的称号，可以当之无愧。

和金凯瑞一样，在跨进角色以后，也许亦是时候以较认真的态度来审视“喜剧之王”的意义，甚至是角色扮演的意义。

于是，《喜剧之王》其实也就是周星驰的 搞笑 版的《戏梦人生》。

由货真价实的“喜剧之王”来诠释一个卑微小人物对演戏的执着，总不免让人感到夫子自道的况味。

街坊福利会的小职员对演技的追求，理论与实际兼备，捧读大师专著《演员的自我修养》外，更不惜在片场寻求各种角色，但求演戏。

戏份多寡不拘，只要让他有机会发挥专业的演出水准。

没有因为际遇而自伤自怜，只有不断的屡败屡战。

在片场被人奚落，连饭盒也没资格吃，一转身依然兴兴头头的找演戏机会。

失去电影男主角的机会，在乡下演野台戏给邻居看也同样高兴。

此片是周星驰从影以来颇受争议的作品，盖因本片虽然是喜剧片，但内容几乎是一个悲剧。

周星驰1980年出道时一直只能在电视台跑龙套，跑了8年龙套才有机会转战电影。

诸如片中主角尹天仇对只有几秒钟的镜头仍试图与导演沟通自己的演法，

或是受导演批评死来死去都死不了、浪费剧组时间与底片等情节。

都是来自周星驰对自己早期演艺生涯的体会

所以有人说这是周星驰半自传体的作品是不无道理的，只有自身经历过才会有这样真切的感受。

他每天都去剧组跑龙套，即使霞姨对他三令五申也仍然不放弃要找一个小小的角色。

他每天都翻开斯坦尼拉夫斯基的《演员的自我修养》，合上书本后的他显得格外平静。

他每次都会耐心的告诉骂他是“死跑龙套”的人说：“其实我是一个演员。”

我们可以看到他在狭窄出租屋里，静默的看着贴满各色演员的小墙壁若有所思；

可以看到他在若无其事的社区里自顾自的思考着如何排演话剧；

可以看到他在片场像个皮球一样被踢来踢去，连管盒饭的大叔都看不上他；

可以看到他对自己心爱的女人满怀说不出的爱与苦闷...

没有太多的悲与喜，没有太夸张的挫与败，但谁都可以看到这其中的艰辛与不易。

在《喜剧之王》里我们可以清楚的看到星爷内心在挣扎，那种每天的失望带给他的不是麻木而是更大的失望。

但灰色的事实却很快被一个坚定的信念还原成出了亮丽的色彩。

但尹天仇很孤独，没有人去了解他丰富隽永的内心。

虽然有梦想做伴，但却找不到倾诉的共鸣。一个人的旅途是残缺的，还好有柳飘飘的出现。

柳飘飘也是个曾经有梦的人，但现实刺痛的回忆让她把这些深深的埋到了最心底。

她害怕回忆起来的那种焦灼，所以当第一次尹天仇问到她的初恋时她才会恼羞成怒转身离去。

埋在心底的隐痛拿出来接受阳光的曝晒是需要勇气的，还好柳飘飘并没有像大多数人一样放弃梦想，只是把它藏了起来。

当她遇到尹天仇后，她的梦想开始复苏了。

所以当尹天仇大声的对着飘飘喊：“我养你啊！”

飘飘在车里无法抑止的泪流满面，这是梦想还原那一刻的悸动。

所以当尹天仇因为娟姐的器重得到男主角的角色时，他不可抑止的欣喜冲刷掉了以往所有的失落。

这是梦想实现那一刻的激动。

那是梦想的所有载体，咫尺之远，却眼看着要逝去。我终于还是看到了星爷失落的表情。

“你还是走吧！”剧组的人员最后还是忍不住说出了这句话。

我不知道周星驰在现实的奋斗过程中遇到过多少次这样的挫折，那种无可奈何的失落表情让我觉得心底都被掏空了一般。

同样的表情，同样的感觉也来自柳飘飘。

看到和娟姐在一起的天仇，看到娟姐呵护关切的话语，她好像明白了些什么。

勉强的微微一翘的嘴角，牵动着脸上因为倔强而受到的新伤。

她想也许这就是现实吧，也许自己本来就不应该做梦吧...

面对着驶远的车子，她自嘲一样的失落的说了一句：“就这样吧！”

这句话说出来平静如斯，却承载了多少痛苦和压抑。

张柏芝在影片中的表演是她再也回不来的惊艳。

有了尹天仇的柳飘飘终于不再支离破碎，她学着打毛衣。

学着像一个家庭主妇那样等爱人回家，学会像自己痛恨的职业、麻木的生活说“不”。

但却改变不了破着嗓子骂人，我以前不理解为什么尹天仇疲惫的对飘飘说了一句“我爱你”，

柳飘飘自然懂得，她回头淡定一笑，却在车上哭成泪人。

天知道柳飘飘要耗尽多大的勇气才敢喊停娟姐的车，比起之前的欲言又止暗流汹涌，

“你上次说养我是不是真的”几乎是赌上一切的追问。

也许是张柏芝身上那股野蛮的纯真，让周星驰不忍下重手吧。

但是周星驰最终温柔地给了柳飘飘一个没有负心的答案。

“真的”

那时候张柏芝只有18岁，要演好一个清纯的舞女这么矛盾的角色，可不是随便当个花瓶就能搞定的。

张柏芝塑造柳飘飘最成功的一点在于，有一个普通女生的喜怒哀乐，但不失信心和希望。

毕竟当年的张柏芝，是连张曼玉都表示“张柏芝是香港电影未来的希望，请大家好好保护她”的人。

是连林奕华都说只有在她身上才感觉到“法国少女般自由气息”的人。

尹天仇跟柳飘飘相识时曾这样说：

“你一定会成为一个非常出色的坐台小姐。”

“你也一定会成为一个非常出色的死龙套。”

之后尹天仇又跟柳飘飘这样说：

“看，前面漆黑一片，什么也看不着”

“也不是，天亮后便会很美的。”

尹天仇说的一嘴好戏，却总是在剧组受到不平等待遇，而柳飘飘面貌姣好，却找不到真心关爱她的人。

这些在 社会 低下打拼的人有一套自我的排解方式，追求梦想，可以抛开这一切的难题。

这就是为什么《喜剧之王》能够触动到我们的内心的原因？

被爱情出卖的柳飘飘则选择了用沉沦的方式践踏自己的尊严，她以为每个小人物都应该是这样。

所以当她一次又一次地骂尹天仇死跑龙套的却被尹天仇一次又一次的微笑着挡回来。

“对不起，其实我是一个演员”的时候，她恼羞成怒了，因为尹天仇坚持的东西正是她已经放弃的东西。

而更让她怒不可遏的是，尹天仇只顾维护自己的自尊却毫无顾忌地说她们是“出来卖的”，也难怪那一板凳砸的如此扎实。

在海边擦唇膏的那一幕其实也很值得回味。

她做他的一人观众，在他表演时拍手；他在树下教她拥抱，她把头生硬的靠在他肩膀上。

底层人物的爱来的谨小慎微，她试探的责怪天仇嘴唇干燥，然后用自己涂有唇膏的嘴去滋润他。

作为在底层为生存而挣扎的人而言，他们 情感 的表达显得相当粗糙而含蓄，唇枪舌剑寸步不让间寻找到彼此柔软的缝隙，然后迅速一贴即合。

这就是市井小人物的真实爱情。

对于小人物而言，很多时候其实都只是在嬉嬉闹闹中相濡以沫，没有什么花前月下，也没有什么缱绻缠绵，

只有一句实实在在的，我养你啊。

被初恋男友欺骗的经历并未让飘飘失去爱的能力，她爱上了这个眼神闪躲的男人。

一夜欢愉之后，天仇从幸福中惊醒。飘飘穿着他的衬衫，散着长发坐在窗台上。

一副与过去决裂重获新生的样子，这是一个别人没有到过的境地，眼神也柔软了下来。

她把他吓坏了，如果说其中有爱情的成分，此时的飘飘却是他不配爱的样子。

于是用背对着她，仿佛一旦勇敢，就低贱了飘飘，一定不得善终，这是尹天仇第一次体会到的宿命。

尹天仇留下了那本《演员的自我修养》，虽然后来还是被飘飘带了去。

那是他唯一能证明自己是一个演员的见证，他对它充满敬畏，是不可或缺的仪式感。

用钱能买到的感情都不贵，她真的好贵，想要补偿她，倾其所有哪怕连硬币都用上了，真的就是一个男人的全部了。

看到了报酬，看到了划清的界线。

天仇追出来给出承诺后“我养你啊”

她强颜欢笑：“你先养好你自己吧，傻瓜。”

上车后再哭，他爱她爱不起，她怪他怪不起。

回顾这一场戏，尹天仇的情绪分别经历了： 爱慕—自卑—羞愧—不甘—自嘲—鼓起勇气—表白—失落几个重大转折。

一个在身陷爱情又努力过最终无力改变现状的状态呼之欲出。

那么柳飘飘呢？ 欣喜—失望—期待—鄙夷—不忍又嘲讽—狂喜狂悲—泪如雨下。

类似这样的高水平处理，在后面柳飘飘追车段落、尹天仇交还剧本的段落一样不差

这就是为什么二十年后，人们看到这部讲述“死跑龙套”的电影，依然会潸然泪下的原因。

“对不起，我是卧底”，达叔一脸无奈的说着，尹天仇终于放松瘫倒在地上。

这个片段一度被我认为是片中为数不多的 搞笑 的场景之一，如同他扮死尸被众人一顿揍都不起身的愚蠢一样。

小时候只当是小人物的自娱自乐一带而过，长大后回想起当年的片段，却忍不住红了眼眶。

我没有见过，或者说，我没有亲眼见到过我身边有哪个男人，可以将他的爱好作为一项事业努力的发展，可以在被众人唾弃的时候只要看到一点点希望的曙光都会不畏千险的扑上去。

当他说“对不起，我是个卧底”的时候，我突然觉得再也没有比尹天仇更好的演员。

不错，星爷最后一场的歹徒巢穴，以及与不同的角色对手，如莫文蔚、张柏芝、吴孟达等演出各自不同的性格、感情。

确实是让人们看到他不同的表演方式。

然而星仔太注重于自己的表现了，太过于自信了。

尹天仇这个角色不再是不自觉的无厘头，看不到星仔过往的神采。

这种刻意，非常明显地表现出其要成熟却又自恃的一面。但偏偏观众所要的并不是这些东西。

也就是说，影片已没有了他过往突如其来的惊喜。这是星爷的一次失败。

影片片尾剧情翻转的很厉害，突然走调，尹天仇被随意地变成警方破案人物，深入歹徒巢穴冒险一番。

与原来的喜剧处境不是一回事，这说明剧本构思出现了问题。

当然星爷也有可能是突出小人物不平凡的一面，毕竟经典，在这里就不多说了。

编、导、演样样拿得起，放得下的周星驰。

当然陪他一起表演的有古惑仔、有港女、有达叔...

这些港片里脱离不开的戏剧元素，到了《喜剧之王》里，全成了人生如戏，表演的意义得到了消解又随之放大。

影片中反复提及的一本名为《一个演员的自我修养》著作，按周星驰的理解，等着开工，等着演戏，便是一个演员最该具有的修养。

不管怎样，《喜剧之王》在我心中都是仍不可超越的电影。

最后用电影中我最喜欢的两句台词结尾。

"喂，睇下前面几鬼黑，乜都睇唔到"

"都唔系噶，天光之后就会好靓"

同时，也持续期待着《新喜剧之王》能带给我们更多的回忆。

『玖』 一块钱的馕,你不吃出根线来还想吃出毛毯来吗 这句话是哪部电影里的台词电影名

是2014年的贺岁电影《禁止吸烟》。

1、《禁止吸烟》是一部于2014年上映的吴刚董新文导演的国产电影。

2、2014年由新疆爱森电影制片有限公司、新疆华侨国际旅行社联合出品制作的新疆首部公路喜剧贺岁片。

创作经历

影片导演和编剧董新文说，剧本完成于2005年，当时是基于中国电影市场没有类似的类型片而创作的，很多投资人认为故事人物众多剧情太复杂而不愿投资，直到2006年《疯狂的石头》打响了这类影片在中国的第一枪，剧本才得到重视。

2009年终于找到投资投入拍摄，后期制作较为艰辛，直至2014年才推入电影市场，其中一些梗便显得过时。影片讽刺了当下人们驱利的现象，我们投身文化事业，只想以文化的形式为社会做点什么。